Entrevista con Benjamin Plant de Miami Horror: «Nuestro nuevo álbum es una oda a la infancia y cómo mirábamos hacia el futuro»

Tras nueve años de espera, Miami Horror está de regreso con su nuevo disco, We Always Had Tomorrow, que verá la luz el próximo 21 de febrero. Como adelanto de esta esperada producción, han lanzado el sencillo «Glowin», una muestra que encapsula la esencia del álbum. Según la banda, este trabajo es «una oda a la infancia y cómo mirábamos hacia el futuro como si no hubiera un final a la vista. Es una exploración profundamente personal de la adolescencia, el crecimiento y la interconexión del universo.»

Reconocidos por su capacidad de fusionar géneros y su enfoque innovador, Miami Horror vuelve con una visión renovada tanto en lo musical como en lo artístico. Tuvimos la oportunidad de conversar con Ben Plant, quien compartió su perspectiva sobre los retos que enfrenta la industria musical. Entre otros temas, habló sobre la frustración que genera lidiar con la tecnología y las tareas administrativas que distraen de la composición, así como los desafíos de ser creador en la era del streaming. Más allá de las cifras y los millones de reproducciones, Plant reflexionó sobre los obstáculos financieros y contractuales que enfrentan los músicos hoy en día. Desde la complejidad de los acuerdos con los sellos discográficos hasta la necesidad de comprender las diferencias entre los derechos de publicación y los masters, su experiencia aporta una perspectiva valiosa sobre el panorama actual de la industria.

¿Es muy temprano para ti ahora mismo?

No es demasiado temprano, sí es temprano, pero no tanto. Estuve trabajando anoche hasta como las 3:00 AM.

¿Prefieres trabajar de noche? ¿Sientes que necesitas dejar fluir la inspiración hasta completar algo, sin importar el resultado?

No realmente, antes solía hacerlo, trabajar de noche, a veces es bueno por esa razón. Anoche, sin embargo, solo tenía que terminar algunas cosas antes del inicio de la próxima semana. Tenía que enviar algo, nada emocionante.

Suena un poco a que tenías que escribir o hacer algo que no es tu principal vía creativa.

He estado trabajando en cosas como el diseño gráfico. Están ajustando el diseño para la impresión del vinilo, y cada vez que les daba instrucciones, me lo devolvían mal. Así que tuve que abrir Photoshop y hacerlo yo mismo.

Ese es uno de los problemas con los correos electrónicos. No importa cuán buena sea la tecnología, a veces es mejor tener una conversación cara a cara, ¿no?

Sí, totalmente.

Miami Horror combina electrónica, indie y pop. ¿Cómo logras equilibrar estos géneros en tu proceso creativo?

Siempre hemos hecho un poco de ambos lados: cosas emotivas, tipo indie, o canciones con samples e influencias disco, nos sale de forma natural. Para este álbum, originalmente queríamos enfocarnos solo en el lado emocional o emotivo por los temas. Son bastante introspectivos, así que tenía la mayoría de ese lado hecho. Pero luego empecé a añadir canciones felices, divertidas, y de repente ya había dos, tres, cuatro de ellas, pasó simplemente así. Me pongo en un estado de ánimo y termino haciendo un montón de canciones de ese tipo. Este álbum es casi mitad y mitad.

Me parece que lo emotivo/emocional te guía la mayor parte del tiempo. No lo digo en un mal sentido, pero depende de lo que intentas lograr. Parece que es importante para ti.

Me gusta encontrar ese sentimiento muy sutil en el medio. No es triste, y no es feliz. Es todo ese tipo de sensaciones agridulces, melancólicas. Esa es el área que me gusta explorar porque la gente puede conectarse con ella a su manera. Esos sentimientos también pueden traer una sensación de esperanza. Aunque sea emocional, sigue siendo esperanzador.

Quizá me estoy yendo al extremo, pero supongo que no siempre es blanco y negro. Hay una paleta mucho más amplia en medio, como dijiste. ¿Has visto Intensamente (la película)? Es animada, y luego se malinterpreta, pero muestra cómo las emociones son realmente complejas, cómo hay de todo en cada recuerdo. Algo puede ser lo más triste, pero también alegre de alguna manera. Deberías verla.

La tendré en mente. Incluso podría ser que ya la haya visto. Siempre olvido los nombres de las películas que he visto. Veré si mi pareja la ha visto también.

¿Cuál es tu punto de partida habitual? ¿Una melodía, un ritmo, un concepto o algo intermedio? ¿Alguna vez te sorprendes tarareando algo y sientes la necesidad de terminarlo?

Puede ser cualquiera de esas cosas, realmente. A veces comienza con otra canción que me inspira. En cierto modo, podrías decir que comienza con un estado de ánimo o un concepto porque pienso: «Quiero hacer algo que se sienta así». Otras veces, es un sample o un loop de una canción antigua, y construyo todo alrededor de eso. A veces simplemente estoy de humor para hacer baterías. Cuando comienzas con las baterías, puedes obtener una base realmente sólida. Todo lo que agregues—piano, acordes—se construye de forma natural, y todo encaja muy bien. Empezar con baterías puede ser una forma muy efectiva de lograr que todo suene bien desde el principio.

Hablando de lo visual—diseños de vinilos, videos y todo eso—¿Cómo abordas la combinación de música y narrativa? ¿Te gusta involucrarte en la parte visual o prefieres que alguien más tome el concepto y lo desarrolle?

Desde el principio, siempre me gustó involucrarme, y quizá en algún momento vuelva a hacerlo. Pero, sinceramente, mi sueño es que alguien que sea realmente bueno en eso llegue y cree algo increíble. A veces, cuando intentas involucrarte demasiado, puede salir mal. Por ejemplo, si tengo una visión para el video de una canción y esa persona tiene una visión completamente distinta, se siente como si estuviera obligándolos a hacer algo que quizá no les sale de forma natural. Eso puede llevar a resultados que se sienten un poco forzados o fuera de lugar.

Es difícil encontrar un equilibrio porque quieres estar involucrado—tu música es algo personal. Pero, en un mundo ideal, me encantaría que alguien entregara algo tan bueno que no haya nada que agregar. Además, dar retroalimentación constantemente puede ser muy estresante. Por ejemplo, pasé mucho tiempo editando el diseño del vinilo, moviendo objetos apenas unos milímetros en la portada del álbum. En ese tiempo, podría haber escrito una canción completa. Es frustrante, porque no debería tener que hacer ese tipo de trabajo. El sueño, ojalá, es que algún día tengamos suficiente dinero para contratar a personas realmente talentosas. Pero los videos son cada vez más caros. Creo que te habrás dado cuenta de que cada vez menos artistas hacen videoclips hoy en día. Y eso es porque realmente no hay un retorno para ellos.

Ya que mencionaste el dinero, quería preguntarte sobre eso. He estado leyendo mucho sobre cómo el modelo de ingresos por streaming no es realmente rentable para muchos artistas. No es autosustentable, y ahora que mencionas gastar en videos como algo que no genera mucho retorno, casi parece un proyecto por vanidad. ¿Qué opinas de eso? ¿Cómo manejas esas restricciones financieras, especialmente con ingresos bajos por streaming?

Sí, la conversación sobre el streaming es interesante porque no creo que sea cierto. De hecho, creo que el streaming es una de las mejores cosas que le ha pasado a la música en los últimos 15-20 años. Si entiendes cómo se les paga a los artistas, todo se reduce a dos categorías principales: la grabación master (la persona o empresa que posee la grabación) y la publicación (la parte del compositor). Este sistema siempre ha existido, pero mucha gente no entiende cómo funciona. Si piensas en los años 2000, los CD básicamente habían muerto, y todos estaban descargando música gratis. No había dinero en poseer las grabaciones master. Los artistas dependían casi por completo de los ingresos por giras, y si tenías la suerte de colocar una canción en un anuncio, el compositor ganaba una cantidad decente. Pero incluso entonces, si estabas firmado con un sello grande, probablemente se quedaban con el 80% de los ingresos.

Es una locura cuando lo piensas: el 80% de lo que creas va al sello. Y en ese entonces, estar “firmado” se vendía como este sueño, como prueba de que lo habías logrado. Los sellos te financiaban, claro, pero siempre con condiciones. La mayoría de los artistas no entendían a dónde iba su dinero. Por ejemplo, si hacías un video musical, el sello podía pagarlo por adelantado, pero ese costo salía de tu parte. Si solo te llevabas el 20% de tus ingresos, eso significaba que para recuperar el costo de un video de $20,000, tu música tenía que generar $100,000 en ventas. Y eso era solo para el video. Si recibías un adelanto para hacer el álbum, digamos $20,000 o incluso $40,000, necesitabas vender $200,000 en música antes de ver un solo dólar.

Ese es el problema clave con el sistema antiguo. La mayoría del dinero iba a los sellos. Pero con el streaming, más artistas que nunca están ganando dinero con regalías de grabaciones master. Yo tengo dos proyectos, así que recibo regalías de dos sets diferentes de grabaciones master, y para mí, el streaming es ahora la principal fuente de ingresos. Entonces, cuando la gente dice que no está ganando dinero, generalmente es una de dos cosas: o no tienen una audiencia lo suficientemente grande, o están atrapados en un mal acuerdo con un sello o distribuidor. Si no tienes oyentes, tampoco habrías ganado mucho dinero en los viejos tiempos. Por ejemplo, un millón de streams equivale más o menos a unas pocas reproducciones en radio o a vender tal vez 100–200 copias de un disco. Eso no es mucho—quizás $200 por ventas y $20 por radio. Pero ahora, un millón de streams puede generar alrededor de $3,800 USD. La razón por la que algunos artistas no ven ese dinero es porque su sello, distribuidor u otra persona está llevándose una gran parte, o han acumulado deudas con la compañía discográfica. La gente no siempre lo entiende, pero el streaming ha creado una forma para que muchos más artistas ganen dinero que nunca antes.

Esa es una respuesta realmente interesante. Supongo que también depende de las generaciones de músicos, aquellos que estaban acostumbrados a las ventas físicas. Pero tienes razón, el adelanto es como tener una tarjeta de crédito para crear arte.

Sí, exactamente. ¿Tienes algún ejemplo de un artista que haya hablado de esto?

Uh, ahora mismo puedo pensar en Charlie Benante, el baterista de Anthrax. Recientemente dijo que está ganando cifras muy, muy bajas de los servicios de streaming.

Como baterista, ¿posee alguno de los derechos master? Esa es la primera pregunta que hay que hacer. Pero sí, veo esto todo el tiempo. Incluso Snoop Dogg habló de ello. Dijo algo como: «He tenido miles de millones de streams», y luego le preguntó a su manager cuánto había ganado con esa canción con Bruno Mars o quien fuera. El manager le dijo: “$4,000”. Y él respondió: “¿Cómo es posible? Tiene mil millones de streams, ¿y solo recibí $4,000?” Eso es completamente falso. Mil millones de streams son al menos $4 millones, probablemente más como $1 millón. Si él no está recibiendo eso, es por cómo se divide el dinero. La discográfica podría quedarse con el 80%, Bruno Mars con el 17%, y Snoop Dogg con tal vez 1% o 2% por su verso. Incluso si Snoop coescribió el 30-40% de la canción, podría no entender completamente la diferencia entre los derechos master y la publicación.
Incluso dijo: “Le pregunté a mi editor por qué no me pagaron desde Spotify”. Pero Spotify y los derechos de publicación están casi totalmente separados. Los ingresos de publicación desde Spotify son mínimos.
Muchos compositores piensan que deberían ganar mucho dinero con el streaming, pero nunca lo hicieron.

Es una manera muy interesante de verlo. Supongo que la mayoría de las personas no leen la letra pequeña en sus contratos, y este tipo de cosas simplemente pasan.

Sí, exactamente. Y, sinceramente, me encantaría seguir hablando de esto porque es frustrante. ¿No es una locura que tantos artistas no entiendan sus propios contratos?

Tal vez no es solo que no lo sepan. A veces la gestión tampoco lo explica, incluso podrían estar traicionando al artista.

Es posible. Pero ¿sabes quién realmente no quiere explicarlo? Las discográficas. Quieren que creas que Spotify es el problema. Quieren que pienses que Spotify no te está pagando. Pero Spotify les está pagando $1 millón; simplemente no lo estás viendo tú.

Entonces, ¿el dinero se queda atascado con la discográfica? Por eso los artistas deberían examinar más de cerca sus contratos y tal vez por eso más personas están comenzando sus propios sellos discográficos, ¿no?

Exactamente. Las discográficas son geniales para ayudar a construir impulso al principio. Pero ahora, con todo tan impulsado por algoritmos, si te va bien en el streaming, no querrás estar atado a un contrato de seis álbumes. Nunca ganarás dinero. Si firmas solo por uno o dos álbumes, el sello puede ayudarte a establecerte. Luego, una vez que eres libre, puedes invertir tus propios $30,000 en un álbum y potencialmente ganar $600,000 o más. En el pasado, era más difícil. Tenías que ser un acto independiente masivo para ser notado. Pero ahora, una vez que estás establecido en el algoritmo de Spotify, no importa si el sello lanza tu canción o lo haces tú; seguirás obteniendo streams.

OK. Supongo que también tener una de tus canciones más famosas con Kimbra ha sido útil, ¿no? Es decir, la gente que la escucha a ella y conoce los mil millones de streams de “Somebody That I Used to Know” podría encontrar su camino hacia tu música.

Oh, sí, definitivamente. Ese es probablemente el mejor ejemplo. Una colaboración como esa ayuda a correr la voz; ya sabes, la gente descubre a Kimbra por esa gran canción y luego encuentran nuestra canción juntos. Así que sí, todo eso definitivamente ha ayudado.

He notado que solías venir mucho a América Latina, tocando en festivales y pequeños venues. ¿Hay alguna posibilidad de que regreses pronto? Tal vez para un DJ set o con una banda completa.
Nos encantaría. Pero la forma en que funciona es que un promotor tiene que invitarte. Para la banda, es realmente caro—alrededor de $14,000 solo para volar a la banda y el equipo. Eso hace que sea difícil siquiera alcanzar el punto de equilibrio. Pero con la música nueva, creo que será diferente. Ha pasado mucho tiempo desde que hemos tenido música nueva de verdad.

Hablando de la música nueva, acabas de lanzar un sencillo. ¿Planeas promocionar este álbum de manera más intensa?

Sí, lo estamos promocionando en redes sociales y dejando que el sello se encargue del resto tras bambalinas. Este es un álbum importante para nosotros, así que estamos emocionados por promocionarlo.