‘Zombie’ The Cranberries (1994)

Sin duda hay una canción que me llena de recuerdos, y en principio no tiene mucho que ver su letra con estos.

“IN YOUR HEAD, IN YOUR HEAD
THEY ARE FIGHTING”

Una obra archiconocida, que habla del eterno conflicto en Irlanda del Norte, de carácter político religioso. En especial de los niños involucrados como siempre en estos conflictos. Una eterna guerra que nos da cuenta que seguimos siendo Zombies, que nos desplazamos por la historia del universo totalmente ajenos a lo que somos: humanos, humanidad.

¿Cuál es mi recuerdo de esta canción? Pues en la primera mirada parece no tener conexión.

Por allá por mi niñez, mis vacaciones invariablemente transcurrían en el sur de Chile, entre bosques y lagos, entre ríos y volcanes. Me resulta tan familiar este paisaje, tan arraigado a mí, que cuando finalmente se terminaba el tiempo y era momento de volver a esta ciudad no sabía que inventar para quedarme. Creo que es mi vida el campo, no paro de pensar durante el año en la soledad y paz de esos mágicos lugares.

En una de aquellas veces, y me parece que fue algún tiempo después del lanzamiento del disco de los Cranberries “No Need To Argue” ya que todo llega tarde por allá, ‘Zombie’ hizo furor en las radios locales. Una y otra vez lo repetían y la melodía de la música y de la voz se mezclaban con el paisaje. Yo, largas horas acostado en el pasto viendo las nubes pasar, viendo al lago en su quietud, escuchaba con nostalgia la canción sin conocer su letra, para mí era la tierra la que me hablaba, era el viento, eran las aves y su canto. No es fácil describir lo placentera que fue la mezcla de la canción y el entorno.

Finalmente y como cada año, llego la fecha de partir. Tristemente veía por el vidrio del bus rural como la maquina me alejaba de aquello que es mío, pero que siempre se me va. Que es mío por poco tiempo. La melodía sonaba en mi cabeza, se esparcía inmovilizándome mientras los verdes cerros se volvían invisibles, mis ojos iban perdiendo el paisaje siempre con la voz de Dolores repicando hasta que finalmente llegábamos al terminal del pueblo para finalmente encaminarnos por la carretera hacia esta gran ciudad.

Zombie sonaba, y suena hoy con la misma intensidad, en aquella mente de niño. De niño que en la actualidad libra una guerra silenciosa por aquellas mágicas tierras. Que implora a otros por no caer en el vicio humano y evitar que se venda todo lo que existe. Y como el tema está pensado en los niños que sufren o que mueren por la guerra, con el paso de los años y a la distancia debida me doy cuenta porque ese tema llegó a mí en aquel lugar.

Era la naturaleza que me pedía guardar el recuerdo para los tensos momentos venideros, eran todas las cosas que me gustan, aunadas para prepararme para el egoísmo y el amor al dinero, era una plegaria para que con el paso de los años no flaquee y finalmente pueda mantener mi recuerdo vivo y a este silencioso paraje lejos de las manos de la destrucción, era y es una viva imagen sonora que día a día me recuerda que el planeta está lleno de vanas intenciones y que Zombies lo habitan y consumen con su grotesca voracidad.

Alejandro Coronado C.

 

´Zombie’  The Cranberries (letra en español)

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Cancionero Rock: “Meat is Murder” The Smiths (1985)

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La canción que le dio nombre al disco de 1985, tan así fue su importancia para recalcar el mensaje que causó bastante polémica incluso hasta el día de hoy. Bien sabido es del vegetarianismo de Morrissey, y en éste, uno de sus mejores discos junto a The Smiths, quiso alzar la voz con respecto a este tema.

Ahora bien, las críticas que surgieron de varios medios fueron en el sentido de que Morrissey reclamó en cuanto a este tema a un nivel extremadamente exagerado, casi igualándolo con denuncias al nivel del abuso sexual con los niños o el uso de armas nucleares. Como todo lo que hacía Morrissey, bien radical en todo el sentido de la palabra. En muestras audiovisuales se acompañó este tema con un paseo por un día de término de faena en un galpón lleno de rebanadores de carne, cual paso por un exterminio digno de la Segunda Guerra Mundial.

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Portada del disco “Meat Is Murder” – The Smiths (1985)

De aquí en más empezaron a aparecer las portadas con animalitos a modo de promoción del disco, era el estilo de vida adoptado por la banda y que en muchos casos debió ser así por muchos que rodeaban su círculo también (productores, roadies, equipo técnico, etc.) De hecho, cualquiera de ellos si quería comerse una hamburguesa o algo que tuviera carne debía hacerlo a escondidas, porque si lo hacía delante de la banda y aún más, de Morrissey, era mirado como si estuviera cometiendo un crimen, que finalmente es más o menos lo que postula Morrissey en la canción.

Era la forma de hacer punk de Morrissey, el tema, bien tremendo y oscuro en su sonido, además incluye ruidos de mugidos de vacas y máquinas industriales de cortar carne, dándole un efecto aterrador. Aquí más que un tema de conciencia se estaba denunciando una guerra. La canción viene al final del disco a modo de cierre en lo que para muchos es un broche de oro de lo que es considerado uno de sus mejores álbumes de su historia.

‘Meat is Murder’ (subtitulada al español)

Por Patricio Avendaño R.

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Cancionero Rock: ‘Angel of Death’-Slayer (1986)

Sin duda una de las canciones más controversiales que ha escrito la banda. El tema central inspirado en el “ángel de la muerte”, Joseph Mengele, el médico nazi que realizó terribles experimentaciones con cuerpos humanos durante el período de la guerra, les ha causado  bastantes acusaciones de ser una banda nazi o que apoya el racismo.

Pero Slayer ha sabido defender muy bien su causa y hay diversas razones por las cuales el tema no necesariamente representó el deseo de la banda de “celebrar” las horrendas hazañas de tan escalofríante personaje, sino que más que nada dar cuenta de aquellas.

Joseph Mengele, el despiadado médico nazi
Joseph Mengele, el despiadado médico nazi

Jeff Hanneman durante toda su vida ha sido un apasionado de las historias que rodean la Segunda Guerra Mundial, de hecho su padre desembarcó en las playas de Normandía el 6 de junio de 1944. En algún momento de la gira anterior al disco Hanneman se detuvo en una librería y adquirió dos libros sobre Mengele, de alguna manera el tema de las atrocidades que realizaba el médico atraía el morbo (dentro de algunas cosas que realizaba estaba la experimentación con implantes de órganos genitales, cambios de sexo y cirugías sin anestesia, en el mayor caso a niños o a judíos que sufrían de enanismo).

La banda puso énfasis en que es sólo una historia contada, en alguna oportunidad el guitarrista Kerry King advirtió: “es un documental hecho canción”. También el mismo King ha colaborado con bandas como Beastie Boys que son judíos y su amigo y productor de toda la vida Rick Rubin también lo es.  Sobre el racismo solo basta dar cuenta que dentro de la banda desfila el vocalista chileno Tom Araya o el baterista Dave Lombardo, que nació en Cuba.

Y es que hay que considerar que Slayer es todo un concepto, las historias cruentas, los asesinos en serie y el tema del holocausto y las atrocidades que ha cometido el ser humano sobre otros siempre han sido tópicos, sumado a la bestialidad sonora del metal más puro y devastador logran conjugar muy bien todo este propósito. Sin ir más allá en ‘Reign in Blood’ además de este controvertido tema se habla de  la violencia contra las mujeres, el asesinato, la mutilación, la necrofilia y el canibalismo.

A modo de publicidad con respecto al tema es que poco después se creó como logo del grupo un águila similar a la que acompañaba la esvástica nazi en las vestimentas del ejército alemán de la época.

Musicalmente es una de las piezas infaltables en sus conciertos y muchos la han considerado como la mejor canción de metal de todos los tiempos.

Bueno, independiente de que si le creemos o no a Slayer. ¿Qué mejor que escucharla no? Acá va subtitulada para así apreciar la horripilante historia de Joseph Mengele contada por la furiosa voz de Tom Araya:

Por Patricio Avendaño R. 

Cancionero Rock: The Rime of the Ancient Mariner -Iron Maiden (1984)

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Cuando se mezcla la fantasía y la realidad, la pluma y la guitarra, la oscuridad de un poema con la densidad del rock, nace una excelente canción, como la de Iron Maiden, ‘The Rime Of The Ancient Mariner’. Una de las grandes y épicas del cancionero de los ingleses.

De la mano del poeta inglés Samuel Taylor Coleridge viene esta rima que Iron Maiden logra musicalizar tan bien y logra transportarnos al tiempo y lugar en que acontecen los hechos.

The Rime of Ancient Mariner, es la historia de un viejo marinero que detiene a un asistente que va de camino a una boda para hechizarlo con sus ojos que brillan y contar sus vivencias en aquel extraño viaje en barco, e impide con fuerza sobrenatural que el invitado llegue a la fiesta. El relato comienza con la paz inicial, un viaje normal que al pasar la línea, la nave es arrastrada por la tormenta hacia los fríos vientos del  sur, cada vez más hasta alcanzar los mares del polo sur, temibles, innavegables y con vientos que braman y truenan, con el frio que cala el alma, el autor lo deja claro: “La tierra de hielo, y de sonidos temibles, donde no había cosa viva para ver”.

Como un ángel, el Albatros vino a ser su salvación, como un ángel el Albatros cayó bajo la ballesta del viejo marinero y como una cruz le fue colgado al cuello como repudio. Los días pasaron y saliendo al Pacífico las cosas mejoraron hasta llegar a la quietud, la calma y la nada. Sin viento, sin impulso y estancados en el mar, con el sol siempre brillando sobre sus cabezas hasta ser visitados por unas fantasmagóricas sombras sobre un barco que se mueve sin viento, que se sortean a la tripulación en un juego de muerte, salvándose solo el hombre que cuenta su historia, sus compañeros caen perdiendo el soplo de vida. Días y días en el mar, solo y envuelto en la máxima quietud, “agua, agua por todos lados y nada para beber” los ojos de los muertos lo miraban como una vacía tortura.

Finalmente los seres elementales ponen fin a la maldición cayendo el Albatros crucificado y un viento empuja el barco hacia el norte hasta llegar al pueblo natal, el faro y el puerto conocidos y las personas que podían expiar sus culpas. Como pago, el corazón del marinero lo obligará a relatar su historia de por vida a otros a quien sus ojos designen, bajo pena de incendiar su alma de no hacerlo, como pago, el marinero debe enseñar la palabra de Dios eternamente y quien escucha, luego se va turbado para despertar después como un nuevo hombre, más triste y más sabio.

Una canción que nuevamente nos trae un significado cristiano en la historia de la banda. Iron Maiden nos lleva por esta obra como una puesta en escena en el teatro. El relato del anciano marinero en la voz de Bruce, el crujir de las tablas del barco expuestas al sol, la vastedad del mar y la inmensa soledad creadas por la banda en los 13 minutos de canción dan la sensación de sentir el frio y el viento o estremecerse con la soledad y la agonía para finalmente recordarnos que en alguna parte, el marinero repite su hazaña, a través de siglos, una y otra vez.

Por Alejandro Coronado C.

Cancionero Rock: “People Are Stranged” The Doors (1967)

Una canción bastante particular de The Doors y de pasada, uno de sus primeros clásicos. Parte de su segundo disco Strange Days de 1967, el cual curiosamente fue juzgado por no tener una canción “hit” o pegadora.

Como todo poeta o como un tipo inspirado en la poesía, Jim Morrison tuvo muchos momentos depresivos, y es en uno de estos momentos de profunda melancolía, mientras caminaba por el Laurel Canyon en Los Angeles, California, acompañado de su compañero de banda Robby Kriegger, en que ideó esta canción que no habla más que de sentirse extraño o alienado de la sociedad. También Ray Manzarek mencionó en más de una oportunidad de que Jim Morrison se inspiró en la gente pordiosera que habituaba en las estaciones de trenes.

En su videoclip se refleja muy bien esta sensación, y más que lo que se identificó como una premisa de la cultura hippie, esto va en distintos sentidos, no tan sólo el hecho de gente que se refugia en la droga para mitigar su dolor o porque simplemente no se siente cómodo con la sociedad, el tema abarca la necesidad de refugio que puede sentir gente al extremo de volverse completamente loca, gente que quizá vemos a cotidiano, como por ejemplo vagos, de esos que no tienen ningún tipo de intención en ser reinsertados en la sociedad, es más, cuando son tratados de rescatar por instituciones solidarias reaccionan violentamente; gente que vive su día a día lavándose en piletas o calentando agua con fuego hecho a mano, comiendo cosas que encuentran en la basura, etc.

De alguna manera esta gente se siente muy cómoda así, sin tener que rendir cuentas a nadie, por lo cual encuentran de esta forma una libertad, bastante extraña, pero libertad al fin. Ejemplos hay muchos, solo basta darse una vuelta por el concurrido Paseo Ahumada un domingo casi al caer la noche y podemos dar cuenta de mucha de esta gente, y que, curiosamente, habita en lugares concurridos masivamente.

También está el ermitaño, el que decide encerrarse en su propio espacio porque simplemente odia el hecho de relacionarse con otro tipo de gente y lo asume totalmente y se siente bien con eso.

Es casi una oda  a esta gente que cuesta entender, indescifrable saber el misterio que habita en sus cabezas, suele surgir una curiosidad muchas veces acerca de lo que piensan, si mantienen sentimientos y hasta nos da mucha compasión pensar las razones que gatillaron a este cambio de switch, de gente que fue muy normal, integrada y en la gran mayoría de los casos incluso genios.

También se ha interpretado en los términos lisérgicos en los cuales Morrison solía estar: “people are strange” como “people are on drugs”, generalmente con LSD, cual efecto liberador de la droga provoca un escape totalmente radical del entorno real.

De la canción que decir, habla por si sola, bellísima, con la oscuridad vocal de Morrison en toda su esencia y compuesta de forma muy particular e inspirada en la música de cabarets europeos.

People Are Strange (con lyrics incluidas)

Muy reversionada, destaca la versión de Echo & the Bunnymen, como parte de la banda sonora de la película Lost Boys en 1988. Otras rescatables son las versiones de  Stina Nordenstam en 1998 y Twiztid en el año 2000.

Echo & the Bunnymen, soundtrack ‘Lost Boys’ (1988)

Por Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: Ramones- “Bonzo Goes to Bitburg”

The Ramones “My Brain Is Hanging Upside Down” (Bonzo Goes To Bitburg) ( 1986)

Bien sabido es por la mayoría que Ronald Reagan previamente a llegar a la casablanca fue un actor medianamente reconocido, sus películas nunca fueron clásicos del séptimo arte, es más, se movía dentro del circuito de películas “cine B”.

Una de sus películas mas recordadas sería ‘Bed  Time For Bonzo’ de 1951 donde interpretaba a un singular profesor que cuidaba de un chimpancé para reivindicarse de un pasado carcelario que enlodaba una relación con una chica de la alta sociedad.

Aunque el inocente chimpancé poco pito tiene que tocar en esta historia, su nombre (Bonzo) fue tomado por los protestantes durante las semanas cercanas a la visita de Reagan al cementerio de Bitburg en Alemania. La visita era en honor a las víctimas del nazismo y dando cuenta del renacimiento de Alemania Occidental como una gran democracia y potencia aliada a los Estados Unidos. Este hecho claramente no hizo mas que poner el dedo en la llaga a la población mundial que repudió todo lo ocurrido en el período del régimen nazi y sobretodo el genocidio que causó el holocausto, que en ese momento y hasta el día de hoy ha sido ampliamente mayoritario alrededor del mundo. El título “Bonzo Goes to Bitburg” también hace referencia a la secuela de la película “Bonzo Goes To College” estrenada al año siguiente (1952), aunque en esta oportunidad Reagan no fue protagonista.

Dados todos estos antecedentes la canción incluida en el disco Animal Boy de 1986 de The Ramones fue la clara respuesta del grupo ante esta visita que causó tanta polémica. Además por problemas con la discográfica y a pesar de haber sido un éxito en Europa, hubo que cambiarle el nombre al tema pasándose a llamar “My Brain is Hanging Upside Down”.

La canción es una de las mas celebradas por los fans considerando el espíritu de himno que tiene, tanto en su melodía como en un inolvidable coro. Lo curioso de la banda siempre ha sido la dualidad política entre Joey y Johnny. Joey siempre el letrista soñador, idealista y liberal, no así la gran contraparte de Johnny, quien siempre tuvo una postura seriamente conservadora. Incluso este hecho es el que siempre dividió a ambos líderes. Claro está que Johnny no participó en la composición de la canción.

En una entrevista para un programa de TV  The Ramones fue consultado al respecto:

“En 1985 los Ramones criticaron a Reagan con el tema Bonzo Goes To Bitburg. ¿Qué opinan de la actualidad de su país con Bush como presidente?”

Marky Ramone: “A mí y a Joey no nos gusta, a Johnny y a CJ sí. Lo que vemos es que desde el gobierno de Reagan hasta nuestros días el país se ha ido desmoronando. Demasiados escándalos financieros, gente sin hogar, desocupados, déficit… Todo empeoró desde que ellos tomaron el poder. Realmente esperamos que Bill Clinton gane las próximas elecciones”.

*la canción fue parte de la banda sonora de “Schools Of Rock” (2003) protagonizada por Jack Black, justamente en la parte donde los niños vuelven a buscar al protagonista cuando había sido sorprendido como el impostor del profesor al que suplantó .

*La controversia de ideales políticos entre Joey y Johnny alcanzó su punto climax en otra canción de la banda: ”The KKK Took My Baby Away” del disco Pleasant Dreams de 1981, en que se argumentaba la pelea entre ambos por diferencias políticas. Además por el romance que sostuvo Johnny con Linda de Cummings, técnicamente fue un robo ya que ella era la novia de Joey. Esto iba a ser lo que iba a catapultar el quiebre definitivo de la relación de amistad de ambos compositores.

 

Lyrics:

you’ve got to pick up the pieces come on now sort your trash
better pull yourself back together
maybe you’ve got too much cash
better call,call the law when you gunna turn yourself in yeah
your a politician dont become one of hitlers children

bonzo goes to bitburg then goes out for a cup of tea
as i watch it on tv somehow it really bothered me
drank at all the bars in town for an extended foriegn policy

pick up the pieces

nah nah nah nah my brain is hanging upside down
nah nah nah nah i need something to slow me down
nah nah nah, ooo yeah my brain is hanging upside down
nah nah nah and i need something to slow me down

shouldnt wish you happiness shoulda wished her very best
50,000 dollar dress,shakin hands with your highness
see through you like cellaphane you watch the world complain,but you do it any way so who am i,am i to say

bonzo goes to bitburg then goes out for a cup of tea
as i watch it on tv somehow it really bothered me
drank in all the bars in town for an extended foreign policy

pick up the pieces

nah nah nah nah my brain is hanging upside down
nah nah nah nah and i need somehting too slow me down
nah nah nah ooo yeah my brain is hanging upside down
nah nah nah nah and i need something to slow me down

if there’s one thing that makes me sick is when someone tries to hide behind politics
i wish that time would go by fast
somehow they managed to make it last
nah nah nah nah ooo yeah my brain is hanging upside down
nah nah nah nah i need something to slow me down
nah nah nah ooo yeah my brain is hanging upside down
nah nah nah and i need somethin to slow me down
nah nah nah ooo yeah my brain is hanging upside down….

Cancionero Rock: R.E.M. ‘Losing My Religion’

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Superhit indiscutido de la banda oriunda de Athens, Georgia. La canción reúne todos los elementos de una balada melódica, melancólica y su estructura en un ostinato llena de armonías de guitarra y mandolinas que siguen un mismo patrón rítmico, la hace una de las mas iluminadas de los líderes del college rock americano. Peter Buck compuso los acordes principales casi inconscientemente viendo la TV en su casa y con la mandolina prácticamente recién adquirida, en un momento en que ni se le pasó por la cabeza la relevancia que iba a traer consigo el resultado de su obra.

Pero no se queda tan solo por su bella composición, es una creación que se complementa con historias, paisajes, influencias artísticas e incluso anécdotas lo cual no deja de engrandecerla aún mas.

Hablar en los territorios sureños americanos (de donde proviene el cuarteto) del término “Losing My Religion” más de  lo que cualquiera pensaría a vuelo de pájaro de una pérdida de fe, significa perder la compostura o salir de tus casillas, más aún, Michael Stipe declaró la interpretación de esta frase en el sentido mas romántico de la palabra, como el de caer fuertemente enamorado de alguien al nivel de perder tus sentidos o tu estabilidad emocional. Muchas veces la banda tuvo que explicar bien este juego de palabras y el real significado que quisieron expresar en su lírica, sobretodo a los sectores católicos.

Y justamente este motivo, a lo que le podemos añadir la edición del videoclip en donde las imágenes de San Sebastián, deidades hindúes e inspiraciones de la pintura barroca de Caravaggio, redondean una imaginería religiosa en toda su envergadura, ya que plantearon la controversia en torno la religión. El corto nos muestra a un Michael Stipe moviéndose de un lado para otro, recogiéndose y bailando en un cuarto oscuro alternándose con estas imágenes divinas y en donde aparece un viejo con alas de ángel, aquí ya representando teatralmente al cuento de Gabriel García Marquez “Un Señor Muy Viejo Con Unas Alas Enormes”, que relataba la historia de un anciano decrépito alado que caía del cielo y que, recogido por una familia campesina, fue encerrado en un gallinero y expuesto a la vista de cientos de curiosos del pueblo como un fenómeno.

En más de una oportunidad la banda ha declarado esta canción, y sobre todo el disco ‘Out Of Time’ como el punto de inflexión, el momento que inesperadamente los catapultó al éxito y la fama a nivel mundial y en la cual dejaron definitivamente de ser la simple  banda de rock alternativo universitario (pese a tener ya seis discos en el cuerpo) y es la canción emblemática infaltable en cualquier concierto y que mejores dividendos les ha traído hasta el día de hoy.

*en 1991 la canción ganó un Grammy por  las categorías de mejor interpretación pop de un dúo o grupo con vocalista y mejor video musical corto.

*El responsable del aclamado video promocional es el director de cine indio Tarsem Sigh, el cual ha realizado películas como ‘The Cell’(2000) y ‘The Fall’(2006).

*Michael Stipe se refirió a la letra en una entrevista para la revista británica Q comparando el uso de la frase “Losing My Religion” con “Every Breath You Take” de The Police, en el sentido de estar enamorado de alguien hasta el punto de la obsesión.



‘Losing my Religion’ R.E.M.



Por Patricio Avendaño R.

 

¿Qué saben pendejos? Working Man – Rush

Así, con este lindo titulo le doy la primera patada a este texto. ¿Qué saben, ah?

Cuando se nos acercaba Rush a Chile, por allá por septiembre del 2010 y muchos amantes de esta gran banda deliraban, muchos comentarios de prensa se enfocaron en Geddy y Neil como los grandes músicos de la banda, los grandes maestros, los gestores. ¿Cómo lo voy a negar cien por ciento? No puedo…

Pero he aquí que nace mi pregunta a los pajarones, ¿Qué saben pendejos? Ah!? ¿Qué saben de Alexander Zivojinovich dándole a la guitarra en Working Man?

¡Y ay de aquel que pregunte! ¿Qué es eso de Working Man?…

Sin ser un tipo viejo, sin ser un rockero antiguo  si les puedo decir que Working Man es una canción maestra del debut de Rush por allá por el 74’ y lo más maestro a mi parecer es la guitarra y sus respectivos solos . Entonces me parece que faltó darle a Alex Lifeson (Alexander Zivojinovich), en su venida a Chile, el estatus que merece y del cual yo me encargo en esta ocasión de decir algo.

¿De qué habla la canción? Eso a nadie le importa. Un tipo que trabaja como mula, la rutina, la cerveza de la tarde, o sea, lo mismo que hago todos los días en mi trabajo así que poco me interesa hablar de esa porquería. Lo realmente importante en esta canción de los canadienses es la música, y la guitarra que se apodera del escenario.

Simplemente hay que oír los acordes iniciales para que uno se predisponga a lo que hará después este gran maestre, ejecutor de una de las mejores guitarras de la historia. Unos acordes sumamente básicos, pero que suenan de forma especial. A poco andar ya se nos dispara, de lo sutil, de lo pequeño; uno que otro malabarismo musical bien acompañado por el bajo.  A media canción ya se va poniendo apoteósico, se va abarcando al público, al estadio, al vecindario y a todo lo que se interponga, disparando notas, arando las cuerdas como un trabajador incansable. Hay un cambio en el cual araña las notas, justo antes del final, para terminar con el último fraseo del tema. Si hay un gran trabajo bien ejecutado es el de este señor en Working Man.

Working Man y la guitarra de Alex Lifeson me acompañan siempre en la micro, cuando voy al trabajo en la mañana, odiando la muchedumbre apretada del metro, la pesadez de las viejas que sin dudarlo empujan y molestan como si uno fuera tan poco decente para responder, el calor a tempranas horas de la mañana encerrados en esa caja mal ventilada. Me sigue en aquellas horas de monotonía, frente a una maquina, frente a un computador, escuchando órdenes, cumpliendo objetivos. También me acompaña en la tarde, a la salida. El sol reverberando el cemento, el sueño y el hastío acumulado de la jornada, el sudor mojando la polera y los largos minutos que me demoro en llegar a mi casa en una micro que poco y nada avanza.

Como pueden leer pendejos, ¿que saben de este gran rockero? ¿Qué saben de esta canción aplicada a un Working Man? Sé que la experiencia no es ajena así que dénle una vuelta a esta obra.

Alejandro Coronado C.


Rush ‘Working Man’

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