El día que cambió la historia de la música: Así fue cuando John Lennon conoció a Paul McCartney

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El 6 de julio de 1957 fue un día clave para la historia de la música moderna: fue el día en que John Lennon conoció a Paul McCartney por primera vez y crearon uno de los lazos más significativos en la historia del rock: el germen de The Beatles.

Fue por la tarde de ese día en que el grupo Quarrymen tocó en la fiesta del jardín de la iglesia del St. Peter, Woolton, en Liverpool. Los Quarrymen tocaban skiffle y en la banda estaban Lennon (voz, guitarra), Eric Griffiths (guitarra), Colin Hanton (batería), Rod Davies (banjo), Pete Shotton (percusión) y Len Garry (bajo). Era una de las primeras incursiones en un grupo más o menos cercano a algo real de Lennon, pero esa tarde el destino le preparaba otra cosa.

Entre camiones alegóricos con las Reinas de las Rosas, apoderados del colegio, puestos de feria y chicas elegidas de los grupos escolares dominicales, estaba esta banda animando la carnavalesca tarde. “Esa noche el grupo debía volver a tocar, menos Colin Hanton”, cuenta en el libro Imagine This, Julia Baird, la legendaria tía de Lennon y vital en el crecimiento del ídolo. “esta vez en el Grand Dance en el salón de la iglesia al otro lado de la carretera. Mientras instalaba su equipo para tocar, el bajista de Quarrymen, Ivan Vaughan, presentó a la banda a uno de sus compañeros de clase del Liverpool Institute, Paul McCartney, de 15 años”.

Esta ocasión histórica fue la primera vez que McCartney conoció a John Lennon, quien fuera un año mayor que él. McCartney llevaba una chaqueta blanca con manchas de plata y un par de pantalones negros. En primera instancia la pareja charló durante unos minutos, y McCartney le mostró a Lennon cómo afinar una guitarra. McCartney luego cantó ‘Twenty Flight Rock’ de Eddie Cochrane y ‘Be-Bop-A-Lula’ de Gene Vincent, junto con una mezcla de canciones de Little Richard. Ese momento conquistó de inmediato al chico rebelde de The Beatles.

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McCartney lo contó así en 1995 a través de Record Collector:

“Recuerdo haber venido a la fiesta y ver todos los espectáculos. Y también escuchar toda esta gran música flotando en este pequeño sistema de Tannoy. Era John y la banda. Recuerdo que estaba sorprendido y pensé, ‘Oh genial’, porque obviamente estaba en eso en la música. Recuerdo a John cantando una canción llamada ‘Come Go With Me’. Lo había oído en la radio. Realmente no conocía los versos, pero conocía el coro. El resto lo hizo él mismo. Simplemente pensé: “Bueno, él se ve bien, está cantando bien y parece un gran cantante para mí”. Por supuesto, tenía las gafas oscuras, así que se veía muy oscuro. Recuerdo que John era bueno. Él era realmente el único miembro excepcional, lejos mejor que todo el resto”

También MacCa más de una vez admitió: “En la fiesta del pueblo de Woolton lo conocí. Yo era un colegial gordo y, cuando apoyó un brazo en mi hombro, me di cuenta de que estaba borracho. Teníamos doce años, y seguimos convirtiéndonos en amigos adolescentes”.

La historia que sigue es más o menos conocida, luego Lennon se deshizo de su banda y McCartney le presentó a George Harrison quienes junto a Stuart Sutcliffe conforman “The Beetles” (los escarabajos) como parodia y tributo de la banda de Buddy Holly The Crickets (“Los grillos”), para luego ir mutando el nombre a The Beatals, Johnny and the Moondogs, Long John and The Beetles, The Silver Beatles hasta que en agosto de 1960 se decidieron por The Beatles.

El momento histórico, se representó muy bien en la película “Nowhere Boy”, sobre la adolescencia de John Lennon:

Por Patricio Avendaño R.

Disco Inmortal: Carcass- “Heartwork” (1993)

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Si hay una banda que hizo el death metal más amable, fino y melódico, curiosamente, esa banda fue Carcass. Los mismos que años anteriores fueron los pioneros del sonido más extremo y rápido del metal con discos insignes como “Reek of Putrefaction” (1988) y “Symphonies of Sickness” (1989). En ese momento no importaba ser melódicos y recordables, solo azotar tierras británicas con el grindcore que uno de sus integrantes -Bill Steer- hiciera connotado en otra banda insigne del género; Napalm Death.

Sin embargo con “Necroticism Descanting the Insalubrious” (1991) y la llegada del guitarrista sueco Mike Amott los ingleses adherirían dos variantes sónicas a su característico sonido extremo. Primero un acercamiento tácito al death metal que por esos días brillaba con obras culmines y la variante de tener un guitarrista amante de las melodías y fanático absoluto de Michael Schenker (ex UFO). El mismo que después de abandonar Carcass explotaría su veta melódica y rockera con los seminales Spiritual Beggars.

El punto culmine de este nuevo desarrollo en el sonido de los ingleses llegaría con Heartwork (1994), un álbum que marcó un nuevo rumbo en el sonido del death metal con melodías a dos guitarras armonizadas que si bien es un sonido que siempre ha estado ligado al heavy metal, nunca se escuchó de forma tan precisa e implacable en un álbum de death metal. Guitarras con esa consistencia no se escuchaban desde clásicos obligados del género como “Melissa” (Mercyful Fate) o “The Number of The Beast” (Iron Maiden).

Son pocas las bandas de metal que han comprendido que la trascendencia se gana no por quien toque más rápido ni por el grito más desaforado, la música incluso en el metal debe estar al servicio de melodías y canciones cantables. Basta con escuchar ‘Buried Dreams’, ‘Death Certificate’, ‘Heartwork’ o la muy pesada ‘This Mortal Coil’, canciones de constantes cambios de ritmos, siempre melódicas y con armonías siempre adictivas.

Sin embargo son todas canciones bien aderezadas con una identidad que jamás se pierde, por eso están ahí Jeff Walker y Ken Owen en voz/bajo y batería respectivamente. Jamás soltaron la base rítmica que los alejara del death metal, Walker nunca dejó de chillar como un insano, Owen no dejó de tocar blast beat y lo podrido del death metal de una banda que uso un collage de partes humanas en el pasado para la plana de una portada de sus discos no deja de brillar en ningún instante.

Identidad y melodía, la simple formula que le dio a Carcass el rédito de elevar uno de sus discos al top ten de los grandes discos de metal de siempre.

Por Nelson Silva A.

Twitter: @Lordsilvaa

Ozzy Osbourne elige sus 10 discos favoritos de metal de todos los tiempos

 

Hace poco, la revista Rolling Stone publicó una extensa lista con los 100 mejores discos de metal según su editorial, una lista que ha sido bien comentada y discutida estos últimos días (como toda lista compilatoria a decir verdad), y es la misma RS quienes en medio de todo este proceso, fue que hicieron consultas al mismísimo Ozzy Osbourne sobre sus propios favoritos.

La opinión del Príncipe de las Tinieblas no demoró en llegar y él les envió su lista con sus 10 álbumes favoritos de metal junto con una nota para cada uno, que es lo que compartimos con ustedes ahora.

Si bien sus elecciones dejan fuera la autoreferencia (es decir sin mencionar a Black Sabbath y a él mismo con su carrera en solitario), ahora resultan menciones muy acordes al global con Pantera, Metallica, Megadeth, Judas Priest y otras por decirlo no tanto como Rob Zombie, Alice In Chains o AC/DC.

Entendiendo esto, sigue el mismo patrón que RS que fue ir por los discos que “mas les volaron la cabeza e influyeron al metal” que de metal propiamente tal. Y por supuesto, la opinión de uno de los creadores de todo esto tiene que ser respetada. Acá la lista completa:

“Highway To Hell”-AC/DC

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“Me encanta Brian Johnson, pero para mí mi buen amigo, el fallecido Bon Scott, fue el mejor cantante de AC/DC. Este álbum fue como una adicción para mí.”

“Facelift”-Alice In Chains

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“Otro debut asombroso. “Man in the Box” es un clásico. Layne Staley era un tipo encantador. Es una lástima que no pudiera superar a sus demonios”.

“Apetite For Destruction”-Guns’N’ Roses

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“Uno de los mejores álbumes de debut de todos los tiempos. No hay una canción débil en él. Nunca me canso de escucharlo”.

“Breaking The Law”- Judas Priest

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“¿Qué puedo decir, los chicos de Judas Priest no sólo son mis compañeros de mi ciudad natal de Birmingham, sino una de las mejores bandas de metal de todos los tiempos. Este álbum tenía “Living After Midnight”, “Breaking the Law” y “Metal Gods”. British Steel es un clásico que definitivamente resistirá la prueba del tiempo.”

“Led Zeppelin IV”

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“Siempre he sido un gran fan de Led Zeppelin. Todos sus álbumes de estudio son clásicos, pero este es uno de mis favoritos de todos los tiempos”.

“Rust In Peace”- Megadeth

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“Nunca me di cuenta de lo bueno que fue esta banda hasta que escuché este álbum”.

“Master of Puppets”-Metallica

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“Me llevé a Metallica en gira conmigo después del lanzamiento de Master of Puppets. El álbum fue un hito para la banda y para el heavy metal”.


“Ace of Spades” Motörhead

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“El álbum que puso a Motörhead en la cima. La canción titulada “Ace of Spades” es la “Paranoid” de Motörhead. Es uno de los grandes himnos de metal y, para mí, una banda no lo ha hecho hasta que tienen su propio himno. Este es el de ellos.”

“Cowboys From Hell”-Pantera

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“Estos chicos eran algunos de los mayores animales de fiesta con los que he estado. La guitarra de Dimebag brilla en este álbum. Éste debe estar en la colección de todos los fans de metal

“Hellbilly Deluxe”-Rob Zombie

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“Rob Zombie es también alguien con quien he girado bastante. Él es un verdadero artista en todos los sentidos y Hellbilly Deluxe es el mejor de Rob en mi opinión”.

VIDEO: Nine Inch Nails aparecen en la nueva temporada de Twin Peaks

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Bien sabida es la estrecha relación artística entre Nine Inch Nails y David Lynch, en que la banda ha aportado sendas caciones como soundtrack para sus películas (“Lost Highway”) y el director ha realizado clips y aportes audiovisuales para la banda (“Came Back Haunted”), por lo cual y para darle mayor relevancia a la recientemente estrenada nueva temporada de la serie de culto Twin Peaks, Trent Reznor y los suyos han aparecido en un capítulo (3×08).

Su aparición llega en una escena en The Bang Bang Bar interpretando la canción ‘She’s gone away’, de su EP de 2016 “Not the actual events”. La banda de Trent Reznor es la protagonista de la actuación final, sucediendo así a otras que han estado como Chromatics, Au Revoir Simone y The Cactus Blossoms.

Te dejamos el video. Además recordemos que NIN se prepara para un segundo semestre interesante, donde estarán lanzando la segunda parte de su trilogía anunciada, junto con un nuevo tour.

Estrenarán show en Pompeya de David Gilmour en salas de cine locales

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El año pasado, los fans de Pink Floyd y de David Gilmour recibieron una grata noticia: el hombre de la guitarra de Pink Floyd anunció un show en el mítico anfiteatro de Pompeya, por supuesto recordando la legendaria performanbce de Pink Floyd en 1971, en la antesala de la grabación de “Dark Side of The Moon” y que quedó sellada como una de las más significativas presentaciones de una banda de rock en la historia.

El show tuvo lugar los días 7 y 8 de julio de 2016, donde el maestro mostró algo muy parecido a la gira que tuvimos la suerte de ver en nuestro país, con un contundente set cargado a clásicos de Pink Floyd, pero también con una gran parte de su carrera en solitario.

Las proyecciones en Chile, que incluso ya están anunciadas en su propia web oficial serán el 13 de septiembre (mismo día de estreno en todo el mundo) en CineHoyts: Arauco Maipú, La Reina, Parque Arauco (Las Condes) y San Agustín (Santiago centro) con valores y funciones a confirmarse

Hasta el momento registros del show no se han podido ver en edición profesional, solo lo que muestra el trailer oficial, por lo que todo indica que la gran sorpresa será cuando veamos el show en pantalla grande.

Cancionero Rock: “Pigs” (Three Different Ones) – Pink Floyd (1977)

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Si hay algo que para siempre elogiaremos del gran Roger Waters son las grandes ideas que ha puesto en los álbumes de Pink Floyd, haciendo de estos discos más que discos de música, obras conceptuales, y más que obras conceptuales, obras de arte con temas atemporales, de esas que se quedan conservando su carácter de eternas y que te dejan con ganas de admirarlas una y otra vez, como una gran pintura o un libro de literatura clásica.

En este caso del “Animals” (1977), justamente la literatura tiene mucho que ver, pero la forma que lo expuso Roger Waters marca la diferencia. George Orwell se despachó el libro “Animal Farm” (La Granja de los Animales) en 1945, año clave en la historia y cuando termina la Segunda Guerra Mundial, una fábula con matices claros sociopolíticos y alegorías al comunismo, donde los representantes de la ley eran perros, los cerdos fueron elegidos como dictadores y tiranos gobernantes y las ovejas como peones que siguen al rebaño. El álbum, pese a estar claramente influenciado por el libro, es una crítica directa y más abierta a la sociedad de consumo y cómo somos manejados por éstas.

En el tema “Pigs /Three Different Ones)” como bien su nombre lo dice, en cada uno de los tres versos de la canción muestra a un “tipo de cerdo” diferente, cuya identidad sigue siendo especulativa, aunque con el correr de los años se han desvelado algunos personajes reales en torno a sus identidades. Por ejemplo, el tercer versículo identifica claramente a su sujeto como Mary Whitehouse, una mujer británica que dirigió un movimiento para mantener el sexo en censura y fuera de la televisión, algo que es descrito como un “orgulloso ratón de casa de ciudad” que tiene que “mantener nuestros sentimientos alejados de la calle”.

Big man, pig man, ha ha, charade you are, oh
Hombre grande, hombre cerdo, ja ja, eres una farsa, oh,
You well heeled big wheel, ha ha, charade you are
tú, pez gordo gordo ricachón, ja ja, eres una farsa.
And when your hand is on your heart
Y te pones la mano en el corazón,
You’re nearly a good laugh
eres casi un buen chiste,
Almost a joker
casi un bromista,
With your head down in the pig bin
con tu cabeza metida en el comedero de los cerdos,
.

Bus stop rat bag, ha ha, charade you are
Vieja rata de parada de autobús, ja ja, eres una farsa.
You fucked up old hag, ha ha, charade you are
Tú, jodida vieja bruja, ja ja, eres una farsa.
You radiate cold shafts of broken glass
Irradias fríos radios de cristal roto

Hey you Whitehouse, ha ha, charade you are
Oye tú, Whitehouse, ja ja, eres una farsa;
You house proud town mouse, ha ha, charade you are
tú, orgulloso ratón de casa de ciudad, ja ja, eres una farsa.
You’re trying to keep our feelings off the street
Intentas mantener nuestros sentimientos alejados de la calle,
You’re nearly a real treat
eres casi un auténtico deleite.
All tight lips and cold feet
Todos labios herméticos y pies fríos…
And do you feel abused?
¿Y te sientes insultado?

Al parecer, el primer verso representa a un hombre de negocios estafador, el hipócrita y corrupto autoproclamado superior que siente que puede engañar y persuadir con tal de llegar a la cima del éxito, mientras que el segundo verso podría referirse a la figura política de Margaret Thatcher, que era en ese momento (1975) un miembro principal del partido conservador de Inglaterra, pero llegó al poder como primer ministro de Gran Bretaña derrocando al laborista que estuvo largas décadas en el gobierno. El régimen Thatcheriano fue conocido por ser ultraconservador y enarbolado de “los valores victorianos”.

La historia real contada en su biografía habla de este cerdo de la portada del álbum, un gigantesco cerdo inflable que flota sobre una central eléctrica de Londres. Durante el rodaje, el cerdo se lanzó al aire, causando caos y perseguido por la policía mientras flotaba cerca del aeropuerto de Heathrow. Subió unos 18.000 pies antes de bajar en una granja en Kent. “Algie” como se le llamó se ha convertido en ícono de la imaginería de los conciertos de Pink Floyd, donde hasta las disputas por los derechos han estado involucradas. ¿Será que este cerdo avaro del primer verso se volvió en contra de ellos mismos?

Acá la gran canción, grandiosos teclados Hammond de Rick Wright, líneas de bajo clásicas proporicionadas en este tema-curiosamente- por David Gilmour y una monstruosa guitarra y solos, acompañada de esta atmósfera porcina, por supuesto. Parte del magistral “Animals”:

Por Patricio Avendaño R.

El día que Layne Staley Habló de Nirvana, RATM, Radiohead, Blind Melon y más en TV

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En plena gira australiana en 1993- la última con Alice In Chains- Layne Staley pasó por el mítico programa Rage, que tenía la gran particularidad de que las propias estrellas de rock programaban sus canciones comentándolas, por lo que se revelaban sus gustos como nunca y su opinión acerca de otras bandas y artistas en un entretenido ejercicio.

La edición que tocó a Layne Staley aún es fruto de culto y se preservan algunos registros que quisimos compartir con ustedes. En la ocasión habló de varios videos, en los cuales programó a Iggy Pop, Ministry, NIN, Jimi Hendrix, Prince, Blind Melon, RATM, Radiohead, Rollins Band, Suicidal tendencies, Pantera y muchos más.

Sin duda dentro de la lista no podían faltar otros grandes del grunge, y fue “Heart Shapped Box” de Nirvana el programado, del cual comentó: “Estoy seguro que estos chicos están muy orgullosos de lo que hicieron y yo estoy muy orgulloso también. Han sido ridiculizados por la prensa… y volvieron y los destruyeron con un álbum, canción y video estupendo. Para mi es genial. Amo este video.”

La lista de temas fue muy certera, y obviamente se centró en bandas que sonaban mucho en la dorada época de inicios de los noventa. Uno de ellos, Rage Against The Machine de quien comenta: “Salimos de gira con esta banda para el Lollapalooza en Estados Unidos, una gira genial. Ellos estuvieron increíbles. Me propuse despertarme temprano para ir a verlos y esta era mi canción preferida, de hecho, lo sigue siendo. “Killing in the name” de Rage Against the Machine. Por cierto, Tom Morello, el guitarrista, me enseñó a tocar la guitarra, así que si la cago, es su culpa”, dijo entre risas.

Ese día Layne estaba particularmente de buen humor y lanzando buena onda con todo lo que programaba. También sindicó a Prince y David Bowie como unos de sus más grandes ídolos. El turno también llegó para bandas como Blind Melon y Radiohead. De los primeros comentó y programó ‘No Rain’ diciendo: “Conozco mucha gente que no coincide conmigo en que esta es una canción y un video estupendo. Se pueden ir al carajo. Para mi es genial, Shannon, el cantante es amigo mío. Creo que ésta es una de sus mejores canciones y es un video estupendo.”; de los de Oxford programó ‘Creep’ y dijo:“Es la primera canción nueva que me gusta en 2 años de cualquier banda. No he escuchado más material de ellos, pero amo esta canción, ‘Creep’ de Radiohead. Es totalmente fabulosa.”

Para la parte final se guardó sus comentarios y programación de videos de Alice In Chains, en que confirmó su favorito “Angry Chair”: “La filmación fue muy interesante. Trajimos todo tipo de animales: víboras y cosas que no me gustan y que se arrastraban por encima de nosotros. Fue una filmación muy relajada” indicó, en tanto por “Rooster” criticó el tema de la Guerra de Vietnam a que se refiere “Creo que los que tienen el poder en los Estados Unidos no quieren que la juventud norteamericana hable como la jodieron al hacer algo que estaba realmente mal, en un momento equivocado, así que por eso no lo pasan. Teníamos amigos que fueron a Vietnam, el padre de Jerry fue a Vietnam y esa fue una manera de juntar a Jerry y a su padre. Fue una manera de crear un vínculo a través de esa conversación acerca de lo que tanto había afectado la vida de su padre y de su familia.”

El registro de sus comentarios de los videos (editado sin los clips) acá. Abajo la lista completa de sus programaciones:

Just One Fix – Ministry
NWO – Ministry
Jesus Built My Hotrod – Ministry

Buttown – Iggy Pop
Mountain Song – Jane’s Addiction
Head Like a Hole – Nine Inch Nails
Wish – Nine Inch Nails

Heart Shaped Box – Nirvana
Justify My Love – Madonna
Mercy Seat – Nick Cave and the Bad Seeds
Mr. Krinkle – Primus

When Doves Cry – Prince
Sign ‘O the Times – Prince
Purple Rain – Prince
1999 – Prince

Creep – Radiohead
Asleep at the Wheel – Suicidal Tendencies
This Love – Pantera
Fire – Jimi Hendrix

No Rain – Blind Melon
I Built This Garden – Lenny Kravitz
With a Little Help From My Friends – Joe Cocker

Rubber Band Girl – Kate Bush
So Alive – Love and Rockets
Trust – Ned’s Atomic Dustbin
Hed – Hammerbox
Pretend That We’re Dead – L7

Killing in the Name
Punishment – Biohazard
Tearing – Rollins Band
Suggestion/Snub TV Interview – Fugazi

Man In The Box – Alice In Chains

Angry Chair – Alice In Chains

Rooster – Alice In Chains
We Die Young – Alice In Chains
Sea of Sorrow – Alice In Chains
Would? – Alice In Chains
Them Bones – Alice In Chains

Grandes Portadas del Rock: “Licensed to Ill”- Beastie Boys (1986)

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El 2016 cumplió 30 años uno de los discos debut más aclamados de la historia, donde tres chicos blancos desenvainaban una furia impregnada del sonido, energía e ímpetu marginal de las calles de Brooklyn con un hip hopfacturado en casi un 90 por ciento por los negros hasta ese entoncesensimismado de guitarras rockeras, con una actitud enorme y ganas de romperlo todo. Su portada, como ellos mismos han contado en innumerables oportunidades, quería representar exactamente lo que le preparaban al mundo con su primera embestida musical.

El genio productor/descubridor de la música de finales de los ochenta y durante casi todos los ’90 Rick Rubin fue quien afianzó la llegada de estos chicos a la masividad, concediendo su alero y la tribuna de su histórico propio sello Def Jam Records, y quien estuvo muy involucrado en todo, incluso en la portada, y en el libro 100 Best Album Covers sentenció de forma clara de cómo surgió la idea de este avión glamoroso pero estrellándose a toda velocidad:

“En ese momento, acababa de leer Hammer of the Gods, una biografía salvaje sobre los excesos del rock de Led Zeppelin. En el libro hay una fotografía del jet privado de Led Zeppelin y la idea de esta portada vino de eso. Los Beastie Boys eran sólo un grupo de chicos empezando y queríamos tener un jet propio. Quería abrazar y de alguna manera distinguir, de una manera sarcástica, el estilo de vida del rock’n’roll más grande que la vida”.

El avión al que se refiere Rubin es el legendario Starship, un avión Boeing 720 lujoso lleno de dormitorios e incluso chimeneas. Zeppelin eran los arrendatarios más famosos del Starship, pero cualquier banda de rock que pudiera pagar la tarifa era bienvenida para contratarlo, y muchos lo hicieron. Sin duda era un pequeño pedazo de lo que la banda imaginaba hasta donde podían llegar en aquel entonces, y no por nada el sampleo de “When The Levee Breaks” de LZ abre este tremendo debut con “Rhymin & Stealing” (rimando y robando, dejándolo claro), sin notar otros samplers de los ingleses algo escondidos en distintos temas de una cantidad de más de 40 samplers  con que viene superdotado este disco.

También la imagen es una mirada irónica y tragicómica de los accidentes aéreos (conocidos fueron los casos de tragedia impactantes que se sucedieron a través de la historia como los de Lynyrd Skynyrd, Otis Redding, Stevie Ray Vaughan o “el día en que murió la música” en 1959, que cobró la vida de Buddy Holly, Richie Valens y Big Bopper) concedido en el arte como una suerte de infame pésame histórico. Pese a que de frente parecía la cola de un avión lleno de estilo y audacia, tuvo su contraportada trasera que continuaba esta historia de estrellar el avión totalmente, porque aparte eso era lo que querían representar estos chicos bestia con su música: estilo en primera mirada, pero a la par ganas locas de estrellarse con lo que sea: éxito, fama, y decirle al mundo que iban por él y más.

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El arte no se quedó en detalles y eso es lo entretenido de esta obra, en que a cada momento que la miras puedes encontrar más cosas: El número que aparece en la cola del avión, 3MTA3, deletrea “Eat Me” hacia atrás. El logotipo de Beastie Boys en el estabilizador vertical fue diseñado intencionalmente para evocar el logotipo de Harley-Davidson. Incluso el título del álbum fue un juego de palabras sobre la famosa frase de de James Bond “Licensed To Kill” (licencia para matar) a “License to Ill” (licencia para enfermar) y también inspirados en que los Run-DMC no hace mucho habían sacado un hit llamado “You Be Illin”, específicamente dos meses antes del lanzamiento de este disco.

Pero en el mencionado 100 Best Album Covers, los autores afirman que “de acuerdo con Rick Rubin, si miras la portada de lado se ve como un pene con el vello púbico.” aunque si no tienes la mente suficientemente enferma, cuesta encontrarle el “lado sucio”. ¿Se queda en mito? Juzguen ustedes mismos.

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La ilustración de la portada en sí es un trabajo engañosamente complejo. El artista David Gambale, alias este World B. Omes, creó un collage de varias partes del avión y luego usó crayones solubles en agua para ilustrarlo. El proceso le llevó considerables horas de trabajo, pero el resultado valió la pena en un arte de primera línea, que pasados 30 años se valora aún más y que vemos hoy convertido en todo un clásico gracias por cierto a su música y a inolvidables canciones como la emblemática “(You Gotta) Fight for Your Right (To Party!)”, la propia “Rhyming & Stealing” o la gran “Don’t Sleep Til Brooklyn” en que participó hasta el mismísimo Kerry King de Slayer.


Por Patricio Avendaño R.