2X1: “I’m Your Boogie Man” KC & the Sunshine Band vs. White Zombie

White Zombie dentro de su corta existencia aparte de grabar muchas canciones con claras citas a películas de cine B e historias de ciencia ficción donde suelen mezclarse desde horrorosos panoramas hasta personajes bizarros con fantasías sexuales interplanetarias, gustaba mucho de los remixes y crear esta especie de “disco-inferno”, bailables pero con el factor terrorífico siempre impregnado.

Es por eso que por más curioso que se presentara, no fue tan extraño escuchar en su determinado momento a la banda de Rob Zombie interpretar uno de los clásicos de la onda disco como “I’m Your Boogie Man”, una cancion que, cuenta con el elemento perfecto para una especie de tergiversación de la letra desde el lado romántico hacia el lado fantasmagórico y siniestro , pero también a la vez con el factor bailable en su música, que en esta reversión no pudo haber sonado más original y bien adaptada. Entre los samplers que se usan aparece claramente la frase “He’s gonna get you! The Boogieman is coming!” de la película Halloween de 1978 y que fue rehecha por Rob Zombie el 2007.

La canción fue parte de su disco de remixes Supersexy Swingin’ Sounds, así como también de la banda sonora de la película “El Cuervo II” de 1996, un soundtrack que incluía versiones originales de canciones de Hole, PJ Harvey y Korn, entre otros.

Acá el intimidante video, muy al estilo Rob Zombie, y con él mismo de protagonista principal, por supuesto:

 

De la versión original de la KC & the Sunshine Band qué podemos decir: un himno de la onda disco de finales de los setenta y que  alcanzó el tope de las listas en varias partes del continente, también se comenta que la canción la escribió Richard Finch (compositor y bajista de la KC) inspirado en un DJ de una radio de Miami llamado Robert W. Walker.

Elijan su versión y saquen sus propias conclusiones, ¿con cuál se baila mejor? o más aún: ¿cuál asusta más?

2X1: “In-A-Gadda-Da-Vida” Iron Butterfly vs. Slayer

Una de las composiciones más aclamadas del rock clásico se realizó a manos de la banda norteamericana Iron Butterfly en 1968. Una banda que centró su apogeo en esa década, aunque con fugaces reapariciones en los 70’s, 80’s y 2000’s nunca pudo recobrar estabilidad como la que tuvo en su era dorada, de la cual el gran éxito se lo deben a este tremendo hit que no soltó el primer lugar en diversas listas, incluso durante casi un año después de su aparición.

Hablamos de ‘In-A-Gadda-Da-Vida’, una canción de nombre inexplicable, aunque cuenta la historia de sus sesiones que su baterista Ron Bushy tergiversó el nombre real del tema titulado en primera instancia aparentemente como ‘In The Garden of Eden’, pero que cuando se lo dijeron, no escuchaba bien debido a que tenía un casco puesto y así quedó de esa manera.

La clave del éxito de la canción fueron sus melodías de órgano, una gran intro con tal instrumento y el  dote barítono de su vocalista y tecladista Doug Ingle, aparte de su parte central con un solo increíblemente extenso de batería y con el factor sicodélico como prioridad en toda su esencia.

La banda estuvo a punto de tocar en Woodstock, ya que reunía todos los elementos para consagrarse aún más en dicho festival, pero una pelea en el aeropuerto se los impidió.

Por lo demás fue una de las bandas en que experimentó con el rock sicodélico por esos años en los cuales este estilo ya estaba dando mucho que hablar por todas partes del globo.

Te dejamos con este viaje de  diecisiete minutos, allá vamos:

 

35 años después llega una gran versión facturada por Slayer, parte de su disco Soundtrack of the Apocalypse, un box set que incluía rarezas, registros en vivo e incluso un libro con la historia de la banda.

Dentro de este box set venía incluída esta apabullante versión de ‘In-A-Gadda-Da-Vida’, la cual no dura sus diecisiete minutos originales, si no que es más bien fiel a la versión acortada, pero esta vez mucho más asesina en poder de Slayer:

 

Bueno y como bonus track nos fue imposible no recordar la gran mención a este clásico en la serie Los Simpsons, donde Bart Simpson cambia las partituras del órgano de la iglesia por esta canción en una de las escenas más divertidas y recordadas de la serie:

 

2X1: “Twist and Shout” The Isley Brothers v/s The Beatles

Una de las canciones más clásicas de la discografía de The Beatles, todo un emblema en fiestas sesenteras y donde la banda de Liverpool empezó claramente a llamar la atención y  a sembrar lo que se llamó la beatlemanía.

Pero lo que muchos no saben o al menos durante gran parte de tiempo pudieron no haberlo sabido es que esta canción no es propia de ellos, en el año 1962 los Isley Brothers hicieron su propia adaptación de la composición de Phil Medley, es decir, ni siquiera era de ellos sino que de los Top Notes, banda de Rhythim & Blues de los años cincuenta. La canción en primera instancia se llamaba ‘Shake It Up, Baby’ y propia del músico Phil Medley en esa ocasión se la entregó al productor estrella del momento Phil Spector quien la grabó para los Top Notes.

Vamos con la original primero, casi irreconocible y a manos de los Top Notes, luego Medley, el autor de la canción quedó completamente insatisfecho con este resultado:

[youtube]LsDpc-8iR8g[/youtube]

 

Acá la versión de los Isley Brothers, ya completamente identificable pero con una onda mucho más soul y en esta ocasión producida por el propio Phil Medley en respuesta al desagrado que le causó la versión realizada por Spector:

[youtube]cTaqn8_gMR0[/youtube]

 

La versión de los Isley Brothers fue grabada en junio de 1962 y The Beatles no tardó en reversionarla, ya que la canción fue incluída en su disco Please Please Me en marzo de 1963, un disco que fue grabado casi de forma compulsiva en tan sólo diez horas. Para el proceso de producción George Martin optó por dejarla para el final,  en vista que John Lennon estaba resfriado y desgastaría mucho su voz para el resto del disco. Eso sí, Lennon terminó por quedar sin voz después de grabarla pese a lo que se cuidó en ese período.

La canción alcanzó el segundo puesto de las listas el 4 de abril de 1964, una semana de locura para la banda en que los primeros cinco puestos del Top-Ten fueron ocupados por canciones de The Beatles. Con esto la beatlemanía ya empezaba a propagarse con todas de la ley.

[youtube]3_I8RCUpe-c&feature=related[/youtube]

 

2X1: “Roadhouse Blues” The Doors vs. Ministry

Una de las canciones más aclamadas de The Doors y que de paso es la apertura de ese genial álbum ‘”Morrison Hotel” de 1970. Una de las principales composiciones de esta mítica banda de Los Ángeles y donde el blues y el rock se cruzan de forma perfecta, también se caracteriza por el notable uso de la armónica ejecutada por un tal “G. Puglese” cuyo real nombre era John Sebastian.

Compuesta musicalmente por Ray Manzarek, Robby Krieger y John Densmore y con la lírica de Jim Morrison que no hace más que contar historias de sexo, drogas y juerga como las que muy bien conoció durante toda su existencia la singular figura del cantante.

El video, con esa ya clásica pero emocionante al mismo tiempo apertura del anunciador : “Ladies & gentleman , from Los Angeles, California: ¡¡The Doors!!

Una canción muy versionada, por bandas como Status Quo o Creed, quienes incluso la interpretaron en vivo junto al propio Robby Krieger de The Doors en Woodstock en 1999 o la de Eddie Vedder de Pearl Jam con todos los integrantes restantes de The Doors en 1993.

Pero los tejanos de Ministry, la banda siempre comandada por Al Jourgensen en el año 2008, y después de haber lanzado una gran trilogía de discos “Anti-Bush”, editaron un curioso disco junto a un colectivo de músicos de diversas bandas llamado The Co-Conspirators, donde, con su estilo muy industrial y potente, versionaron muchos clásicos del rock, entre ellos “Under my Thumb” de The Rolling Stones, ‘Space Truckin’ de Deep Purple, entre muchas otras. Pero sin duda la que más logró llamar la atención por su potencia y por su originalidad al momento de reversionar fue su potentísima relectura para este clásico de The Doors: ‘Roadhouse Blues’:

 

2X1: “Live and Let Die” Paul McCartney/Wings vs Guns ‘N’ Roses

El año 1973 se estrenó la primera película de la saga de James Bond, todo un hito en el cine de espionaje y acción y en esa ocasión protagonizada por el actor Roger Moore. La pelicula titulada Live and Let Die, basada en la novela del mismo nombre, quiso contar con un soundtrack adecuado y qué mejor que recurrir al ex-beatle en ese momento Paul McCartney y su aventura musical que vivía junto a su esposa Linda y otros músicos llamada Wings, para interpretar esta canción, también del mismo nombre de la clásica cinta.

Para la grabación de la canción Paul McCartney volvió a reencontrarse con el productor de The Beatles por excelencia: el gran George Martin, con quien trabajaron juntos en esta oportunidad, la canción reúne los elementos que Martin sabe trabajar muy bien como es la orquestación así que su participación fue esencial en el resultado final del tema.

Para la película incluso se le solicitó a McCartney que viajara al caribe donde mismo se estaba filmando, donde se le vio por ahí asustado junto a su piano por el ruido de las explosiones y de los efectos de la película.

Desde esta época que ya fue todo un clásico en las presentaciones de McCartney, incluso en su carrera como solista, dando pie a una presentación espectacular y con muchos fuegos artificiales incluídos.

El gran tema en su versión original de 1973, en este viejo video, con la intro de Paul y Linda comentando la película en el cine :

[youtube]nR46gQLyxuE[/youtube]

 

De esta gran canción se han hecho otras versiones pero sin duda la que más logró ser reconocida y elogiada ha sido la de Guns’N Roses, que fue parte del espectacular disco Use Your Illusion I de 1991, un disco que tuvo su secuela prácticamente de inmediato con el Use Your Illusion II ese mismo año, ambos discos rompieron esquemas en cuanto a variedad dentro del hard rock y tuvieron mucha influencia del rock clásico y el rithym & blues.

También ha sido pieza clave para las presentaciones en vivo de la banda y acá la vemos en su video oficial, donde podemos ver la última aparición oficial del guitarrista Izzy Stradlin, un poco después Stradlin abandonaría la banda acusando diferencias musicales y un claro hastío de la “dictadura” de Axl Rose por aquellos años:

[youtube]6D9vAItORgE[/youtube]

 

2 X 1 : “Orgasmatron” Motörhead vs Sepultura

Seguramente la generación que creció en los noventa pudo percatarse de la existencia de esta canción a manos de la increíble versión de Sepultura que apareció en 1991, pero la verdad es que la canción data de 1986  y es original de la banda de heavy metal Motörhead, de su álbum del mismo nombre: “Orgasmatron”.

Una canción que curiosamente no abarcaba la temática media de los ingleses, quienes principalmente hablaban de sexo, chicas y juerga en sus letras, y aunque el factor de conciencia social siempre ha prevalecido en la propuesta lírica de Lemmy Kilmister, acá llega a llamar la atención la seriedad con que el gran frontman impone una letra que habla del caos, la destrucción, la decadencia en la política y religión a través de los años en la humanidad, poniéndolo todo en primera persona con un juicio totalmente drástico.

La original, con subtitulos en español:

 

Gran lírica y canción de Motörhead, sin lugar a dudas, pero también esta increíble versión de Sepultura fue la que la enalteció aún más. En quizá lo que pudo ser una de sus mejores épocas, los brasileños incluyen esta versión para su tremendo disco “Arise” de 1991, en el cual ya la banda empezaba a derivar su sonido a algo que se conoce hoy como groove metal. Fue una especie de transición del death y thrash metal de sus inicios hacia el estilo en que la banda iba a destaparse comercialmente justamente con su disco sucesor Chaos A.D. (1993).

Cabe decir que Motörhead claramente es una de las inspiraciones para la música de Sepultura. El nombre de la banda derivó de la traducción del tema “Dancing on your Grave” de la banda británica, quedándose con la última palabra: “Grave”, que en español significa Sepultura.

Sepultura y su gran version, parte del Chaos DVD  con partes de su presentación en Barcelona en 1991:


2×1: ” Oh, Pretty Woman” Roy Orbison vs. Van Halen

Una gran canción original de Roy Orbison que dio vida al tema central de la película del mismo nombre de Garry Marshall de 1990, la cual obtuvo muchos premios y se convirtió en todo un clásico del cine de comedia romántica, protagonizada por la bella Julia Roberts junto a Richard Gere. La película a grandes rasgos basaba su trama en el enamoramiento de un multimillonario de una prostituta a la cual decide insertarla en la sociedad en la que él se desenvuelve.

Sin duda la gran virtud del fallecido Roy Orbison es su voz, y en esta canción el gran dote del músico no iba a ser la excepción. De su voz salen una especie de gárgaras incluso en una parte y que caracterizan de alguna manera la canción, por lo demás la canción es una oda a la belleza de la mujer y de ahí también su encanto.

Acá lo vemos interpretándola junto a su banda en plenos años sesenta, recordemos que el registro original data de 1964:

En 1982 y en plena era clásica los norteamericanos Van Halen editaron un disco titulado “Diver Down”, incluso justo antes de su explosión en suceso, que vimos dos años después con el aclamado álbum “1984”. El disco se compuso principalmente de covers de grandes leyendas del rock’n roll y el soul, dentro de las cuales tributaban aparte de Orbison a Marvin Gaye y Ray Davies entre otros.

Para la canción se editó un video bastante bizarro a decir verdad, una especie de cuento infantil recreado pero con samurais y extraños personajes animándolo y con el propio David Lee Roth como protagonista. Musicalmente destaca la intro con Eddie Van Halen como siempre tratando de buscar sonidos inexistentes en la guitarra, acá está el video:

 

 

“Astronomy Domine”: Pink Floyd vs. Voivod

Del disco The Piper at the Gates of  Dawn de Pink Floyd  de 1967 no cabe duda que encontramos toda una experiencia, un álbum principalmente compuesto por Syd Barrett, fue considerado hasta el día de hoy como toda una revolución en cuanto a sonido y estética, una obra cumbre en lo que de aquí en adelante se llamaría rock espacial y que tomaba prestadas experiencias impuestas por The Beatles en el rock sicodélico pero llevado a algo mucho más ambicioso, portentado con las experiencias netas con el LSD de parte de sus integrantes y sus conceptos que tenían mucho que ver con viajes, tanto dentro como fuera del planeta.

Una de las canciones más “espaciales” del disco está claro que es “Astronomy Domine”, donde se conjuga muy bien este espectro sonoro ideado por Barrett, ya que tenía una mezcla casi perfecta de su interés por la astronomía y sus experiencias lisérgicas.

Una composición algo siniestra de Pink Floyd, con ese lado oscuro pero muy sicodélico a la vez, pero que cimentó un camino claro para las nuevas generaciones en cuanto a este sonido.

Acá tenemos la gran versión original hecha el mismo año de la grabación del disco con todavía un Syd Barrett “lúcido” e iluminado irguiéndose  como el gran  líder de la banda:


 

Voivod

Pasaron 22 años para que esta canción tuviera una versión a la altura de lo que se merecía. Los canadienses de Voivod, quienes en sus inicios abarcaron temáticas muy post-apocalípticas y basadas en la guerra fría , despues fueron tornando su interés en la ciencia ficción, además arrancaron su carrera muy influenciados por la banda de Barret y cía.

En su disco Nothingface de 1989 realizarón esta versión más metalizada pero no por eso menos interesante de ‘Astronomy Domine’, con un amplio predominio en la presencia del bajo y muy apoyadas en ese  tecnicismo que los caracterizaba. Quizá uno de los covers más potentes que se hayan hecho de la banda británica: