Disco Inmortal: “Dark Side of the Moon” Pink Floyd (1973)

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El lado oscuro de la luna, disco absolutamente imprescindible en la historia del rock clásico y progresivo y donde Pink Floyd da un paso al frente en materia compositiva, estética e intelectual. El disco basado en un concepto concentrado en gran parte por el  individuo y su filosofía: tópicos como la empatía, la avaricia y la locura son los temas centrales por donde divaga esta magna obra, que sin duda, se ha convertido en una gran experiencia y un primer gran “nuevo” disco de Pink Floyd,  que se supo desmarcar de la ausencia física de Syd Barrett, que era lo que buscaba la banda británica desde el inicio de la década de los 70’s desesperadamente.

La gran apertura con ‘Speak to Me’, ideada por el baterista Nick Mason, que es una especie de collage de todos los sonidos que están dentro del disco (llámese latidos de corazón, sonidos de cajas registradoras, gritos gospel, tic-tacs y ringeos de relojes, etc.) es la antesala para algo grande que se nos avecina.

Llegan las suaves y bellas melodías de ‘Breathe’, el punto de entrada mas musical propiamente tal, unos pianos con bases jazz, escuela primaria de Rick Wright, el gran tecladista- que en esta obra es parte fundamental- y unas guitarras totalmente apacibles que conjugan muy bien con la letra que no es mas que una invitación a respirar  y disfrutar de los encantos de su melodía.

Pero casi sin darnos cuenta empiezan a aparecer los experimentales y futuristas sonidos de los sintetizadores en ‘On The Run’, toda una experiencia llena de sonidos espaciales intensos que dan la sensación de un viaje a millones de años luz de velocidad acompañado de percusiones y donde la experimentación con las pistas es su gran hazaña. Recordemos que en 1973 muchos recursos no habían, así que los créditos son mas que loables en este extraño track. Escuchamos la lejanía de esta especie de nave sicodélica y ya nos sorprende con un gran sobresalto los rings de los relojes que suenan al unísono y muy fuerte, una especie de despertadores ensañados y que quieren alarmarte de algo, es la entrada de ‘Time’, que previo a esto y a unas percusiones y lineas de bajo, dan paso para la increíble entrada de David Gilmour en la voz. Una canción que nos va explicando lo importante que es el tiempo en nuestras vidas y como no debemos dejarlo pasar. Cabe decir que las secciones de guitarra son prácticamente exquisitas, David Gilmour se luce y es gran protagonista de la canción. Como si esto fuera poco,  las voces femeninas otorgan una gran cuota de grandilocuencia al tema.

La siguiente obra es ‘The Great Gig in the Sky’, donde está la notable ejecución vocal de Clarence Torry, una canción que alude a la muerte y al encuentro divino. Es imposible que no te deje electrizado y con los pelos de punta esta canción, la interpretación en piano de Rick Wright bordea lo sublime y empata muy bien con este concepto casi celestial de la canción. Acto seguido y en este caso sin intercalarse con la anterior, las cajas registradoras y un curioso bajo nos sirven en bandeja la bluesera ‘Money’, una canción que se nutre de alucinantes solos, tanto en la guitarra de Gilmour como en el saxo invitado de Dick Parry. Los cambios constantes y un climax totalmente rockero ya para el final la convierten en un hit indiscutido tanto del disco como de la banda, un golazo pinkfloydiano.

La siguiente es otra bella pieza que trae consigo algo de historia, los pianos ya habían sido compuestos para la banda sonora de la película Zabriskie Point en 1970, pero al director no le gustó, así que se desechó. Pues bien, aquí muy bien puestos  y condensado con todo el jazz y patrones poco convencionales en el rock hacen de ‘Us & Them ‘ un momento épico y que, dicho sea de paso, se convierte en la canción mas larga de la placa, bordeando los ocho minutos.

Para el final, y luego de ‘Any Colour You Like’, la instrumental que va pegada a ‘Us & Them’, llegan las dos interpretaciones de Waters: primero: ‘Brain Damage’, canción que se arraiga en una de las temáticas del disco impuestas por el mismo vocalista: los límites de la cordura, aquí el factor Barrett está latente cien por ciento, como réplica y aludiendo al gran título del álbum: el lado oscuro de la luna, lo que todos llevamos dentro, el lunatismo, la locura, esa divagación que centra a un individuo de forma misteriosa y egoísta dentro de uno mismo.

Casi sin darnos cuenta llega ‘Eclipse’ que hace que las dos canciones sean una y un gran final que indica que la luna está eclipsando todo, los latidos que escuchábamos al principio vuelven a sonar para dar la vuelta completa en este magnífico ciclo.

Desde distintas perspectivas hay mucho arte en este disco, musicalmente, ideológicamente, el concepto, es, quizá el mejor momento que vivió Pink Floyd y donde los sentimientos dejaron llevar a los británicos por este hermoso viaje astral donde la luna, el cielo, el sol, las estrellas, todos conectados con el ser humano, son los principales protagonistas.

Por Patricio Avendaño R.

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Reedición de Pink Floyd: Diez razones para dejarse seducir por el lado oscuro de la luna

Como ya se ha anunciado por todo el planeta, y un cerdo volador que apareció por los aires de Londres a modo de promoción ya lo indicaba, se reedita el catálogo completo de Pink Floyd, hecho que ha estado marcado por presentaciones en programas de TV y un sinnúmero de entregas a través de la red.

El primer y gran disco en reeditarse será nada menos que Dark Side of the Moon y en Nacion Rock te armamos diez razones que demuestran lo grande que fue para la historia del rock:

1) Concepto e idea: De alguna forma Roger Waters, quien es el responsable de toda la lírica del disco, ya había preconcebido la idea de hablar del ser humano, el individuo propio y su forma de relacionarse en la vida misma. El disco plasma todo esto pasando de diferentes estados, desde una relajante cordura, pasando por la avaricia, el envejecimiento, la muerte y  hasta los extremos mas oscuros de la mente y la locura.

2) La  nueva experimentacion: Si bien Pink Floyd en la era Barret se caracterizó por innovar y experimentar, en The Dark Side toda esta escuela fue llevada a otro nivel, llegaron los nuevos sintetizadores que crearon sonidos  incluso mas espaciales, lo cual sumado a  grabaciones reversas de guitarras, sonidos externos, percusiones secas y voces extrañas le dieron un nuevo aire a  toda esta atmósfera que  se estaba creando en el entorno Pinkfloydiano.

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3)Destruyendo la métrica: La  convencional forma de escribir música en 4/4 curiosamente Pink Floyd la desafió  en canciones como ‘Money’ donde de una blusera guitarra terminó por convertirse en un formato de canción de  7/4  que varía a 4/4 durante el impecable solo de guitarra de David Gilmour. No solo en esta canción se jugaría con otras vertientes musicales, el jazz está presente en muchos pasajes de Dark Side.

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4) El factor tiempo: Uno de los momentos mas sorprendentes de este disco es cuando llegan estos despertadores y sonidos de alarmas en el paso de la cancion ‘On The Run’ a ‘Time’, la precariedad de los estudios (hablamos del año 1973) hizo que el productor Alan Parsons junto al resto de la banda hicieran una muy manual sincronización de relojes que a punta de señas y cronómetros lograron empalmar el efecto  de alarma que la cancion en si refleja, una alerta de   no desperdiciar tu tiempo  ya que en cualquier momento este se acaba.

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5)El misterio del prisma: Uno de  los artes mas curiosos que la banda ha elaborado seguramente es  esta especie de prisma  o triangulo  atravesado por un rayo que representa la iluminación de los conciertos de Pink Floyd. Rick Wright pretendió un diseño mas sencillo y que conectara con el concepto lírico del álbum. Poco usual y ya a estas alturas totalmente reconocible como un ícono representativo de la misma banda en sí.

6) El gran concierto en el cielo: Uno de los puntos cúlmines en el disco, electrizantes y emotivos sin duda que llega con la cancion ‘The Great Gig in the Sky’, el piano de Rick Wright  enbelesado con la potente y estremecedora voz de la cantante Clarence Torry logra un efecto total en un tema que  lleva como concepto la muerte. La anécdota da cuenta que Clarence salió del estudio avergonzada por su forma de cantar e incluso pidiendo disculpas, al escucharla los integrantes de la banda no pudieron quedar mas impresionados con el extraordinario trabajo de la cantante.

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7) Las tarjetas de Roger Waters: El disco en su gran parte está compuesto por frases que aparecen en determinados momentos, que no son mas que simples respuestas de algunos personajes a ciertas preguntas. Para esto Roger Waters elaboró unas tarjetas con distintas preguntas las cuales iban desde lo mas simple hasta lo mas extremo, como “¿cual es tu color favorito?” hasta “¿cuál fue la última vez que te pusiste violento?” concordando con los conceptos que protagonizaron la ambiciosa placa. Es así como distinntos personajes fueron respondiendo a estas entrevistas, se escucha al personal que trabaja con la banda como Peter Watts en las risas de ‘Speak to Me ‘ y ‘Breathe’ o al técnico Chris Adamson que aparece en la apertura  diciendo “he estado cabreado muchos años”, incluso algunos integrantes de Wings y hasta Paul y Linda McCartney participaron en esta suerte de entrevistas.

8)La experiencia oscura de la luna : David Gilmour dijo ” una vez terminada la producción del disco me senté a escucharlo y viví una de las experiencias y momentos mas recordados de mi vida” , como así también dijo ” me hubiese gustado escucharlo como cualquier persona, sin haberlo compuesto , esa experiencia nunca la viví ni la viviré y eso me entristece” . Por otra parte una vez terminado a Waters lo embargó la curiosidad y corrió a hacérselo escuchar a su esposa , la cual terminó llorando acabando de escucharlo completo. Es aquí donde Waters cayó en cuenta que realmete había algo especial en  su obra e iba a tener mas que una reacción emocional en sus fans. El disco mas que el concepto mismo se convirtió en toda una experiencia.

9) Éxito comercial: Como buen punto de inflexión, para Pink floyd este disco significó la gloria, fama y la consolidación total. Las estadísticas son claras: está dentro de los 25 álbumes mas vendidos de los Estados Unidos, el sexto álbum mas vendido en la historia de Inglaterra y su permanencia de 741 semanas (14 años) en la lista del hot Billboard 200. Hay estudios  que hablan que una de cada 14 personas menores de 50 años tiene una copia del disco. Este hecho marca la diferencia en la industria musical , una pieza concebida con mucha honestidad y criticando la avaricia paradójicamente consiguió que la banda y sus discográficas se enriquecieran hasta un punto sorprendente y a través de los años lo siguen haciendo.

10) La locura y presencia de Syd  Barret: El fantasma de Syd Barret es innegable en toda la obra de Pink Floyd , y en  este caso no es la excepción. Waters escribió este disco y sobre todo las últimas dos canciones ‘Brain Damage’ y ‘Eclipse’ pensando absolutamente en él y la terrible idea de que llegue un determinado momento de nuestras vidas en que perdamos la cordura, tal como lo hizo el  primer líder de la banda. Es un tributo que mas adelante se sucedería en el disco Wish You Were Here(1975) , aunque en el caso de Waters lo que siempre ha sido un tributo ha tenido un dejo de eterna huella imborrable en la historia de su vida con Pink floyd, una especie de enemigo interno vitalicio que siempre lo ha molestado.

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Disco Inmortal: KISS “Alive” (1975)

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Kiss siempre ha sido sinónimo de rock´n roll, éxito y glamour, tal como lo conocemos a estas alturas del partido. Pero hay una historia que no todos conocen y es la que dio pie a que Kiss fuera todo lo grande que es ahora. Después de sus primeros tres discos de estudio y en un momento en que de parte de los medios la banda solo llamaba la atención por sus estrafalarias vestimentas y maquillaje, les surgió la idea de realizar un disco doble en vivo, dado que se autoconsideraban buenos en ese aspecto, pero sólo con el propósito de dejar grabado el registro para la posteridad, asumiendo un ejercicio arriesgado y que preveían que iba a traer consigo serias complicaciones a la disquera en términos comerciales.

Pero para sorpresa de la banda este disco se convirtió en el punto de entrada a la consagración total y el reconocimiento masivo. Era una época en que los discos en vivo no importaban mucho a nadie, pero la espectacularidad que emanó de estos cuatro músicos que dejaron el alma en el stage de ese mítico Cobo Hall de Detroit la noche del 27 de Marzo de 1975 fue realmente conmovedora.

El disco es encendido de principio a fin, hay que decirlo. La notable entrada de ‘Deuce’ era solo un aperitivo para la dosis de rock’n roll, desenfreno y emoción que se venía. Con Peter Criss inspiradísimo en la batería y para qué hablar de Paul Stanley y el gran Ace Frehley en las guitarras, su juego de solos y riffs se iba a suceder de forma espontánea durante todo el concierto-disco sin mayor reparo. Pegadita a ‘Deuce’ está ‘Strutters’, ya a estas alturas esta es una dupleta clásica en los shows en vivo de la banda, infaltable en sus conciertos.

Los hits se siguen sucediendo, con ‘Firehouse’, y con el clásico sonido de bomba de incendio y luces que enfocan por todo el lugar cual cárcel en alarma de fuga (hay una anécdota: un día Eric Singer, futuro baterista y fan acérrimo de la banda fue descubierto encaramado en un lugar de privilegio en algún teatro por estas luces y echado del recinto), bueno, esto no hacía mas que embelesar mas a ese público afortunado de esa noche mágica.

La ondera ‘Nothing To Loose’ suena maravillosa en un momento en que el concierto no te da un solo respiro, le sigue ‘C’mon And Love Me’, canción prácticamente autobiográfica de Paul Stanley del disco Dressed To Kill, grabado sólo un mes antes de este monumental registro. Ace Frehley sin duda fue uno de los pilares por lo menos en la primera etapa de la banda, y su composición ‘Parasite’ suena tan fresca en vivo que parece que hubiese sido de este año, potente, agresiva y sin ir mas allá muy influyente en el estilo de riff que se iba a desarrollar mas adelante tanto en el hard rock como en los estilos mas contemporáneos. Una gran pieza de heavy metal que en vivo suena a todo cañón. Lo mismo ocurre con ‘She’,otro hitazo mas que gozable en vivo sobretodo.

Lo increíble de este disco y que fue lo que causó tanta conmoción y fanatismo, aparte de la teatralidad y el shock-rock que ofrecía la banda es la cantidad de ‘hits’. Digamos canciones onderas, de melodías amigables y con solos espectaculares pero dentro de los términos de la misma canción rockera precisa. Kiss nunca fue ni pretendió ser una banda tan técnica, pero el efecto que produce es espectacular y compacto. Uno sabe que va a ir a un show de Kiss y no se va a ir disconforme, te lo dan garantizado desde la primera hasta la última nota de sus shows.

Y si hablamos de buen show y de darle pan y circo al pueblo, ahi está la versión de ‘100.000 Years’, una de las mejores performances de la banda y un solo de batería de Peter Criss de más de 8 minutos increíble, además Paul Stanley mientras se sucede este solo en actitud desafiante interactúa con los eufóricos fans ya a esas alturas e insistentemente los provoca preguntándoles cosas como “Do you believe in rock´n roll?” o “Say Rock´n roll!!” a lo cual obviamente la impresionada audiencia le sigue el juego en todas.

Ya en la parte final del disco Kiss nos entrega otros tres hits memorables: ‘Cold Gin’, con Stanley nuevamente mandándose un speech, esta vez consultandole a la gallada que piensan del alcohol, seguro muchos lo estaban viviendo en carne propia u otros no pero con este show era como para estar ebrio de emoción; ‘Rock´n roll All Night’, clara declaración de principios de los neoyorkinos y tema elegido para el cierre en casi todas sus presentaciones. Obviamente la puesta en escena y la espectacularidad con el tiempo se fue desarrollando mas. Típico que en los siguientes shows esta canción va acompañada con lluvia de fuegos artificiales, cosa que en 1975 no hacían por falta de presupuesto lógicamente; y para el GRAN broche de oro eligen ‘Let Me Go Rock’n roll’ otra canción que habla de lo comprometido o “atrapado” que te puede dejar esta música cuando de verdad enganchas o la fuerza misma que tiene y que no te suelta mas.

Este concepto es el que queda de sensación con esta obra cúlmine, el paso a la fama empezó con esta jugada sin quererlo, de aquí en adelante ya los shows iban a estar mucho mas repletos, los papeles se iban a invertir, las bandas a las cuales ellos teloneaban, pasaban para abajo en el cartel, era el tren de la fama que recién prendía fuego para Kiss. Digan lo que digan, y puede ser tema de debate, pero este disco sin duda está entre los 10 mejores de la historia del en directo en el rock.

Por Patricio Avendaño R.

ANTHRAX: Música para adorar

El reciente lanzamiento de Worship Music, el disco de estudio que trae de vuelta a Anthrax, uno de los cuatro grandes del heavy metal y miembros activos del aclamado Big Four junto a Metallica, Slayer y Megadeth, los ve en muy buena forma con un excelente disco lleno de canciones con mucha fuerza, actitud y mucho hard rock y heavy del bueno.

Música para adorar

Worship Music, el nombre de este nuevo disco, según lo que indicó el clásico baterista Charlie Benante, no hace mas que reivindicar el sentimiento del fan del heavy metal y el hard rock hacia sus bandas favoritas, la adoración casi religiosa que ellos mismos tuvieron y siguen teniendo a bandas como Led Zeppelin o Black Sabbath, de eso se trata en conceptos generales.

El disco incluye muchas referencias de este tipo como temas dedicados a Dimebag Darrel o Ronnie James Dio y a los mártires del rock en general. Es el caso de la canción ‘In the End’ o también una canción titulada ‘Judas Priest’ dedicada totalmente a la banda británica que es reconocida y clara influencia para el combo neoyorkino.

Los vaivenes de vocalistas y el gran regreso de Joey Belladona

Si bien uno de los puntos mas coyunturales que ha tenido la banda es la estabilidad de vocalistas durante algunos años. Desde el año 2005 en que la banda decidió reunir a la formación clásica de su disco Among the Living (1987), que dejó fuera de escena tanto a John Bush como a Rob Caggiano, y que las cosas se empezaron a complicar en esta materia. La banda jugó con entradas y salidas de integrantes momentáneos, lo cual terminó por desintegrar un poco las buenas relaciones en el entorno Anthrax.

Cuando terminó la gira con esta formación, Belladonna da un paso al costado como era lo ideado , por lo cual Anthrax volvió a necesitar los servicios de John Bush, el cual se negó dejando a la banda completamente desprovista de un frontman. Ante esto, y despues de un periodo en que incluso Corey Taylor de Slipknot  estuvo trabajando con ellos, se incorporó finalmente Dan Nelson. La idea es que fuera partícipe en las voces de  Worship Music. Pero los fans quisieron a John Bush de vuelta, incluso se realizó una campaña mediática de aquello, lo cual logró que el vocalista se reuniera a tocar unos shows durante el período 2009 y parte del 2010.

Pero la permanencia de Bush en la composición nunca se concretó , por lo cual, y para sorpresa de muchos se confirmó el 2010 la reincorporación de Joey belladona y su arribo junto a la banda para protagonizar una extensa gira mundial junto a los Big Four, incluso hasta el día de hoy. Se regrabaron las voces con Belladona para Worship Music y el resultado salta al vista: una increíble vuelta y una voz que no denota decaimiento alguno. El disco inclusive pareciera ser totalmente de los 90’s  escuchando la perfecta ejecución vocal de Belladonna.

¿De vuelta al thrash?

La reincorporación de Belladonna y los setlists totalmente ochenteros de sus recientes conciertos daban que hablar de una posible vuelta a las raíces en su sonido, pero al escuchar el disco caemos en cuenta que Anthrax mantiene la linea impuesta en gran parte de los 90’s en discos que marcaron la segunda etapa de la banda. Eso, en su gran porcentaje, ya que hay cortes que tienen mucho de la vieja escuela como ‘Fight Em’ Til You Can’t’ o  ‘Earth on Hell’, pero en el grueso de los temas el groove metal y el heavy con mucho gancho es la premisa.

Te dejamos con una reciente entrevista realizada a Joey Belladona y Rob Caggiano donde hablan de Worship Music y muchos otros puntos:

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Disco Inmortal: Iron Maiden-Powerslave (1984)

Un clásico de los británicos. Aparte de estar compuesto de las más emblemáticas composiciones se nutre de mucho concepto e historias en varias de sus canciones.1984 marcaba el corazón de una década brillante para Iron Maiden, la llegada de Bruce Dickinson en las voces y de Nicko McBrain en la batería compondrían una de las formaciones más sólidas y ya a esas alturas -y este disco ayudó mucho- la banda llegaba para reclamar el trono del heavy metal mundial, no sólo con grandes ideas musicales solventadas por el genio compositivo de Steve Harris, sino que también venía a reclamar que el factor intelectual y literario en las letras sería la gran “cosa Maiden” que finalmente los terminó marcando.

Vamos por parte, el disco abre de forma increíble con ‘Aces High’, una canción marcada por el tópico bélico de la Segunda Guerra Mundial y el orgullo británico  al recrear una disputa entre aviones de combate de la Royal Air Force británica vs la Luffwaffe alemana, lo cual fue un gran triunfo para los ingleses y una importante consecuencia para el desenlace de la misma guerra. En su versión audiovisual el tema es precedido de un discurso de Winston Churchill, lo cual para la gira en vivo también fue asimilado. Por lo demás es un bombazo para arrancar el disco, de espíritu punk, los riffs y beats de batería que suenan a todo cañón  hacen de intro para la impecable entrada de guitarra y unos solos impresionantes para una canción que no deja respiro alguno y nos entrega energía pura y combativa.

En ‘2 Minutes to Midnight’ se hace clara referencia al llamado reloj del apocalípsis, que es un reloj simbólico inventado por una revista de la Universidad de Chicago para alertar acerca de las amenazas de peligro de la energía nuclear, es de suponer que este nunca llega a marcar la medianoche, pero las manecillas cuando más cerca lo estuvieron fue en 1953 después de pruebas nucleares realizadas por USA y la Unión Soviética de aquel entonces. La canción es un emblema en la discografía de la banda e infaltable en sus conciertos por lo demás.

La instrumental ‘Losfer Words (Big ‘Orra)’ aparece muy bien ubicada tras estos dos bombazos, el  bajo de Steve Harris suena impresionantemente bien y se lucen los solos y las ejecuciones de Adrian Smith y Dave Murray más la fuerza en la batería de Nicko McBrain que es simplemente sólida. Acto seguido y muy bien pegada suena la aguerrida ‘Flash of the Blade’. Hasta este momento este disco no da ni el menor atisbo de respiro. Lo mismo sucede en ‘The Duellists’, donde los riffazos marcados con el poder del bajo de Harris y los  grandilocuentes solos mas la épica voz de Bruce Dickinson continúan esta estupenda aventura de disco.

Con ‘Back on the Village’ el nivel de furia se mantiene a las mismas revoluciones por minuto y en el grandísimo ‘Powerslave’, que de paso titula al disco y continúa una especie de saga que ya había sido descrita primeramente en ‘Revelations’ de su disco Piece of Mind, donde se cuenta acerca de supuestas experiencias del mago ocultista Aleister Crowley en Egipto. La majestuosidad de las pirámides en el viaje de la doncella a  Egipto dio pie para estas composiciones y de paso al arte del disco, donde el rostro de Eddie es puesto en la cara de una gigantesca esfinge. Steve Harris siempre se ha interesado por el estudio de  las culturas y civilizaciones, y si cuentan con cuotas de misterio y misticismo tanto mejor para el compositor.

Para el cierre llega otro tema con referencias literarias claras: se trata de ‘The Rime of Ancient Mariner’, el tema más largo del álbum y de su historia en realidad, con más de trece minutos relatando este cuento del escritor inglés Samuel  Taylor Coleridge,  que de forma fantástica trata de transmitir un mensaje ecológico, el marinero en cuestión que es castigado por matar a un albatros en un barco y es enfrentado a la misma muerte por parajes llenos de sufrimiento y seres extraños.Es el broche de oro para una gran obra de la doncella de hierro, se reúne misticismo, literatura clásica, civilizaciones, alerta de invasiones y guerra en un solo disco que se complementa a la perfección con toda la técnica e inmejorable ejecución musical.

Hay otros de Iron Maiden, para muchos también son  grandes el 7th Son of the 7th Son, el The Number of the Beast‘ o el mismo Piece of Mind, pero este disco da notables clases de cómo hacer una real obra de arte complementando buena música y conceptos culturales netos.

Por Patricio Avendaño R.

Dream Theater y su nuevo disco: El fin de la teleserie Mike Portnoy

Nos vamos a remontar a septiembre del año pasado, cuando para sorpresa y/o estupor de muchos fans de la banda de metal progresivo Dream Theater, su emblemático baterista Mike Portnoy decidió abandonar de forma permanente la agrupación dada la no aceptación de parte de los demás integrantes por una petición de descanso de parte de Portnoy durante el período 2011. En una muy emotiva carta el baterista se despide oficialmente de sus fans y da el tema por cerrado.

Ante este quiebre- porque eso es lo que fue, prescindir del miembro fundador y compositor activo de la mayoría de las canciones-la banda no tuvo mas remedio que convocar a un concurso para reclutar al que sería el nuevo baterista, una misión mas que particular por todo lo que representó Mike Portnoy. Sobretodo desde el plano técnico de la utilización del instrumento, es decir, no cualquiera podía sustituirlo.

Y para darle una especie de espectacularidad al asunto, las audiciones fueron grabadas por el sello Roadrunner Records en una suerte de reality show, donde todos los postulantes hicieron mella de su talento y técnica al máximo grado de exigencia, teniendo que tocar grandes clásicos de la banda supervisados en el acompañamiento en tiempo real de los experimentados integrantes de esta superbanda, lo cual no fue  para nada menor.

De los postulantes podemos decir que todos estuvieron a la altura de las circunstancias, unos mas que otros , he aquí la lista, como podemos ver cual mejor dotado y experimetado que el otro:

*Aquiles Priester         ( 39)      (Angra, Paul Di’Anno)

* Peter Wildoer             ( 36)     (Darkane)

* Marco Minnemann   ( 40)       (Kreator, Necrophagist, Ephelduat, Joe Satriani)

* Virgil Donati                ( 52)       (Planet X, Seven The Hardway)

* Derek Roddy                ( 38)      (Hate Eternal, Nile, Today Is The Day)

* Mike Mangini                ( 48)       (Steve Vai, Extreme, Annihilator)

* Thomas Lang                ( 43)      (John Wetton, Robert Fripp, Glenn Hughes)

Y el elegido fue Mike Mangini. La decision de la banda como queda plasmada en este reality/audición que será editado en DVD, nos deja la sensación que el carisma fue lo que primó en la banda al momento de tomar esta importantísima decisión. Mangini, aparte de conocer y tocar magistralente cada uno de los temas de la banda , requisito que era mas que fundamental para superar la prueba, fue lejos el mas carismático, sonreía, bromeaba , hizo alarde de su experiencia con piruetas con las baquetas y derrochó técnica con una soltura que terminó por encantar a la banda. Cabe decir también que su humildad fue factor primo para recibir el cetro, incluso al ser notificado telefónicamente soltó muchas lágrimas y su felicidad no esperó para hacerse notar.

Es el comienzo de un nuevo ciclo para una banda que ha estado en continuo ritmo, lo cual terminó por ser una de las razones de peso para que Mike Portnoy abandonara. Como él mismo declaró: “no puedo seguir, la máquina DT me quema y necesito descansar”. Portnoy después de Dream Theater ha seguido con su carrera de todas maneras, inmediatamente después de su ruptura ingreso a grabar el disco Nightmare, junto a sus amigos de Avenged Sevenfold, banda en la que se pensó se quedaría estable pero no fue así. La banda decidió que no sería de la partida para su gira, según lo preestablecido en común acuerdo. El músico actualmente se encuentra trabajando con Russel Allen (Symphony X) en una nueva banda llamada Adrenaline Mob.

En tanto Dream Theater está lanzando su disco A Dramatic Turn Of Events, del cual ya han mostrado su primer single titulado ‘On The Backs Of Angels’.

Puedes ver aquí el documental The Spirit carries On , el cual trata del proceso de selección del nuevo baterista:

Parte 1

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Parte 2

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Helmet: Radiografía del sonido de toda una generación

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Formados en Nueva York con el baterista John Stainer, Pete Mengede en la guitarra y Henry Bogdan en el bajo y  siempre bajo la total tutela de Page Hamilton, líder indiscutido, Helmet logró imponer un nuevo estilo en el metal a partir de la década de los noventa, fusionando el post-hardcore con algo de grunge para derivar a un metal de riffs cortantes, cambios de ritmo constantes y que de alguna manera se iba a patentar desde esa década en adelante con bandas símiles como Pantera, White Zombie y Prong, entre otras.

Debutan en 1990 con Strap it On, un disco autoproducido bajo la etiqueta independiente Amphetamine Records, un disco lleno de riffs agresivos y voces llenas de furia gentileza de la portentosa garganta de Hamilton. Esta fórmula tan innovadora captó la atención de la multinacional Interscope, la cual concreta un contrato con la banda en 1992 y se edita In The Meantime, quizá hasta el día de hoy fundamental en la escena del metal alternativo americano y mundial. La producción que estuvo a cargo de  Steve Albini (In Utero, Nevermind), y remezclado por Andy Wallace, que ha trabajado con innumerables grupos de la camada alternativa noventera, alcanza un sonido notablemente mucho mejor que el del primer disco. Aquí los riffs machacantes y la voz desgarradora de Hamilton se perfeccionan hasta llegar a su total porcentaje de efectividad. Tracks simplemente demoledores como ‘In the Meantime’, ‘Iron head’ la cual cuenta con un riff incesante que no hace mas que incitar al headbanger una y otra vez, la impecable ‘Unsung’ marcada por una intro con una notable linea de bajo para derivar a los mismos riffs que se esparcieron por todo el disco cual bombardeo atómico. Es un disco de metal, de un nuevo metal, entretenido, fácil de digerir pero por sobre todo potente, una marca registrada que dio pie para toda una seguidilla de discos del estilo de aquí en adelante.

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Los cambios de formación iban a ser constantes en la banda, partiendo en 1993 con la salida del guitarrista Peter Mengeda y la inclusión de Rob Echeverría en su reemplazo. Colaboran para la banda sonora de la película Judgment Night con el single ‘Just Another Victim’, que graban junto a  House Of Pain en una especie de cruza de bandas metal con hip-hop.

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El debut entonces de Echeverría sería en Betty de 1994 , un disco que alternó mas con sonidos jazz e incluso blues, por ende la parte mas purista de Helmet no recibió muy bien el disco llegando a vender solo alrededor de 275.000 copias en USA, bastante escueta la venta considerando que Meantime ya a estas alturas era disco de oro.

Despues de la gira de Betty, Echeverría deja la banda para unirse a los también neoyorkinos Biohazard, quedando Helmet en formato de powertrío y así graban en 1997 Aftertaste, donde tratan de volver a sonar como en Meantime pero sin el éxito estimado logrado con aquella placa. Aún así destaca el potente single ‘Exactly What You Wanted’. Para la gira de promoción del disco se les une Chris Traynor en la guitarra rítmica. Su relación para con su casa discográfica Interscope se estaba poniendo tensa y ya la popularidad del grupo empezó a decaer por lo cual se disuelven tras la gira de Aftertaste.

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De alguna manera a Hamilton siempre le atrajo colaborar con soundtracks para películas hollywoodenses y en los siguientes años se dedica a aquello, trabajó para las bandas sonoras de  Catwoman, S.W.A.T., Titus, Saw entre otras. También editan el single ‘Milktoast’, que fue incluído en la primera entrega de la película The Crow junto a Helmet en 1994.

Siempre inquieto musicalmente Hamilton aprovechó de pulir sus dotes lo que lo llevó incluso a tocar la guitarra junto al gran David Bowie en su gira solista.Hecho esta serie de colaboraciones y proyectos finalmente decide reunificar a Helmet para el 2004, aunque al momento de convocar a los originales John Stainer y Henry Bogdan no obtuvo respuesta positiva, dado que ambos se encontraban inmersos en proyectos propios, Stainer junto a Tomahawk y The Mark Of Cain y Bogdan por esos años se embarcó en gira junto a los británicos Bush, en el marco del tour promocional del disco Golden State. Ante esto Hamilton recurre a John Tempesta (White Zombie, Testament), para encargarse de la batería y mantiene a Chris Traynor en la guitarra. Es así como entran a los estudios a grabar Size Matters el año 2004. Para la gira se incorpora también Frank Bello (Anthrax), aunque a mitad de esta los deja y en su reemplazo entra Jeremy Chatelain. El disco en sí, si bien mantiene la potencia de los germinales discos de la banda, tampoco logra superar las expectativas de algo que supere a sus placas de principios de los noventa.

Al año siguiente Tempesta deja la plaza de batero y en su reemplazo entra Mike Jost y en la guitarra entra Anthony Truglio dejando a Chris Taynor en el puesto de bajista dejado por Bello, es así como graban Monochrome con Waccon Records, dejando a Interscope debido a serias desaveniencias y problemas legales. Con esta placa giran en el denominado Warped Tour 2006 junto a bandas como Rise Against, NOFX o Every Time I Die entre muchas otras.

En el 2010 vuelven con otra formación y la final deserción después de 10 años de Chris Taynor, la banda quedaría así: con John Fuller (bajo), Kyle Stevenson (batería) y Jimmy Thompson (guitarra).

Finalmente Hamilton logra zafar de sus impases con la discográficas y edita Seeing Eye Dog con Work Song Records que, al parecer le ha otorgado muchas mas libertad de composición y manejo de los negocios relacionados con la banda. El disco es brutal de principio a fin ,como es el común de las obras de los neoyorkinos, la voz de Hamilton peca de desgastada (de alguna manera los años de circo pasan la cuenta), pero de todas maneras canciones como ‘Seeing Eye Dog’ o ‘In Person’, quizá como nunca logran recuperar el espíritu de su aclamado Meantime de 1992. Mas aún inclusive como en el tema ‘LA Water’, arremetiendo en terrenos poco explorados como la sicodelia, algo de alguna manera inexplorado por la banda.

Lo que queda claro es que Helmet es Page Hamilton y Page Hamilton es Helmet, un hombre que a fuerza de tropiezos y autocrítica ha sabido mantener en pie su engendro mas preciado. Siete discos de estudio y una importante reputación en el medio finalmente saca cuentas alegres para el neoyorkino y el orgullo de haber sentado las bases del metal alternativo hace 20 años atrás lo avalan.

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Helmet al fin estará en nuestro país, luego de una fallida y demasiado lamentable caída de show de hace un par de años. Insertos en Festival Rockout será una de las más grandes bandas incluídas en el evento. ¿Perderselos? sería una tontera.

Por Patricio Avendaño R.

Bad Religion:

Con 17 discos de estudio a cuestas que datan desde 1981 casi en forma ininterrumpida, los californianos de Bad Religion regresan a nuestro país a mostrar su nuevo material incluído en The Dissident Of a Man, disco editado el año pasado, mas una avalancha de clásicos que han cosechado durante toda su carrera.

Y no es menor esta pasada ya que la banda se encuentra celebrando sus 30 años de carrera, la cual a punta de perseverancia, actitud y un tezón impresionante de parte de su líder y principal compositor, el profesor de ciencias de la UCLA Greg Graffin, se mantiene totalmente vigente.
Cabe decir que desde el 2001 con el lanzamiento de The Process Of Belief que la banda cuenta con un tándem de guitarras triple a cargo de Brian Baker, Greg Hetson y el ya legendario Mr. Brett (Brett Gurewitz), dueño del mítico sello Epitaph y que a pesar de haber tenido sus desaveniencias con el resto en el período de los 90’s hoy mas que nunca se le aprecia como parte fundamental de la estabilidad y solidez actual.
Un show imperdible, una banda de mucha fuerza y dominio escénico. A diferencia de su anterior pasada en el 2007, esta vez vienen a dar un show completamente solos y no en calidad de teloneros  , presentación en la cual estuvieron precediendo al show de Velvet Revolver y donde una hora de show se hace demasiado poco para la cantidad de himnos de este quinteto. Esperemos que la banda nos brinde cerca de dos horas de show , que es el promedio de duración cuando se presentan como cabezas de cartel o simplemente en un show único.

 

 

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