La ruta hacia Lollapalooza: Cage the Elephant, sacando el mejor néctar de su juguera musical

La banda de Kentucky-con una muy vertiginosa ascensión hacia la fama y espectáculos masivos sobre todo durante este año- es otra de las importantes para la reunión del festival de Lollapalooza Chile, que tendrá cabida los días 31 de marzo y 1 de abril del próximo año.

Y era de esperarse, ellos estuvieron en las versiones Lollapalooza Chicago, Coachella y Bonnaroo, en los cuales han estado mostrando en mayor parte lo editado en su segundo disco de estudio “Thank You, Happy Birthday”, el cual ha estado sumando elogios cada vez más de parte de la crítica y fans debido un ecléctico sonido que conjuga mucho punk, noise, new wave e incursiones indie pop derechamente.

Cage the Elephant: ‘Aberdeen’

[youtube]bZBmcSBoRAE[/youtube]

 

Como ellos mismos contaron en este disco se afinaron más detalles que en su debut, se pulieron con mucho más dedicación los arreglos y se rehicieron canciones todo con el propósito de encontrarse con el sonido que la banda realmente buscaba. Todo eso, a diferencia de su anterior entrega debut del año 2008 donde el disco se editó mucho más “en bruto”.

Una de las características primordiales de la banda es la búsqueda de un sonido y no tienen ningún tipo de empacho al declarar sus diversas influencias que van desde The Ramones hasta Cindy lauper, y pasando por un bosque de estilos dentro de los cuales han mencionado a inspiraciones de clásicos como Bob Dylan, Jimi Hendrix,  Led Zeppelin o cosas tan diversas como Gang Of Four, Herman’s Hermits, The Turtles, Dick Dale, Violent Femmes, Pavement, Mudhoney o Black Flag y todo eso tratando de plasmarlo de la mejor manera con todos los aportes y visiones de cada uno de sus integrantes.

Como dijo el mismo Matthew Shulz “Tenemos un lema en la banda que es probar de todo, tanto como podamos, y cuando  presionamos play dejar  que la reproducción sea siempre el momento de la verdad. Si suena como una mierda, entonces suena como la mierda. Estamos muy bien en aceptar eso.”

Dentro de los logros para la banda este año fue la nominación alos MTV Music Awards por la edición del video ‘Shake me Down’ , el cual en su paisaje audiovisual recrea unas vivencias del propio vocalista cuando niño, aquí lo puedes chequear:

[youtube]v27TRan1SBI&feature=endscreen&NR=1[/youtube]

La banda fue elegida por los mismísimos Foo Fighters para acompañarlos durante su gira norteamericana, y todo a propósito de una carta que ellos entregaron a la banda comandada por Dave Grohl en la cual le expresaron su admiración:

Queridos Foo Fighters: somos grandes fanáticos de su banda. Lamentablemente, no podemos verlos en vivo porque nuestro diabólico manager nos dice que debemos irnos. Si no hacemos todo lo que él dice, nos va a quemar con colillas de cigarrillos en nuestras partes íntimas. Esperemos que entiendan

 

Otro de los plus de la banda y que han logrado acreditar en los festivales masivos a los cuales han sido invitados, son sus explosivas presentaciones en vivo, lo cual podremos ver en integridad en su show en nuestro país.

Te dejamos con una muestra de aquello, una de sus presentaciones de este año en el festival de Coachella:

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Cage the Elephant :

  • Matthew Shultz – voz
  • Lincoln Parish – guitarra principal
  • Brad Shultz – guitarra rítmica
  • Daniel Tichenor – bajo, coros
  • Jared Champion – batería, percusión

 

El viejo nuevo orden de New Order

La reunión de New Order es todo un hecho. Los ingleses que han estado inmersos en proyectos paralelos  cada uno después de su último regreso a los escenarios el año 2007, ya ha fijado fechas sudamericanas y pasado mañana se estarán presentando en el Movistar Arena en Santiago.

Pero no todo es color de rosa, las serias desaveniencias entre los líderes Bernard Sumner (voz y guitarra) y Peter Hook (bajo), quienes han estado inmersos en disputas legales durante este último tiempo, han provocado que esta reunión no sea 100% completa, es decir, sin Peter Hook , quien encuentra descabellada, innecesaria y totalememte lucrativa esta reunión.

Mientras que Sumner, Morris y Phil Cunningham (que se había sumado a New Order en 2001) armaron un nuevo grupo: Bad Liutenant, Hook ha estado realizando diversas colaboraciones, trabajando como DJ e inmerso en el proyecto supergrupo Freebass, junto a Mani de los Stone Roses y Andy Rourke de The Smiths , con los que ya publicó un álbum de Estudio y un EP. También escribió un libro titulado “The Hacienda, How Not To Run A Club”, que habla de todos los pormenores que ocurrieron en el mítico local de Manchester donde dio vida el movimiento madchester y el post punk, brit y otros derivados desde principios de los 80.

Perfect Kiss

[youtube]hRqdOyMnnxM&feature=related[/youtube]

Dadas así las cosas para New Order , la reestructuración queda de la siguiente manera: Tom Chapman entra al mando del bajo para reemplazar a Hook y siguen Sumner, Morris y Cunningham. Y cuentan con la vuelta de Gillian, la esposa de Stephen Morris, quien ya había sido de la partida de la banda en su formación más clásica.

Sin embargo, pese a la carencia de un fundamental en la banda, el regreso de New order tiene un carácter bastante significativo. Miembros estables que estuvieron junto a Joy Division , banda considerada de culto y que cimentó el camino para grandes del rock , new wave y post punk durantes las décadas venideras. Hablamos de ya a estas  alturas íconos generacionales como U2, The Cure , Depeche Mode entre otros  y que por estos días ha tenido una suerte de revival además, como es el caso de bandas como Interpol, The Editors, White Lies  por nombrar sólo unas cuantas.

La banda en sus shows está haciendo un recorrido muy bien seleccionado por toda su carrera y en los encores han sacado a relucir lo mejor de la estancia junto a Joy Division incluso, así que es muy probable que nos encontremos con sorpresas de este tipo.

Te recordamos: este 5 de diciembre New Order en Chile, Movistar Arena.

Entradas ala venta a través del sistema Feriaticket (Feriamix). Precios:

Tribuna: $ 16.200
Platea alta: $ 23.400
Cancha general: $ 28.800
Cancha VIP: $ 36.000
Platea baja: $ 45.000

Blue Monday

[youtube]ftJZomwDhxQ[/youtube]


George Harrison: La guitarra sigue llorando suavemente.

Un día 29 de noviembre del año 2001 uno de los artistas más importantes del siglo pasado dejó de existir y en Nacion Rock nos damos la libertad y el gusto de recordar a este gran guitarrista y compositor de notables canciones junto a The Beatles. Fue el miembro de la banda que logró desmarcarse de la sombra que tuvo de dos compositores monstruosamente talentosos como John Lennon y Paul Mc Cartney. Es más, lo hizo con talento, elegancia y nutriéndose de influencias orientales que lograron imprimir a The Beatles un sello muy distintivo por sobre las bandas del género. Además  también  destacamos grandes pasos de su impecable carrera de solista y  aprovechamos de mostrarte algunos proyectos en los cuales ha participado.

Partamos por The Beatles y una tremenda canción que se considera la mejor de su factura junto a los cuatro fabulosos de Liverpool: ‘While my Guitar Gently Weeps’, pero acá la presentación en su concierto de homenaje en noviembre del 2002, cuando cumplió 1 año de fallecido. Como se puede ver los invitados están de lujo: Eric Clapton, Paul McCartney, Jeff Lyne, Ringo Starr y hasta su hijo Dhani Harrison (quien es prácticamente calcado a su papá) entre otros:

Otra gran canción que compuso para The Beatles fue ‘I me Mine’, que fue incluida en su disco Let It Be y que acá suena en escenas de la película del mismo nombre. Un período en que las relaciones estaban bastante tensas en la agrupación británica. Sin ir más allá en este mismo film hay una seria diferencia de opiniones entre Paul McCartney y Harrison.

En 1971 Harrison junto a otros músicos destacados organizan el mítico Concert for Bangladesh, el cual se realizó en favor de los refugiados en Pakistán. En ese período Harrison acababa de dejar a The Beatles y era un momento en que cada beatle emprendía su carrera como solista. Lo que hizo Harrison fue bastante ambicioso: lanzó el primer disco triple de la historia sorprendiendo a sus colegas y al mundo entero en realidad. De ese disco acá va su presentación en este gran concierto con su  ya clásico  ‘My Sweet Lord’:

Bien sabido es que The Beatles fueron pioneros en realizar la promoción de sus canciones mediante lo que todos conocemos como videoclip. En esta oportunidad y bajo esta composición hermosísima de George Harrison editaron este romántico videoclip donde cada beatle aparece con su pareja. Harrison en ese tiempo con Pattie Boyd, Paul con Linda, Ringo con Maureen Cox y ya desde hace poco en ese entonces John Lennon con Yoko Ono. Una entrega audiovisual que llega a poner la carne de gallina, tanto por la nostalgia de verlos en esa época como por su buena realización, hay unos primeros planos tan notables que es imposible no emocionarse. Esto se llama ‘Something’:

A finales de los ’80 George Harrison participó de una superbanda compuesta por verdaderos íconos del rock clásico, es el caso de Traveling Wilburys donde compartió con Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y Jeff Lyne, este último de la Electric Light Orchestra. La banda lanzó dos discos pero el triste fallecimiento de Orbison y la difícil tarea de reemplazarlo truncó los planes de seguir adelante. De su primer disco este fue el video para el sencillo ‘Handle With Care’:

 

En 1991 convencido por su amigo Eric Clapton (sí, amigos pese al robo de chica y todo) emprendió una gira que terminó por ser una nueva producción en vivo, la cual no realizaba desde 1971, es decir 20 años atrás,  que fue desde el Concert for Bangladesh. Aquí interpretando el tema ‘Cloud Nine’ de su disco del mismo nombre de 1987.

 

Bonus tracks:

Quisimos incluir dos bonus tracks en este especial. El primero más que nada se trata de la herencia física que dejó Harrison: su hijo Dhani, quien se parece a un nivel impresionante a su padre, de hecho la anécdota cuenta que para el Concert for George Mc Cartney dijo: “Olivia me dijo que, con Dhani en el escenario, parece que George se mantuvo joven mientras el resto envejecimos.” Dhani  ya está siguiendo los mismos pasos de su padre. Por si no la conocen les presentamos la banda que tiene junto a Ben Harper y Joseph Arthur, llamada Fistful of Mercy. Justamente este tema titulado ‘Father’s Son’ de su único álbum hasta el momento titulado As I Call You Down:

 

El otro se trata de un video de The Beatles en sus inicos, que si bien realizan la comparación , el parecido de joven de George con su hijo Dhani es mucho más notorio. Esto es de la época de la beatlemanía y se llama ‘Roll Over Beethoven’, original de Chuck berry y una de las pocas que interpretó Harrison en su etapa inicial junto a los Fab Four.

El líder espiritual y guitarrista de la banda de Liverpool falleció en 2001, una muerte que de alguna manera se venía anunciando. Ya en 1997 su cáncer a la garganta se había detectado, aunque a punta de tratamientos intensivos de radiaciones se suponía había desparecido. Pero al parecer la muerte se empecinaba en rondar al talentoso guitarrista, quien en diciembre de 1999, es víctima de un atentado en su propia mansión donde se encontraba mejorando. Aunque el atentado fue frustrado gracias a su propia defensa y la de su esposa, que lograron reducir a este tal Michael Abram, de 33 años, quien era natural de Liverpool, que escapaba recurrentemente de una clínica psiquiátrica y que tenía una obsesión con The Beatles. Curiosamente casi 19 años después del atentado a su ex-compañero de banda John Lennon. Más tarde el cáncer reapareció pero pese a todos los esfuerzos esta vez no hubo terapia que lo venciera.

Seguramente hay muchas razones para recordar todo su legado. Su conexión con lo espiritual, su amistad con Ravi Shankar y esa inyección de meditación trascendental que puso en The Beatles se agradece bastante. Quizá llegó en un momento justo, cuando The Beatles estaba teniendo serios problemas para asumir la fama y donde necesitaba un cambio. Quizá fue él o las drogas, ambas cosas ayudaron, la reunión con Bob Dylan, tal vez. La incursión con la sitar llegó en el disco Rubber Soul en 1965. Pero este cambio de perspectiva musical ni el mismo Harrison o Lennon dimensionaron lo importante que iba a ser para la música rock de aquí en adelante.

Un músico de los que merecen ser homenajeados. El director de cine Martin Scorsese le dedicó un film el cual nos aporta muchos detalles acerca de su vida. Un hombre tranquilo que a través de su búsqueda del misticismo siempre quiso encontrar la paz y regalarla a sus hermanos a través de su música, esa paz que muchos buscamos y la cual George merecida y felizmente encontró para siempre.

Por Patricio Avendaño R. 

 

20 años de la muerte de Freddie Mercury: Alma de arte y de mercurio

Hace justo 20 años uno de los músicos más versátiles que nos ha entregado el rock  nos dejó, así de simple. Si su muerte  en primeras instancias de alguna forma fue enigmática, también lo fue su niñez, de la cual él mismo se encargó de que no se supiera mucho.

Y es que Freddie Mercury siempre tuvo esa aspiración cada vez mayor con lo grandilocuente o quizá hasta divino,  que renegaba de su infancia en Tanzania o de su estadía en el internado Indio donde se educó. Un internado con costumbres y formas de educar bastante rígidas, lo cual suena casi paradójico dado el espíritu liberal y su pasión artística la cual siempre llevo consigo. Quizá esto mismo gatilló con más fuerza a que abriera más aún sus alas de libertad.

Freddie no tan solo poseía una voz de oro y un talento extremadamente genial para componer música, de joven adquirió una gran virtud para realizar bocetos y diseños de moda, los cuales incluso él mismo vistió en sus teatrales actuaciones junto a Queen. Más adelante inclusive asesorado con profesionales del estilo como Zandra Rhodes, quien vistió y diseñó para toda la movida glam rock setentera en sus comienzos y quien  finalmente terminó diseñando hasta para la princesa Diana de Inglaterra.

Esta alma artística en Freddie y su admiración por otras vertientes derivaron a que se inclinara incluso por la ópera, realizando hasta un disco en 1988  llamado Barcelona junto a la robusta cantante de ópera Montserrat Caballé. Mercury siempre estuvo ligado a este estilo incluso desde las trincheras del rock, su obra maestra ‘Bohemian Rhapsody’ es en forma el gran tributo que le rindió a esta representación artística.

Además fue un maestro del disfraz, los colgadores de Mercury cada vez eran mas abundantes con esas extrafalarias vestimentas con que solía  ir a fiestas transformistas junto a sus amigos. Eran años de locura. Su compañero de juerga Mick Rock  tildó a esas decadentes noches junto a Mercury en Nueva York como el lugar donde pudo haberse infectado el VIH, el lugar fatídico donde tantas jornadas de buen rato pasó pero que le jugaron la peor de las pasadas.

Muchas veces se le llamó la Edith Piaf de los ochenta, con un alma avasalladora, encantadora, Mercury era una caja de sorpresas y cada persona a la cual conoció no pudo hacer más que rendirse hacia sus encantos. Un ser humano íntegro y completo que daba gusto seguirle el paso y reir a carcajadas  con su genialidad o llorar desconsoladamente con las consecuencias de su infortunio.

Freddie Mercury perfectamente pudo haber sido un artista o intelectual incluso, pero donde pudo desarrollar toda esa ambiguedad , libertad y ambiciones de grandeza fue justamente con el rock , el cual reúne todos estos elementos. Si uno hace el trabajo de revisar personajes que hayan desarrollado más que una carrera, una experiencia de libertad con la música y definitivamente encajar y haber becho lo que se te plazca y conquistando y haciéndolo bien ese es Freddie Mercury en Queen.

¡Grande alma de Mercurio!, como una de las primeras letras que salieron de tus plumas y que te apellidaron además, te saludamos y te estaremos agradecidos eternamete por todo tu legado y la emoción que nos has transmitido con cada una de tus canciones. Gracias por explotar a niveles inimaginables tu tremendo talento y arte y entregarlo hasta la eternidad.

Patricio Avendaño R.

 

Freddie Mercury ‘The Great Pretender’

[youtube]EAWALjF43nI&feature=related[/youtube]

 

Tony Iommy : El eterno sabbáthico y el regreso de Black Sabbath

Con motivo del celebrado y esperado anuncio de la reunión de Black Sabbath quisimos dedicarle este artículo a uno de los grandes responsables de que la banda siga en pie a estas alturas del partido y toda una leyenda viviente en cuanto a lo que a la historia del heavy metal se refiere; su guitarrista y fundador Tony Iommy.

La leyenda del sonido de Black Sabbath ya a estas alturas debe ser conocida: Iommy trabajando en una fábrica en la industrial ciudad de Birminghan se cortó unos dedos de la mano, lo cual lo obligó a  adoptar una prótesis de goma en los dedos y a bajar la afinación de su guitarra para que ésta no quedara tan tensionada al momento de tocarla. Esa afinación sumada al roce de estas prótesis es la que logró sacar este sonido doom y oscuro que todos conocemos.

Pero más allá de eso y de hacer una suerte de biografía, queremos rendir pleitesía a un hombre que ha sido un estandarte en la formación, la cual jamás ha dejado, pese a que en muchas pasadas dentro de la carrera de Sabbath tuvo que lidiar con cambios de formaciones, numerosos problemas con los sellos discográficos y tener que mantener el nombre de la banda pese a que la música a momentos la estaba haciendo él prácticamente toda solo.

Es el caso de una época caótica en la historia de Sabbath. En 1986, ya a 7 años de la salida de Osbourne y después de las serias desaveniencias y guerras de egos para con Ronnie James Dio,  Iommy compone la música solo en su integridad para un siguiente álbum, un disco que obviamente correspondería  por derecho a un disco solista del guitarrista, pero el representante de la banda Don Arden-suegro de Ozzy y padre de Sharon- dijo otra cosa. El disco terminó por llamarse “Black Sabbath featuring Tony Iommy”, con Glenn Hughes en las voces. Un disco que distaba mucho del sonido primario de Sabbath -como varios en los 80, por cierto-y muy influenciado por el hard rock y lo que estaba pegando en el Sunset Strip en Los Ángeles en esos años.

Iommy en una entrevista el año 2004 comentó al respecto:

“Es que no tenía que haber sido un disco de Black Sabbath, nunca lo grabé con esa intención. Escribí esas canciones pensando en un disco mío en solitario. Pero entonces la discográfica se puso en contacto conmigo y mi ex-manager me dijo que quería que el trabajo se editase como un álbum de Black Sabbath, yo me mostré totalmente disconforme desde el primer momento. Al final no tuve posibilidad de elección en ese aspecto. Ellos se encargaron de todo y lo editaron como el nuevo disco de Black Sabbath, y creo que eso fue un error, porque en realidad no lo era.”

Black Sabbath ‘Seventh Star’ (1986)

[youtube]gAXNBSZUbT4&feature=related[/youtube]

Pero el terremoto y los conflictos se siguieron sucediendo una y otra vez durante el resto de los 80’s y lo que siguió en los 90’s. Dentro de los músicos que desfilaron por las filas de Sabbath en este período estuvieron Glenn Hughes y Tony Martin (voz) Neil Murray, Bob Daisley (bajo), Eric Singer, Vinny Appice, Cozy Powell o Bev Bevan (batería) y eso sólo por mencionar los más “permanentes”, ya que la banda tuvo que acudir a muchos músicos como soluciones de parche en esta temporada.

Pero lo que siempre ha movido a Iommy es la perseverancia y por sobre todo el amor por lo que él considera la banda de su vida. En aquella entrevista también dijo:

“Cuando miro atrás despues de tantos años, Black Sabbath ha sido lo más importante de mi vida durante treinta y cinco años. Me han pasado muchas cosas en la vida y Black Sabbath siempre ha sido mi mayor preocupación. Lo ha significado todo para mi.”

Está claro que esta reunión tan esperada de alguna forma lo es también para el veterano músico. Mas aún donde por fin vuelven los miembros originales y no tan sólo para una ocasión especial, como lo ha sido en el pasado. La idea de realizar un extenso tour mundial y grabar un nuevo álbum, el cual Iommy sobre todo tiene mucho que ver en eso, seguramente que era algo que anhelaba con ansias. Incluso en algún tiempo en los 90 Iommy se quedó con material que finalmente nunca se editó.

Te dejamos con la nota de la reunión por si quieres revisarla y para que vayamos calentando motores, uno de sus temas más emblemáticos y en su época dorada:

Black Sabbath ‘Iron Man’ [youtube]0l_RLH7QYLk[/youtube]   Patricio Avendaño R.

Pearl Jam en Chile: La noche que soñamos en colores

Como si no hubiese bastado con la seguidilla de conciertos de bandas emblemáticas del sonido del rock alternativo de inicios de los 90 con lo vivido el fin de semana con Kyuss y Maquinaria, recibimos un gran broche de oro , se trataba nada más ni nada menos que Pearl Jam , banda insigne del denominado movimiento grunge, en el marco de la conmemoración de sus 20 años de vida.

Y es que su visita de hace seis años había sido simplemente mágica y  sabíamos que esta vez vendrían a reconfirmar su nivel estimado como uno de los mejores shows del planeta. Y en Pearl Jam tiene mucho mérito ya que es una banda que no se apoya en la parafernalia, sólo en la destreza de sus músicos y en una entrega total hacia su público.

A las 17:00 hrs. se abrieron las puertas del estadio Monumental, el cual estaba ya a bastante mal traer, por cierto. Mucha  gente de provincia había pernoctado desde el día anterior y claros indicios de aquello fueron la cantidad impresionante de basura en las afueras y alrededores del recinto y algunas frazadas tiradas por ahí .

Los accesos tanto de entrada como de salida fueron un tanto desordenados, incómodos y con pocos espacios, sobretodo a la salida, donde la cosa se empezó a tornar caótica.

Ya para las 20:00 horas estaba la banda telonera X en el escenario, quienes a punta de potencia y buenas cuotas de un fiero punk rock lograron entusiasmar, o por lo menos  hacer escuchar con mucho respeto cada una de sus canciones. La banda a nivel general era bastante desconocida pero se asumió que una banda que sale de gira con Pearl Jam no es cualquier cosa, lo cual quedó demostrado.

Un set de aproximadamente 45 minutos que culminó con la invitación al mismísimo Eddie Vedder para interpretar su último tema , lo cual desató la euforia total en un ya prácticamente lleno Estadio Monumental.

Luego de una pausa aproximada de otros 45 minutos aparece en escena Pearl Jam. Sí, era el momento más esperado y algunos lo recibieron con algo más que euforia, con emoción de verdad.

La elegida para la apertura fue ‘Unthought Known’ de su disco Backspacer, que pese a que no es una canción con muchas luces altas, hizo que todo el Monumental estallara de emoción, lo cual se incrementó con las siguientes en turno: ‘Why Go?’ y ‘ Animal’ , ya aquí adentrándonos en el repertorio más clásico y aclamado de la banda.

Después de una advertencia de Vedder con respecto a evitar accidentes y anticipando que la jornada iba a ser larga y con mucha música, suena su nueva canción  ‘Olé’, compuesta con el motivo de este aniversario, y ‘Corduroy’ después, era la primera entrega de ese gran Vitalogy de 1994.

La parte delantera realmente estaba bastante afectada debido a las presiones y empujones de la masa que estaba detrás, lo cual Vedder notó de inmediato y pidió por favor que retrocedieran tres pasos hacia atrás para liberar un poco esta situación , incluso se manifestó bastante enérgico al respecto, y no continuó hasta que estos pasos masivos se dieron y se logró alivianar un poco la presión para los de las primeras filas. (Recordemos que el año 2000 en el Festival de Roskilde, Dinamarca, donde participaron, murieron 9 personas, causando bastante pesar en Vedder y cia; por lo cual han tratado de cuidar sus shows en este sentido).

La fiesta continúa después de aquello y en un bonito momento y con “torpedo” en mano dedica su siguiente canción a diversas ciudades y pueblos de Chile , se trataba de ‘Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town’ , a la cual le siguió ‘Cropduster’ y luego una aplastante ‘Even Flow’ donde las jams no se dejaron esperar y donde ya empezábamos a disfrutar de las bondades del gran Mike McCready y sus solos de guitarra.

Luego apareció ‘Daughter’ y algunos juegos vocales con el público y donde se apoyó al final en los coros de ‘Another Brick in the Wall’, seguida de esta suena ‘ Setting Forth’ del Vedder solista , ‘Got Id’ y una de las más esperadas de la noche : ‘Given to Fly’, la emoción desgarradora de este tema se hizo presente en cada uno de los que cantamos esta canción. Acto seguido el turno para la muy punk ‘Public Image ‘seguida por ‘The Fixxer’ , curiosamente las del Backspacer fueron muy cantadas, un disco que se suponía que no causó mucho impacto en nuestro país. Terminan su primer bloque de canciones con ‘Jeremy’ , a estas alturas el Monumental rendido a los pies de la banda. Era la primera despedida.

No fueron más de cinco minutos de espera, donde la ovación al son de ‘Jeremy’ se escuchaba entre otras cosas,  y Vedder de vuelta solo con su guitarra para interpretar ‘Just Breathe’, que sería seguida con ‘Down ‘ y ya con la banda nuevamente sonó ‘I Believe in Miracles’ con previa mención a Johnny Ramone, tal cual lo haría el año 2005 en el San Carlos de Apoquindo.

Luego de ‘World Wide Suicide’ , aparece en escena un afortunado fan, llamado Juan Pablo, quien se dio el lujo de saludar a la agrupación, tomar vino de la misma botella de donde tomó Vedder y más aún tocar ‘Last Kiss’, el siguiente tema con la agrupación. Si para nosotros la noche fue inolvidable imaginemos la de este fan.

Llega un momento increíble en esta noche mágica, suena ‘Black’ y la emocionalidad que fluyó desde Eddie Vedder se transmitió a toda esa masa de gente. Con la carne de gallina nos dejó durante toda su duración, uno de los momentos más emocionantes del show.

Luego de las respectivas presentaciones al sólido Matt Cameron y Stone Gossard, la potencia vuelve con una inmensa versión de ‘Rearviewmirror’ con una extendida y explosiva  jam donde todos los músicos hacía alarde de sus extraordinarios talentos, para regocijo de todos los que estábamos presenciándolo.

Llegaba el segundo encore , el tramo final que se nutriría de impactantes versiones. Nos quedó la sensación que mientras más se acercaba al final, mejor iban apareciendo sendas versiones de canciones y de entrega en este espectacular show.

Es así como suena ‘Once’, y una maravillosa y cantada por el público en sus primeras estrofas  ‘Better Man’, seguida por la notable ‘Crazy Mary’. La participación del veterano Kenneth Gaspar en el órgano fue descomunal, en este tramo final fue fundamental.

Después seguiria esta enorme algarabía con una que no podía fallar: ‘Alive’, la cual precedió a ‘Baba O’ Riley’ , la versión de Pearl Jam para esta gran canción de the Who, el show de los panderos de Vedder , se le rompieron varios y terminó golpeándose en la cabeza incluso con estos.

Ya no quedaba nada, la hermosa ‘Indifference’ de su álbum V/S y ‘Yellow Ledbetter’ cerraron este magistral despliegue de fuerza, potencia, emoción y entrega de los pocos vistos por estos lados.

Llama la atención que el setlist de canciones varió considerablemente a lo tocado en Argentina o Brasil , lo cual indica que Pearl Jam no fue predecible en este aspecto, y su capacidad de variar canciones y de dominarse en vivo con un amplio repertorio es otro gran plus de los de Seattle.

Una noche para el recuerdo, muy especial y que cumplió a groso modo las expectativas. Lamentablemente para sectores altos el sonido no estuvo a la altura lo cual se lamenta, pero aún así es muy difícil que haya logrado empañar este apabullante show.

Estadio Monumental, miércoles, 16 de noviembre 2011

Setlist:

Unthought Known
Why Go
Animal
Do The Evolution
Olé
Corduroy
Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town
Cropduster
Even Flow
Daughter
(Red Rain and Another brick in the wall snippet)
Setting Forth
(Eddie Vedder song)
I Got Id
Given To Fly
Nothingman
Public Image
(Public Image Ltd. cover)
The Fixer
Jeremy
Encore:
Just Breathe
Down
I Believe In Miracles
(Ramones cover)
World Wide Suicide
Last Kiss
(Wayne Cochran cover)
Black
Rearviewmirror
Encore 2:
Once
Better Man
Crazy Mary
(Victoria Williams cover)
Alive
Baba O’Riley
(The Who cover)
Indifference
Yellow Ledbetter

Patricio Avendaño R.


Kyuss Lives! en Chile: El gentil arte de calmar ansiedades

Es cierto, no es una banda archireconocida. Kyuss incluso en su momento más airoso no era de esas bandas que conmovieran a toda la comunidad rockera, pero los que tuvimos el agrado de crecer con su música sabíamos que se trata de un caso muy especial.

A estas alturas son como los abuelitos de toda una generación y ramificaciones que se han movido dentro de ese sonido stoner, sabático , desértico o como se le quiera llamar. Cuánto lamentamos su disolución en 1996, y con qué sorpresa nos tomamos su reunión. Por todo eso, este concierto muchos teníamos claro lo significativo que iba a ser.

El Teletón no pudo haber sido más perfecto para recibir a estos grandes músicos, ya para la aparición del cuarteto, el cual contó con 3/4 de su formación original, es decir , Nick Oliveri (bajo), John García (voz), Brant Bjork (batería) y en esta ocasión el guitarrista Bruno Fevery, ya podíamos notar un repleto total del recinto.

La apertura fue de lo más impresionante, tres canciones que prendieron los fuegos de inmediato, ‘Gardenia’, ‘Hurricane’ y ‘One Inch Man’, el Teletón casi en llamas y un sonido apabullante, saturador, igual que el sonido de Kyuss, es la esencia de la banda, aquí los errores de amplificación están hechos a propósito y esa es la gran gracia de la agrupación californiana.

La apariencia de García fue con total actitud, su pelo liso bastante largo, totalmente de negro y gafas oscuras. Cabe decir que el registro de voz no ha perdido un ápice tal como en la mejor época de la banda en los 90.

La fiesta seguía con ‘Freedom Run’, ‘Asteroid’ y ‘Supa Scoopa and Mighty Scoop’, los riffs sabáticos y la fuerza en el bajo de Nick Oliveri no fallaban y a veces daba la impresión que estuviésemos escuchando el disco en estudio de lo bien que sonaba.

Nick Oliveri no se quedó para nada en actitud, aunque tuvo  bastante poca empatía con el público, lo cual nunca ha sido su fuerte en realidad, incluso cuando le tiraron algo cerca quedó mirando amenazante como tratando de decir “conmigo no se metan”.

Siguió cayendo lo mejor de la artillería Kyuss: ‘Odyssey’, ‘Whitewater’, ‘El Rodeo’, donde la ejecución fue prácticamente sublime , Bruno Fevery ya muy bien afiatado a la banda , luego seguiría’ 100°’;  y la despedida , lo cual nos aterraba de alguna manera ya que se había hecho demasiado corto todo este lapso de tiempo con la cantidad de buenas canciones que pasaron ante nuestras  asombradas vistas.

Después de los olé respectivos y la ovación vuelven al stage para cerrar su show con ‘Molten Universe’, ‘Spaceship Landing’, ‘Allen’s Wrench’ y la que no podía faltar como ‘Green Machine’, desatando el mosh y la locura final de un excelente show donde primó la potencia, la nostalgia y el reencuentro para muchos con nuestra adolescencia noventera.

¿Los volveremos a ver? Quizá. Hay posibilidades de nuevo disco y eso es un serio indicio de que podrían pasar de nuevo por estas tierras, pero el del viernes fue un desempacho que teníamos contenido desde hace largos años y que pudimos satisfacer y con creces.

Grande Kyuss Lives! , tanto por su legado como por su sólida impronta en el escenario el viernes pasado, un regalo que muchos no esperábamos y se cumplió. Sin ir mas allá, un sueño hecho realidad.

Patricio Avendaño R.

Fotos:  Sebastian Dominguez U.

Pearl Jam In Cover: Los mejores covers de los cinco mosqueteros de Seattle

Estamos a tan solo días de que estos grandes sobrevivientes del fenómeno Grunge nos visiten por segunda vez y en Nación Rock te acortamos un poco la ansiada espera mostrándote las mejores versiones  de otros artistas que la banda se ha despachado, tanto en discos de estudio, bootlegs o en vivo:

1) Uno de los grandes músicos que han influido en el sonido de Pearl Jam es sin duda Neil Young. La banda ha cubierto muchos temas del talentoso músico canadiense en distintas etapas de su carrera e incluso grabaron juntos en el disco Mirror Ball de 1995. Aquí en su presentación en el Pink Pop Festival el año 2000 y con un casi debutante Matt Cameron en la batería interpretando ‘Fuckin’ Up’. Este tema fue parte de su primer disco oficial en vivo Live On Two Legs:

[youtube]wHheU9q9DMY[/youtube]

 

2) Otro claro referente sobre todo para Eddie Vedder ha sido el gran maestro del folk Bob Dylan. Su influencia es clara al momento de escuchar los álbumes solista del líder de los de Seattle. En esta oportunidad interpretaron el himno de protesta del folkman ‘Masters of War’, en una presentación el año 2004, como forma de declaración de su postura anti-Bush en ese período en los EE. UU.

[youtube]_aB8kSNlz2A&feature=related[/youtube]

3) Esta performance seguro nos traerá muy buenos recuerdos. En su gira que los trajo a Chile el año 2005 interpretaron una canción precedida de un corto speech en homenaje a Johnny Ramone. Se trata de ‘I Believe in Miracles’ de The Ramones, en vivo en Argentina:

[youtube]9wh6eLxX8TM[/youtube]

 

4) Para la banda sonora de la película I Am Sam, Eddie Vedder participó con la canción de The Beatles ‘You’ve Got To Hide Your Love Away’. Una película basada en una emotiva historia y prácticamente dedicada totalmente al cuarteto de Liverpool. Aquí Vedder el año 2008 en la localidad de Camdem, New Jersey, en Norteamérica.

[youtube]dKWNvm9h69I[/youtube]

 

5) En el año 2003 Pearl Jam editó el DVD Live at the Garden que mostró grandes momentos de su gira Riot Act Tour, como bonus track se incluyó este cover de Creedence Clearwater Revival para la canción ‘Fortunate Son’. En esta ocasión en el Madison Square Garden y  con un abanico de invitados entre los que destacan Johnny Marr de The Smiths, Ben Harper, Corin Tucker, las hermanas Wilson de Heart y muchos otros. Si se fijan además Billy Gibbons de ZZ Top la hace de presentador:

[youtube]fqBPkG6Zjtk[/youtube]

 

6) Otra banda que ha influído mucho en la carrera del conjunto es The Who, sobre todo en gran parte de sus últimos discos. Muchas canciones han versionado de la banda liderada por Roger Daltrey y Pete Townshend. Aquí si fuiste a verlos el año 2005 al San Carlos de Apoquindo seguro que te recordarás:

[youtube]49C9S2DU-MI[/youtube]

 

7 ) Pearl Jam  siempre ha tenido dentro esa furia del punk rock. Una canción original de los Dead Boys, banda mítica punk setentera que es recurrente en sus shows. Aquí en berlín, Alemania interpretando ‘Sonic Reducer’ el 2009.

[youtube]hAElUsN9_FY&feature=related[/youtube]

 

8 ) Aunque en esta oportunidad no está la banda completa, no quisimos dejar fuera su ya clásica presentación el año 1993 en el Rock’n Roll Hall of Fame cuando The Doors fueron inducidos, con la banda casi completa y con Eddie Vedder cubriendo a Jim Morrison en las voces. Se habló mucho después de esto de ciertas similitudes entre ambos vocalistas. ¿el tema? un clásico inmortal: ‘Light my Fire’:

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9) Otra banda clásica de la cual Pearl Jam ha absorvido influencias es Pink Floyd , aquí en la sólida interpretación de Vedder en un programa de TV norteamericano:

[youtube]0mPTZ-s2inY&feature=related[/youtube]

 

10) Terminamos con una rareza,  en Filadelfia versionaron el tema ‘Whip It’ de Devo. Quizá eso no es lo más curioso, lo que realmente llama la atención es que salieron vestidos tal cual lo hacía la banda new wave en los ochenta y con Vedder pegando latigazos a diestra y siniestra:

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