Cancionero Rock: “Money”- Pink Floyd (1973)

El Dark Side of The Moon destaca por ser un álbum onírico, con muchas ideas e inspiración filosófica que pasa a través de extraordinarias canciones. La vida y la muerte, el lunatismo, la locura, y el cuestionamiento humano están expuestos, pero si hay alguna canción que se desmarca un poco de eso tan espiritual fue “Money”, que muestra un lado más crítico, social y de lo que el dinero y la industria de la música trae consigo, aquella parte media diabólica, la avaricia. Pink Floyd, en los setenta fue bien enfático en esto, algo bien desarrollado desde la portada en su otro gran disco de la década como “Wish You Were Here” (aquel tipo en llamas estrechando manos con otro), sin embargo, lo paradójico es que estas mismas canciones fueron las que les significaron ventas millonarias en su historia.

“Money” a menudo se malinterpreta como un tributo al dinero. Mucha gente pensó que la línea “El dinero, es un gas”, significaba que consideraban el dinero como algo muy bueno, pero es todo lo contrario. Al inicio la línea “Money, get away” lo deja claro, aunque todo se va rellenando con frases de todo lo que se puede comprar con dinero y situaciones de glamour, aunque el detector de ironía para varios no ha andado muy bien que digamos.

Hay bastante técnica en ella. La canción comienza en un inusual 7/8 de tiempo, luego, durante el solo de guitarra, la canción cambia a 4/4, luego regresa a 7/8 y termina en 4/4 nuevamente. Cuando Guitar World, en febrero de 1993, preguntó a Dave Gilmour de dónde venía el famoso sello de “Money”, el guitarrista de Pink Floyd respondió: “Es el riff de Roger. Roger llegó con los versos y las letras de” Money” más o menos completos. Acabamos de hacer secciones intermedias, solos de guitarra y todo eso. También inventamos algunos riffs nuevos: creamos una progresión 4/4 para el solo de guitarra e hicimos que el pobre saxofonista tocara en 7/4 “.

Roger Waters es el único compositor acreditado en esto, pero la voz principal es de David Gilmour.  Fue él quien armó la secuencia de cinta de la clásica caja registradora que se reproduce a lo largo de la canción. También contiene los sonidos de papeles y bolsas de monedas que se arrojaron a un recipiente industrial para mezclar alimentos. La introducción se grabó capturando los sonidos de una vieja caja registradora en cinta, y empalmando y cortando meticulosamente la cinta en un patrón rítmico para hacer el efecto de “loop de caja registradora”.

Muchos efectos de estudio fueron utilizados en esta canción y en todo el disco, por cierto. Estaban usando un nuevo grabador de 16 pistas, lo que les permitió colocar los sonidos en capas mucho más fácilmente, pero las técnicas de estudio aún así fueron complejas y les causaron un trabajo arduo en 1973, ya que no había grabadores ni opciones digitales disponibles como los que tenemos hoy.

Fue una canción de todas maneras innovadora y una que, por cierto, destaca por aquella exigida sección de saxo a cargo de Dick Parry y que con el tiempo ha sido interpretada por distintos saxofonistas, y que no deja de ser un momento único en sus shows en vivo.

Por Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Chop Suey”- System Of A Down (2001)

Seguramente, al principio no sabíamos de qué mierda se trataba esto. Bastaron tres o cuatro escuchas para descifrar que estábamos ante una de las canciones más potentes e innovadoras de los 2000’s. Esto ni siquiera era nu metal, como así se les había etiquetado tras ese poderoso debut homónimo, esta canción del increíble “Toxicity” (2001) tenía aquellas aristas de aquel registro sí, pero las guitarras acústicas, el hardcore, y sobre todo, esa inmensa capacidad transtornante de cambios, iba a marcar el sendero de que System no era una banda solamente innovadora, era toda una revolución musical.

Chop Suey en realidad es un guiso chino hecho con carne o pescado, además de brotes de bambú, cebollas, arroz y castañas. Lo usaron para el nombre de la canción porque describe su estilo musical, con muchas cosas juntas haciendo de ello algo exquisito. De hecho, como podemos ver al repasar las lyrics, el título no está en la letra. El nombre original de la canción era “Suicide”, pero Columbia Records les hizo cambiarlo para que fuera radiable y no provocar polémicas. Al comienzo de la canción, antes de ese tremendo e icónico “Wake Up!” (que ha servido de memes y trabalenguas mundiales) escuchas a Serj decir  “estamos suicidándonos” ( “we’re rolling suicide.”) , aquella frase  y claro, el título es un poco de un juego de palabras: “Suey-cide”

El video fue dirigido por Marcos Siega, quien también ha trabajado con Blink-182 y Papa Roach. Fue filmada en el estacionamiento de un hotel barato cerca de donde la banda creció en Los Ángeles. Antes de la sesión, publicaron una nota en su sitio web invitando a los fanáticos a participar. Como no eran bien conocidos, pensaron que llegarían  unos 500, pero en lugar de eso aparecieron 1500 fans. (y en su mayoría niños) quienes recibieron instrucciones de albergar el escenario para que pudieran ayudar a capturar la energía de sus shows en vivo. El video es notable, pero hay que decir que pasa a segundo plano tras la canción en sí misma.

Rick Rubin, flamante productor de esta banda, que se estaba transformado en un verdadero tesoro en bruto, le dijo a  Rolling Stone acerca de “Chop Suey”: “Es una canción inusual porque el verso es tan frenético. El estilo es tan quebrado e inusual. Es difícil de cantar y posiblemente de escuchar, pero luego el coro es esta cosa grande, elevada, emocional, creciente, hermosa. Y luego tiene este puente increíble”:

Father, father, father, do you commend my spirit?
Father, why have you forsaken me?

Realmente su construcción fue majestuosa, las guitarras de Daron malakian magistrales y la interpretación de Serj Tankian una de las más valoradas de la década. El tema remata con esa frase desgarradora:

“I, cry, when angels deserve to die
In my self righteous suicide
I, cry, when angels deserve to die”

Se abduce a las drogas, a la deseperanza, de vivir en ese entorno de decadencia Hollywoodense y la pena de su natal Armenia, todo reunido. Es simplemente otra de esas bellezas que nos dejó el rock, y solo una pequeña parte del amplio y grandioso cancionero de una de las más grandes bandas del planeta (y que vaya que se extraña).

Por Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Lullaby”- The Cure (1989)

La clave del éxito de Disintegration y de The Cure en general han sido las sombras descarnadamente expuestas. Robert Smith sí que ha sabido traspasar sus penumbras al estilo post punk de la banda de forma honesta, haciéndola única y diferente en muchas formas.

Son tormentos, pasiones, amores y miedos personales los que van construyendo el propio muro de Smith en aquel disco y uno de los tracks más pantanosos por cierto, es “Lullaby”, esta especie de pesadilla recreada tan bien en la claustrófobica música como en aquel genial video.

Y es que realmente está basado en una pesadilla recurrente que Robert Smith tuvo cuando era niño, donde según contó fue devorado por una araña gigante; Smith dice que la canción es sobre el miedo al sueño y que, pese a que las canciones de cuna están destinadas a calmar a los niños para dormir, muchas de ellas tienen finales sorprendentemente catastróficos, y vaya que es cierto, sino preguntémosle a Korn que elaboró un compendio de ello en el tema “Shoots and Ladders”. 

Según Robert Smith, que nos remece la siquis por el tono asfixiante en su interpretación, las canciones de cuna que su padre le cantaba tenían finales trágicos similares. “Habría algo como ‘Duerme ahora, bonito bebé’, y luego habría un ‘O no te despertarás’ en la canción”, dijo.

También en Nación Rock:

Cancionero Rock: “Love Song”- The Cure (1989)

Videografía Rock: “Close to Me”- The Cure

And I feel like I’m being eaten
By a thousand million shivering furry holes
And I know that in the morning
I will wake up in the shivering cold
And the Spiderman is always hungry

El video musical fue ganador del premio Brit en 1990 y se inspiró en la película de terror de culto de David Lynch, de 1977, Eraserhead. Según el director del video, Tim Pope,  la canción invoca una referencia al pasado alimentado por las drogas del líder de The Cure. Explicó en NME: “En un nivel, existe esta estupidez y humor, pero debajo de eso hay todas las obsesiones psicológicas y claustrofobia de Smiffy” (como lo apodaba de cariño).

Por Patricio Avendaño R.

 

Cancionero Rock: “Working Class Hero”- John Lennon (1970)

“Working Class Hero” tuvo un impacto fuerte en su momento de salida y aun los años la han hecho más grande aún.  Es una canción de acordes simples, pero con una vibra impresionante, de aquellas que solo el gran Lennon sabía como hacer y lograr transmitir sensaciones para recargar el mensaje de la letra, barnizando todo con una música intensa y potente.

Lennon planteó una idea: estuvo en los 70 influenciado por el movimiento político de izquierda y los pensadores de la época, pero también nos retrae a su infancia y sus días de escuela, Lennon se dio cuenta de que la ausencia de conformidad era necesaria tanto a nivel personal como social. En la canción, él denunció las reglas conservadoras de la familia y la escuela británica que disminuyeron al individuo, y alentó la revolución en contra de un pensamiento estancado. “Working Class Hero” no es precisamente una alabanza a la clase trabajadora, más bien es cómo el capitalismo maneja a la gente para convertirla en esclavos y este supuesto “héroe de la clase trabajadora”, que es ironizado al cien por ciento, pero que no se entendió del todo.

“Creo que es una canción revolucionaria Creo que su concepto es revolucionario.  Pero no lo sé, por otra parte, podría ser ignorada o malinterpretada. Creo que es para las personas como yo, que son clase trabajadora, que se supone que deben ser procesadas en la clase media. Es mi experiencia, y espero que sea solo una advertencia para la gente, Working Class Hero”.

John Lennon, 1970

Working Class Hero fue parte de una línea de canciones políticas que comenzó con Revolutión de The Beatles en 1968 y culminó con el álbum de 1972, Some Time In New York City. Los fines de los años sesenta y principios de los setenta fueron un período fértil para la agitación política, con protestas contra la guerra de Vietnam, protestas mundiales en 1968 y el surgimiento de la Nueva Izquierda.

Seducido por estos movimientos, Lennon estaba desencantado con la forma en que sentía que los trabajadores eran utilizados por las clases altas para crear riqueza, y eran “dopados con la religión y el sexo y la televisión” como dice justamente en la letra, para permanecer como una clase baja. En este contexto, la descripción de “jodidos campesinos” era una crítica de su percepción de la clase dominante en lugar de las que dominaban. Y la linea “un héroe de la clase trabajadora es algo que hay que ser” es el ejemplo claro de su ironía revolucionaria.

Lennon fue criado en un hogar de Liverpool de clase media, pero, tal como pasó con la utópica “Imagine” del año siguiente, simplemente le pedía a sus oyentes que imaginaran una situación alternativa en lugar de tratarlo como un líder que predica desde un podio de honor. La línea de cierre, “Si quieres ser un héroe, simplemente sígueme”, estaba claramente destinada irónicamente en lugar del auto-engrandecimiento; después de todo, en 1970, Lennon se encontraba en medio de un largo período de dudas y de inseguridad, y no se sentía cómodo ser expuesto como líder, aunque sin lugar a dudas lo fue.

Por Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Sunburn”- Muse (1999)

Sunburn es  una canción que ya cumple 20 años y una de las melodías más reconocidas de los de Devonshire,  cuya selección como parte del setlist de los shows en los últimos años es un obligado y muy esperado por el público, pero también como es conocido en el Cancionero de Muse, tiene algunas historias que contar detrás.

Come waste your millions here / Secretly she sneers/ Another corporate show/ A guilty conscience grows/ I’ll feel a guilty conscience grow/ I’ll feel a guilty conscience grow

She burns like the sun/ And I can’t look away/ And she’ll burn our horizons make no mistake

La letra de la canción expresa,  según lo que el baterista de Muse, Dom Howard cuenta a Q Magazine: “Un cambio a un nuevo mundo, físico o mental que no es como se pensaba”. Además agrega cambios esenciales para el grupo en esos años: Desde Teignmouth, Inglaterra a Los Ángeles, EEUU; del anonimato a la fama; de la sencillez económica a la riqueza.

Otra interpretación adicional dada por su vocalista, Matt Bellamy, es una referencia a las relaciones amorosas, principalmente desastrosas.

Come let the truth be shared/ No-one ever dared/ To break these endless lies/ Secretly she cries

She burns like the sun/ And I can’t look away/ And she’ll burn our horizons make no mistake

And I’ll hide from the world/ Behind a broken frame/ And I’ll burn forever/ I can’t face the shame/ And I’ll hide from the world/ Behind a broken frame/ And I’ll burn forever/ I can’t face the shame

Corre el año ’99, cambio  a un nuevo siglo y milenio. Existían muchas predicciones de desastres y esperanzas igualmente de mejores tiempos, en general. Por ejemplo, un hecho bastante peculiar por esos años fue el llamado Efecto 2000 o Y2K, que básicamente era un error informático relativo al funcionamiento de los computadores sólo en los años que comenzaran con 19. La idea fue principalmente para ahorrar memoria, lo cual no predecía este pequeño futuro detalle que finalmente causó pequeños y puntuales estragos.

Desde lo musical, el grunge ya recientemente desaparecido, daba pie a nuevos estilos (nu metal) e influencias posteriores a este destacado género. En este contexto, aparece Muse con “Showbiz”. Muy amado y odiado a la vez, tanto por los críticos como por los nuevos seguidores u oyentes en general. A la agrupación con este disco, se le compara odiosamente con Radiohead, tanto en letra como en melodía, casilla que se lograron desmarcar a través de los años.

Afortunadamente, Muse (al revisar Sunburn, por ejemplo) demuestra que es mucho más que eso. Es un tema con nuevos aires, pensados e influenciados por bandas como Nirvana y Queen quienes son de Muse sus más destacados referentes. Y sí, Radiohead también está en la lista.

Su melodía crea una atmósfera densa, llena de tensión, con una dualidad que nos lleva desde el inicio de la dulce calma del piano, a la tormenta de los poderosos instrumentos y la desgarradora voz de Bellamy, dividida a su vez entre la angustia, el sufrimiento y la rabia.

En consecuencia, Sunburn es un tema especial y trascendental, altamente valorado no sólo por sus fans sino por aquellos que gustan del alt y prog rock. Marcó un sello distintivo e indeleble de los ingleses a partir de ahí hasta estos días.

Por Sandra López

Cancionero Rock: “Round and Round” – Ratt (1984)

Salidos de las cloacas del Sunset Strip angelino, Ratt desde un comienzo supo cómo capitalizar: para 1983 publicaron un EP homónimo, de manera independiente; para un año más tarde, a través de Atlantic Records, lanzar su ópera prima: Out of the Cellar. En ambas portadas como figura central apareció la actriz Tawny Kitaen, que por aquel entonces era novia de Robbin Crosby, segunda guitarra de Ratt —antes de, a fines de la década, relacionarse con Whitesnake y se casara con David Coverdale.

La tercera pista del disco se trató de su single inaugural: Round and Round. Sinónimo por antonomasia de la banda, el que más alto escaló en los rankings (#12 del Billboard Hot 100), y que hasta la fecha es la canción elegida para cerrar los conciertos. Bordeando los cuatro minutos y medio de duración, nos encontramos con un rock callejero sin sutilezas: “Afuera en las calles ahí es donde nos encontraremos. Haces la noche y yo siempre cruzo la línea; apretamos nuestros cinturones, abusamos de nosotros”, comienza con completa soltura tras el micrófono Stephen Pearcy; acompañado de las guitarras afiladas del ya mencionado Robbin Crosby y Warren DeMartini.

El videoclip fue el inicio de una gran racha, y que los tuvo en todo momento de los 80’s como una cara visible de MTV. Con un argumento sencillo, la banda tocando frenética en un desván, y justo debajo de ellos teniendo ocasión una cena elegante. El mayordomo, coludido, termina ofreciéndoles a los comensales una charola de plata, para luego quitarle la tapa y descubrir puñado de ratas vivas. Pese a que siguieron facturando material de la misma calidad los años siguientes, Round and Round se transformó en la primera que viene a la mente. Consiguieron que todo diese vueltas y vueltas.

Cancionero Rock: “Children of the Sea” – Black Sabbath (1980)

Cerrando los 70’s, el nombre de Black Sabbath se devaluó por completo, debido a la figura descarriada y llena de excesos de Ozzy Osbourne; junto con su paupérrimo último trabajo, Never Say Die! (1978), dejando a los de Birmingham en la cuerda floja. Optaron por lo más saludable: la expulsión del vocalista. Y para reemplazarlo llamaron al hombre tras el micrófono en Rainbow, Ronnie James Dio. Se trató de un salto al vacío donde ya no tenían nada que perder, y todo por ganar. Comenzando una nueva década, publicaron Heaven and Hell; que les significó un segundo aire lleno de vitalidad.

La segunda pista del disco, Children of the Sea, fue uno de tantos éxitos de la etapa de Dio. Pero este tiene algo especial, puesto que se trató de la primera canción que escribieron juntos. Para aquel punto el principal letrista, Geezer Butler, estaba agotado de llevar a cabo la labor y le confirió esa misión al recién llegado. Y allí nos habla sobre los Hijos del Mar; muy en la línea de tinte épico y con una lírica deliciosa, que tanto le acomodaba, tras una delicada apertura de guitarra de Tony Iommi.

“En la neblina de la mañana, en la orilla del tiempo, hemos perdido el sol naciente; una señal final. Mientras la neblina de la mañana pasa y se extingue; alcanzamos las estrellas, cegamos el cielo”. Despacha con completa soltura la primera estrofa; para luego cambiar el ritmo, a uno más primigenio que es marca registrada de Black Sabbath.

La versión en estudio no prosperó como se esperaría, como sí lo hicieron otros temas. Lo que la salvó, encumbrando en lo más alto a Children of the Sea, fue su versión en vivo; sacada de la placa Live Evil (1982), que le hizo ganar una considerable potencia de sonido. Se trata del primer legado de esta era de la banda, el resto se cuenta por sí solo.

Cancionero Rock: “Girls And Boys”- Blur (1994)

Antes que todo darle play a este tema es un sentimiento de frescura. No importa que hayan pasado 25 años de su factura, es un tema que trasciende tanto que se disfruta tanto hoy como que invoca un halo nostálgico de ese “gran ayer”.

El vocalista y letrista Damon Albarn encontró su inspiración para la canción mientras estaba de vacaciones en Magaluf, en la isla española de Mallorca. “Para ser honesto, me encanta toda la idea, me encantan las manadas sexuales humanas”, recordó más tarde. “Todos estos tipos y todas estas chicas se reúnen en el abrevadero y luego follan a destajo. No hay ninguna moralidad involucrada, no estoy diciendo que deba o no suceder, simplemente pasa”.

Era un retrato irónico del glamour del sexo libre, pero también de la decadencia del mismo. Fue single del año por NME y la extinta Melody Maker en 1994 y fue un verdadero furor y hit radial . El productor Stephen Street recordó la historia de esta canción a NME: “Damon hizo un demo básico en casa. No me habían autorizado a grabar eso, pero Damon se la jugó y dijo: ‘Tenemos que Hacerlo.’ Usamos una caja de ritmos y la convertimos en una pista tipo disco de 120 bpm, y resultó realmente genial “.

Amor en los noventa
Es paranoico
En playas soleadas
Aprovecha tus posibilidades
Buscando
Chicas que son chicos
A quienes les gusta que los chicos sean chicas
¿Quién hace a los chicos como si fueran chicas?
¿Quién hace a las chicas como si fueran chicos?

El tema trasciende generaciones, tanto por su espíritu bailable eterno como por esas hipnotizantes guitarras y líneas de bajo que definieron el sonido ambigüo de Blur, transformando todo en una verdadera delicia discotequera que disfrutamos hasta nuestros días.

Una ampolleta, zancudos a su alrededor, y la cara bonita de Damon arrancaban el irónico video para un tema que representó a los noventa en radios y quedó clavado en la memoria de muchos.