Sicodelia Beatles: Los 10 mejores viajes de los Fab Four (1ª Parte)

Hace poco se cumplieron 46 años del lanzamiento del emblemático disco “Revolver” de The Beatles de 1966, como así también no hace mucho se cumplieron 45 de lo que muchos consideran su obra magna como el “Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band”. Obras, que más que imprescindibles de la carrera de los fab four, fueron punta de lanza para lo que fue la irrupción de la sicodelia en el rock en la historia de la música.

Es por eso que queremos recordar con algo de historia y sobre todo música, las que consideramos las mejores canciones compuestas por la banda en este estilo, canciones que marcaron en varios casos la vuelta de tuerca de The Beatles, donde su faceta más experimental fluyó con una genialidad casi al borde de lo sublime y con grados de innovación prácticamente sin precedentes en el rock.

1) ‘”Norwegian Wood (This Bird Has Flown)”:

Pero no sólo con Revolver empezaría la aventura sicodélica de The Beatles, en 1965 ya había un sentimiento generalizado por la banda de querer ir en otras direcciones , ya con “Help!”, ese grito desesperado de Lennon en que dejaba de manifiesto su hastío con la popularidad caótica que estaban viviendo, se incluyeron más elementos instrumentales, hecho que se acentuaría aún más con “Rubber Soul”, lanzado en diciembre de ese año. Acá como gran novedad fue la inclusión de la sitar, este tremendo instrumento de la cultura india en el tema ‘”Norwegian Wood (This Bird Has Flown)”, producto del aprendizaje de George Harrison con el instrumento, si bien, no fue sicodelia pura, fue el tema que empezó a abrir los caminos compositivos en este estilo:

[youtube]N3cUejOltsA[/youtube]

2) ‘Day Tripper’:

‘Day Tripper’ curiosamente no está incluída en ningún disco de The Beatles, si no que fue lanzado como cara B del tema ‘We Can Work it Out’, y fue compuesta en las sesiones del disco Rubber Soul de 1965, un tema que habla de este “viaje de un sólo dia”, referente a las primeras experiencias de Lennon y Harrison con el LSD y con la cultura hippie de ese entonces. Si bien en cuanto a sonido la canción no es tan sicodélica, su lírica tiene todo que ver con el concepto. También se le asoció como referencia a una prostituta ya que la letra alude a una chica que te lleva de “viaje por un día”, pero concretamente queda más claro que esta chica podía ser el LSD. En esta era The Beatles fueron cuestionados por ambos frentes en entrevistas, como pueden ver en este video incluso,  con una más que clara respuesta de McCartney como diciendo “lo que ustedes digan , de eso se trata”:

[youtube]oSrWYAuDEF8[/youtube]

 

3) ‘I’m Only Sleeping’

El disco “Revolver” fue el que abrió claramente el ingenio y la experimentación en la sicodelia de los de Liverpool, las temáticas de amor y de la premisa “chico-ama-a-chica” se desvanecían en pos de canciones que apelaban más a sentimientos de otra índole: desamor, frustraciones, experimentaciones nuevas y sensaciones más utópicas incluso. Una de ellas fue ‘I’m Only Sleeping’, realmente un invento para la música, donde se empezaron a probar-pese a la precariedad de la tecnología de ese tiempo- cintas al revés y sonidos extraños que dejaron uno de los más volátiles dividendos musicales. En la canción Lennon refleja este curioso estado de “flojera” pero en el sentido de no querer levantarse para sentirse inmerso en una sociedad totalmente revolucionada y con la gente corriendo todo el día histérica, y tratando de transmitir simplemente lo bello que es quedarse tirado, sin cumplir obligaciones y disfrutar tu día libremente. Sensación que en más de una oportunidad todos hemos sentido no?

[youtube]1yEprCB-8RY[/youtube]

4) ‘Tomorrow Never Knows’

Otra que va por este mismo concepto e idea es “Tomorrow Never Knows”, acá el viaje se hace más agudo y Lennon para su composición se basó en The Psychedelic Experience, un libro que explicaba teorías filosóficas experimentadas por el humano bajo la influencia del ácido. Y Lennon no demoró mucho en seguir sus instrucciones al pie de la letra para componerla bajo los efectos del LSD. La experimentación musical con voces de gaviotas, indios (ejecutadas por McCartney) y con esta especie de bucles de sonido que aceleraban y desaceleraban la canción fueron parte primordial del  sicodélico sonido. Además, por supuesto del trabajo en conjunto con su  productor George Martin, quien innovó con ideas clave para lograr este sonido “ácido” en la banda.

[youtube]tisjsgsgtZU[/youtube]

 

5) ‘Love You Too’:

Seguimos con “Revolver” y acá Harrison iba a ser el principal protagonista. ‘Love You Too’, una canción con sonidos claramente influenciados en su aprendizaje con Ravi Shankar en India, el uso de tambores, un zángano tambura y hasta una tabla tocados completamente con las palmas de las manos hacían de una especie de canción folclórica india inmersa en la cultura pop, pero con el efecto lisérgico que se merecía y que iba a inundar su mística calzando perfecto con los conceptos ideados para la elaboración de este álbum. Una de las primeras compuestas íntegramente por Harrison además:

[youtube]NMTLHCMyUwU[/youtube]

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Cancionero Rock: “Rooster”- Alice in Chains (1992)

Cuando se editó la caja compilatoria de Alice in Chains de 1999, “Music Bank”, la cual venía con bastante material adicional, Jerry Cantrell disipó varias dudas alrededor de la historia de la banda, y entre ellas, aclaró realmente el significado de ‘Rooster’, la emotiva canción de AIC , parte de su disco “Dirt” de 1992.

“Rooster” no era más que el apodo a su padre, que se acentuó aún más en su período cuando tuvo que formar parte de las filas del ejército americano en la guerra de Vietnam, pero que ya lo tenía desde muy joven, desde niño casi, debido a su peinado, que se formaba en su cabeza con mechas muy al estilo de la cresta de un gallo (‘Rooster’). En la guerra este  sobrenombre cobró otro significado, dado que los hombres que marchaban cargando ametralladoras M60 y por la forma proyectada de sus sombras mezcladas cargando toda esta maquinaria de guerra, era similar a la de la cresta y cola de un gallo.

Acá algo de las declaraciones de Cantrell:

Fue el comienzo de un proceso de sanación entre mi padre y yo y todo el daño causado por Vietnam. Esa fue mi percepción de su experiencia allá. La primera vez que lo escuché hablar de esto fue durante la filmación del video de Rooster y Mark Pellington -el director- le entrevistó durante 45 minutos. Estaba completamente tranquilo, totalmente calmado, aceptando todo -los rigores de la filmación- y pasó un rato agradable haciéndolo. Incluso llegó al punto de aflorar lágrimas emocionadas. Me dijo que la guerra fue una experiencia rara, una experiencia triste y esperaba que nadie nunca tuviera que volver a pasar por nada parecido (…)

La emocionalidad fluye de cada nota del tema prácticamente, y con la interpretación de Staley aún más, Cantrell, como muchos adolescentes americanos, fue uno de  los hijos “grunge” del hippismo y de los soldados capados en Vietnam. Heridas que quedaron ahí, muchos incluso perdieron a sus padres y en el caso de Cantrell no fue así pero el daño sicológico causado por la guerra sin duda que provocó de una u otra forma un perjuicio emocional que desencajó la comunicación normal padre-hijo.

Aún así son alentadoras sus declaraciones en esas sesiones de audio del Music bank. También de alguna forma el tema sirvió para que Cantrell  expusiera sus ideas o sentimientos que conjugaban con la estética del disco pero en otro sentido, acá el depresivo y oscuro discurso de Staley con respecto a las drogas y su hermetismo emocional quedaba de lado. Cantrell también tenía cosas que decir, pero a su propia manera.

Te dejamos con el video de  la bella canción  y con imágenes de Jerry Cantrell padre, evidenciando claramente su relación con el tema:

Patricio Avendaño R.

 

Disco Inmortal: Pink Floyd “The Piper at the Gates of Dawn” (1967)

1967 sin duda fue el año de la sicodelia en el rock. “The Piper at the Gates of Dawn”, el primer disco de Pink Floyd dio vida el mismo año que otra de las grandes obras de este género, como el imprescindible “Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band” de The Beatles o los dos discos que vieron florecer la figura de Jim Morrison junto a The Doors. Las ideas estaban cambiando, ya el formato de canción rock buscaba horizontes más amplios, con ansias de experimentación en pos de llevar la música a otros niveles, y la incursión de Pink Floyd en este período fue importantísima.

La idea central del título de esta sicodélica aventura creada por Syd Barret se basó principalmente en un cuento que marcó al talentoso compositor: “The Wind in the Willows” (El viento en los sauces) cuento que en uno de sus capítulos llevaba este nombre: “The Piper at the Gates of Dawn” (“El flautista a las puertas del Alba”). En tal cuento como fábula se retrataban las clases sociales en torno a animales en divertido lenguaje y con singulares personajes. El libro de Kenneth Graham sin duda fue la válvula que se expandió y logró abrir la imaginación del músico inglés para recrear diversas historias que ayudadas de una lisérgica manera iban a concluir en este gran debut de la banda.

Pero el disco es mucho más que eso. Un sinfín de experimentaciones sin precedentes en la música iban a cobrar su real protagonismo. Era el período de consumo de altas dosis de ácido que ayudaron a la construcción de toda esta obra llena de simbolismos, aventuras espaciales, extraños personajes y temas existencialistas.

El arranque empieza a llevarnos lejos en un viaje espacial de inmediato: ‘Astronomy Domine’ es una canción que Barrett tenía en mente hace un buen tiempo, como una especie de cruza entre sus intereses astronómicos y el LSD, una junta perfecta. La canción destaca por sus sonidos que van de lo siniestro a lo emocionante, sus sonidos te van adentrando en territorios desconocidos, tanto musicales como sugestivos y esa es su gran gracia. ‘Lucifer Sam’ tiene un riff que te envuelve, te incita a algo que no sabes bien lo que es, pero que estás totalmente dispuesto a descubrir. Los ecos y los efectos en los sintetizadores cumplen el mismo propósito, aún así se nutre de un dulce y melódico coro cantado por Barrett principalmente.

El teclado de Wright nuevamente va a llevar las riendas junto con la lúdica ‘Matilda Mother’. Acá el viaje se acentúa aún más con sus místicos solos de órgano. En ‘Flaming’ todo sucede bajo una aventura infantil llena de ruidos y variaciones experimentales. ‘Pow R. Toc H.’ va más allá aún. Los sonidos de animales recrean una especie de sicotrópica jungla con un constante piano, tocado con una fineza notable. Las percusiones también van marcando un certero paso que te va encaminando a lugares recónditos dentro de tu imaginación. En esta parte ya nos sumergimos en lo más abstracto que podía evocar esta obra de culto de Pink Floyd.

En tono más alegre entra “Take Up Thy Stethoscope And Walk”, que te cae  abruptamente con el golpe de la caja en su entrada. La ejecución de la guitarra de Barrett empieza a manejarse y a incitar a las salidas de libreto más esquizofrénicas a todos los instrumentos incorporados en la canción, con claras citas bíblicas, esta canción cuenta con la particularidad de haber sido la primera escrita por Roger Waters para la banda. Acto seguido: uno de los puntos culmines y más representativos del álbum y de lo que la banda quiso entregar para este viaje-disco, la canción ‘Interstellar Overdrive’, que en sí suena más rockera debido a que se acentúa la propiedad en la guitarra. Es realmente una locura, fue la improvisación directamente llevada al estudio. Una genialidad de Barrett que como dijera Nick Mason: “no sabíamos hacia donde nos llevaría, pero nosotros nos sentíamos exigidos con la canción para lo cual también nos exigíamos nosotros para seguirle el pie”. El resultado no pudo ser más efectivo.

La historia del gnomo Grimble Gromble, con una sutileza pop en voz de Barrett nuevamente recrea estas fantasías de literatura infantil, pero con el distintivo ácido que le merecía a la placa. En ‘Chapter 24’, mediante un somnoliento ritmo de sonidos de órganos farfisa, Barrett va relatando un cúmulo de cosas inspiradas en el complejo libro de los cambios del oráculo chino.

‘The Scare Crow’ o el espantapájaros empieza en tono algo oriental junto con constantes golpes y se va tornando en una canción muy propia de Barrett y su existencialismo, quien se iguala a este espantapájaros que vive en eterna melancolía resignado a su condena. Pero en ‘Bike’, última canción de la primera edición del álbum, se queda todo en un tono más conciliador y alegre, nuevamente en una especie de cuento el personaje invita a una chica a un “cuarto de melodías”, pese a que la canción tiene una melodía casi adorable, al final extraños ruidos ejecutados mediante osciladores, relojes, gongs, campanas, un violín, y otros sonidos editados con técnicas de grabación, le da un broche final algo siniestro, algo enfermizo incluso y que-claro está- viene a sellar esta obra de la sicodelia de proporciones como lo es este álbum.

Los lados B también fueron bien interesantes, como por ejemplo ‘See Emily Play’ un bello tema que habla de una niña colegiala divertida y “sicodélica” o ‘Arnold Layne’ la que hablaba del tipo que robaba ropa interior femenina de los tendederos de las casas.

También estos lados B fueron incluídos en una reedición más tarde, y claramente conjugaban muy bien con el propósito del álbum, que reunía todos estos elementos de la inocencia, una personalidad difusa e historias llenas de fantasía y-nuevamente-ácido por todas partes, pero que tenía una cantidad de variedad musical e ideas simplemente deslumbrantes, no dejando ninguna duda que se ha convertido en  una de las obras más innovadoras de las que hayamos podido dar cuenta en la historia del rock.

Patricio Avendaño R.

 

Syd Barrett y el primer viaje de Pink Floyd

No podemos dedicar un especial o escribir algo acerca del clásico y visionario “The Piper at the Gates of Dawn” de Pink Floyd, sin hablar de su cerebro creador desde todos sus puntos de vista: el gran Syd Barrett.

Syd Barrett llega en un momento propicio para la banda: cuando daban sus primeros pasos Roger Waters, Nick Mason y Rick Wright y un dudidativo Bob Klose (quien terminó por abandonar la agrupación en 1965 para dedicarse al jazz y el blues). En esta era, la banda tocaba algunas cosas de Rythm & Blues y covers pero que definitivamente no iban hacia ninguna parte. Cuando Barrett se incorporó la cara le cambió a la banda cien por ciento, llegó con todas estas ideas experimentales no tan sólo en el plano musical, si no que en cuanto a historias y viajes de todo tipo en los contenidos de las canciones. Acá Barret iba divagando de entre aventuras espaciales, a fábulas donde animales, gnomos, bicicletas y espantapájaros desfilaban al son de sus más extrañas y sicodélicas melodías y composiciones, aunque siempre con esa inocencia y dulzura pop ácida que lo distinguió de bandas del estilo del momento.

Barrett representó la locura en Pink Floyd desde los inicios, es casi irónico pensar de su corto paso por Pink Floyd iba a marcar la senda de la banda durante toda su carrera. Él imprimió este sello distintivo de Pink Floyd desde el primer minuto, ese de volar musicalmente; si nos fijamos bien, en prácticamente todos los trabajos de la banda hay guiños a él, para qué hablar del “Wish You Were Here”, disco dedicado completamente a su memoria y donde cuenta la leyenda se apareció en las sesiones como un gordo sin cejas irreconocible, hecho que impactó al resto de la banda y los marcó de por vida.

En “The Wall”, el personaje Pink de la película tiene claras referencias a Barrett. O en el “Dark Side of the Moon”, donde el tema del lunatismo y la locura está marcado claramente con ‘Eclipse’ en su tramo final. Para Roger Waters ha sido muy difícil desprenderse de su figura, hasta el día de hoy siente esta especie de sentimientos encontrados, ya que lo admira con vehemencia pero al mismo tiempo siempre se ha sentido a la sombra de su talento.

Por otra parte Barrett empezó a desvanecerse conjuntamente con el ascenso a la fama que empezó a tener la banda con el éxito de “The Piper at the Gates of Dawn”, en esa época donde eran convidados a participar en programas estelares de diferentes partes del mundo o en el ya mítico Top of the Pops, acá justamente fue cuando el comportamiento de Barret empezó a hacerse cada vez más extraño y errático, casi como una forma de rebeldía o de marcar su rayado de cancha en momentos en que se estaba convirtiendo en un ídolo pop o en el “chico del poster”, hecho que no le acomodaba para nada. Waters ha comentado varias anécdotas, de como salía con ideas totalmente fuera de razón como cuando decía “quiero contratar dos saxofonistas mujeres para la banda” o cuando una vez llegó a reunirse con la banda vestido de mujer , diciendo “soy homosexual”, fingiendo ser gay por un par de días.

No pasó mucho tiempo después en que realmente el caso de Barrett se tornó clínicamente imposible, se alude a que el ácido le consumió gran parte del cerebro y que no había vuelta atrás. Drásticamente la banda se vio totalmente desamparada al perder y ver desvanecerse la figura de su cerebro y amigo, por cierto. Fue un momento de caos, estaban quedándose sin su compañero y a la vez estaban perdiendo a la banda y viendo muy negro el horizonte, ya que él era el compositor de la mayoría de sus éxitos hasta entonces.

Finalmente la banda, después de varios tropiezos y experimentaciones que no lograron causar mucho impacto en esos años, como el disco “Atom Heart Mother” o “Ummagumma” (muy venerados hoy en día) lograron dar con un fiato al nivel de alineación de astros, levantar cabeza y hacer lo que todos sabemos a estas alturas con obras clásicas como “Dark Side of the Moon'”, “Animals” o “The Wall”, discos totalmente imprescindibles. Aunque queda claro que la clave del éxito fue tener siempre viva y latente en su música y en cada paso que daban el espíritu del gran Syd Barrett, y teniendolo como claro referente a este demente que creó un sonido e innovación en el rock nunca antes vistas, y que vio su punto de partida con el primer gran viaje de Pink Floyd, el enorme The Piper at he Gates of Dawn.

Patricio Avendaño R.

 

Los Jaivas en Lollapalooza: “Todos juntos en una jornada histórica”

Era un día bastante esperado por todo nuestro país, la legendaria agrupación nacional Los Jaivas estuvo debutando hoy en un certamen masivo e internacional tan importante como el festival de Lollapalooza, en su versión norteamericana que se realiza en el Grant Park, en Chicago, Estados Unidos.

La banda nacional fue la encargada de abrir esta segunda jornada, en el escenario Bud light, donde ya una buena cantidad de gente los estaba aguardando para presenciar su espectáculo.

Tal como lo habían anticipado, la instrumental ‘Tarka y Ocarina’ fue la encargada de abrir el show, según la propia banda habían decidido abrir con este tema para “no golpear con la diferencia del idioma” de inmediato. Entre el público, se vio una buena cantidad de seguidores chilenos, quienes no pudieron aguantar en una de las pausas para corear el clásico “ceacheí” y vitorear a la banda. Pero también hubo mucho público local y de todas partes del mundo, a los cuales se siguieron sumando ante la curiosidad que representa esta banda con un sonido de raíz, muy folclórico y un poco inusual para ese tipo de oídos.

Luego siguieron clásicos emblemáticos de toda su trayectoria como “La Poderosa Muerte”,”Amor Americano”, “Mambo de Machaguay”, “Pregón para iluminarse” y culminaron con “Todos juntos”, copando así los 45 minutos previstos para su show.

Con sus tenidas de blanco Los Jaivas además pusieron énfasis en entregar una versión muy chilena de su música, dando realce a los instrumentos andinos que usa comúnmente la banda.

La agrupación, que cuenta entre sus filas a los clásicos Mario Mutis, Claudio Parra y Juanita Parra, logró llevar a cabalidad un show que, pese a lo temprano de su aparición logró cautivar tanto a una buena cantidad de público chileno como internacional.

También Los Jaivas tienen agendadas algunas fechas para Nueva York y Miami, así que su aventura en Norteamérica aún no ha terminado.

Lollapalooza sin duda marcó otro hito en la historia de la gran banda nacional, historia que se seguirá escribiendo, aún más sabiendo lo que prepara la banda para la celebración de su 50 aniversario que se conmemora el próximo año.

Acá este video muy fresco, mostrando como terminaron su presentación con la emocionante ‘Todos Juntos’:

[youtube]HvFfVrk3G9s[/youtube]

 

Revisa horarios de transmisión online de Festival Lollapalooza Chicago

Desde hoy y hasta el domingo 5 de agosto se está dando lugar a la versión norteamericana del destacado Festival Lollapalooza 2012.

El evento,-que este año y como siempre-cuenta con las participaciones de bandas de distintos géneros musicales, dentro de los artistas destacados que participarán a esta cita se encuentran Black Sabbath, Red Hot Chili Peppers, Jack White, The Black Keys, entre una cincuentena más de bandas y solistas .

También como gran novedad para nosotros esta vez será la participación de la legendaria banda nacional Los Jaivas, que debuta en el certamen internacional que se realiza en el Grant Park, en Chicago.

Para esta oportunidad el evento estará transmitiendo on line gran parte de los shows programados y acá te dejamos los horarios actualizados en nuestro sistema nacional (Chile) para que te vayas programando según tu artista favorito:

Viernes 3 de agosto:

14:30 horas – Yellow Ostrich
15:15 horas – The Black Angels
15:15 horas – Dr. Dog
16:30 horas – Blind Pilot
17:00 horas – Metric
18:15 horas – The Head & The Heart
19:00 horas – Band of Skulls
19:15 horas – The Shins
20:30 horas – Dawes
21:30 horas – The Black Keys

Sábado 4 de agosto:

14:30 horas – Los Jaivas
15:15 horas – Alabama Shakes
15:15 horas – GIVERS
16:00 horas – Neon Indian
17:15 horas – Delta Spirit
17:40 horas – The Temper Trap
18:00 horas – FUN.
18:15 horas – tUnE-yArDs
19:00 horas – The Weeknd
19:15 horas – Washed Out
21:00 horas – Red Hot Chili Peppers
21:45 horas – Frank Ocean
22:45 horas – Avicii

Domingo 5 de agosto:

14:30 horas – Oberhofer
14:30 horas – Bombay Bicycle Club
15:15 horas – Trampled By Turtles
15:30 horas – White Rabbits
16:00 horas – The Walkmen
16:15 horas – Gary Clark Jr.
17:15 horas – J. Cole
18:00 horas – Toro Y Moi
18:15 horas – The Gaslight Anthem
19:00 horas – At The Drive-In
19:00 horas – Of Monsters & Men
20:15 horas – Florence + the Machine
20:15 horas – The Big Pink
21:15 horas – Miike Snow
21:30 horas – Jack White
22:15 horas – Childish Gambino

Para seguir la transmisión sólo debes ingresar este enlace desde la misma web del evento o directamente a este canal de  YouTube habilitado especialmente para la transmisión.

 

Delonelyman, grunge made in Chile

El músico nacional Ricardo González, desde hace un buen tiempo a esta parte que ha estado dando bastante que hablar, desde el año 2005 que empezó a forjar este proyecto solista llamado Delonelyman, un proyecto principalmente compuesto por la influencia clara y reconocida del grunge del Seattle noventero, pero con muchos matices modernos, originales y ricos en arreglos, lo cual hace de su propuesta algo de lo más interesante en el medio local.

Su proyecto, que empezó como una aventura en solitario, ahora es toda una súperbanda con destacados músicos nacionales, empezando por  Juan Escobar, guitarrista y productor de su trabajo, al igual que Ricardo oriundo de la tierra de Iquique ,  ex-cantante de  la banda de doom metal Mar de Grises. También otro músico que pasó a integrar la banda fue Juan Moore, sonidista profesional, e informático, quien viene de la escuela del death metal chileno, siendo bajista por más de 10 años de Sadism, banda local y consolidada trás largos 20 años de carrera, y  finalmente  Matías Phillips, diseñador gráfico y digital profesional, baterista y percusionista, discípulo de Cristóbal Orozco, maestro del ProJazz , y connotado baterista de “Octopus” y “Libra”, otras bandas chilenas de renombre internacional.

Una banda que se nutre de destacados músicos. El trabajo de largaduración homónimo destaca de inmediato por la buena labor en el trabajo de producción, el cual como dijimos rememora el sonido grunge noventero recreando las sonoridades de amargura y oscuridad de aquel estilo en algunos ratos, pasando a estados de ánimo más motivadores y simples en otros, pero con una cuota de frescura realmente notable e innovadora. También el aporte de los miembros mencionados que fueron partícipes en bandas metaleras le otorgan un plus muy heavy al disco, potenciándolo con una fuerza descomunal en varias canciones.

También dentro de su trabajo Delonelyman ofrece algunos demos bien interesantes y un trabajo unplugged, tanto éstos como el disco Delonelyman puedes descargarlos en este enlace.

También puedes revisar un trabajo audiovisual que ha editado la banda en apoyo a este trabajo , para la canción ’20 Years Alone’.

[youtube]In-uwCdATYo&feature[/youtube]

Delonely Man

Ricardo González – Voz, Guitarra
Juan Escobar – Guitarra, Productor
Juan Moore – Bajo
Matías Phillips – Batería, Percusión
Felipe Acuña – Coros

Opinión: “El eterno tributo”

Es normal hoy en día en Santiago de Chile y en cualquier provincia de nuestro país, toparse con una agenda musical cargada a la “banda tributo” como si a nuestra cultura no le bastara ya con el poco aprecio radial con el que cuentan los músicos y creadores de nuestro país.

El fomentar la creación y lograr una identidad cultural actual es tarea de músicos, periodistas, bares, escenarios, medios, y también tú, pero hace ya bastante tiempo los músicos se han convertido en “mendigos de los espacios” esto ha sucedido porque en primer lugar ese “espacio” que existe para las bandas en bares y escenarios es generalmente en un día y trato por decir lo menos vergonzoso; la Radio FM prefiere invadir nuestros oídos con música básicamente anglo, incluso eliminando de su parrilla totalmente la música nacional en favor del artista extranjero, porque es mucho mas “lucrativo”(para ellos) el vendernos cultura exterior frenando la creación de nuestros agentes culturales, dejando sin identidad a las nuevas generaciones “rockeras” de nuestro país, porque el paso que hace falta no lo está dando nadie, y no quieren darlo, es mas fácil seguir con lo que ya está, que ir por un nuevo florecer en nuestra música, dejando así un montón de talento, sonidos, y mensajes en total desamparo.

El último momento de explosión musical en Chile se vivió durante los 90´s propiciado por la inversión de las multinacionales en catálogo nacional, también el deseo de comunicación y creación luego de la dictadura, el hambre de tener una identidad y gritarla al mundo, así nos encontramos con Los Tres, Lucybell, Los Tetas, Chancho en Piedra, y tantos otros que aún se mantienen vigentes, pero crean todos ustedes que hay mucho más y muy bueno, sólo que nadie los muestra, porque en los medios tradicionales no hay espacio para ellos, y malamente la gente espera que estos músicos brillen en TV y tengan un éxito radial de proporciones para comenzar a sentir que la banda es buena. Tal cual como ocurría en dictadura existe gente que sigue dejando que elijan su música, su ropa, su peinado, y lo que necesita, pero el rock no es políticamente correcto y muchos lo entendemos así. Es ridículo pensar que tendremos que decir a futuras generaciones “te consigues mucho dinero para hacer tu carrera musical, o te dedicas a un tributo”, así de precaria es la tendencia, así de arrodillados estamos, y lo peor de todo es que un porcentaje grande de personas cree esto, encuentran razonable que sea así, que copiemos, pero un país que no genera identidad musical, tendencias culturales, y cuidado por sus artistas, es muy difícil que se convierta en un país “desarrollado”.

Hemos relegado a nuestros jóvenes, y nuestro rock a la tocata gratuita donde el bar no mueve un solo dedo por ayudar a la difusión, y que si la convocatoria de la banda no fue muy buena no es culpa del bar, es culpa de la banda que no tiene público, y esto se genera por la falta de espacios para la difusión, por lo que el bar no quiere dar un buen trato, porque a su vez la banda no tiene prensa, y la prensa no quiere mostrarlos porque no tienen buenos shows, y la radio no los toca porque no tienen “parrilla nacional” y así sucesivamente las bandas se ven envueltas en un circulo vicioso que no les permite crecer, y finalmente en la mayoría de los casos se “tira la esponja” y se olvida la vocación.

Hay muchas cosas que contar, las que siente y vive un joven hoy en nuestro país, la banda sonora de hoy, no la de ayer, existe un mensaje potente que entregan las bandas que están en un “silencio obligado”. La banda tributo no dice nada, porque el discurso y el mensaje no les pertenece, no lo idearon, no lo sintieron, no lo lucharon, no lo lloraron, en definitiva no es suyo.

Pablo Rojahelis. (vocalista y guitarrista de la banda nacional Masta)