Cancionero Rock: “Californication” Red Hot Chili Peppers (1999)

Si hay un grupo de rock que puede hablar con propiedad en sus letras acerca de California esos son los Red Hot Chili Peppers. Y decimos esto no sólo por que la banda ha sido residente de ese particular estado durante toda su vida, sino que desde muy temprano ha estado en ambas caras de la moneda de aquella ciudad: viviendo bajo los puentes en sus inicios, debido a la fuerte adicción al crack, heróina y demases de parte de varios de sus integrantes y por otro lado también conociendo todo el glamour de Hollywood y sus alrededores muy de cerca cuando llegaron a la cima del éxito.

‘Californication’ debe ser su declaración de principios de aquella ciudad y en este caso su lírica no la deja de la forma más bien parada posible que digamos; si bien la banda guarda mucho cariño con la ciudad que los ha visto crecer, también metafóricamente da cuenta de muchos hechos repudiables de su cultura desde su punto de vista, que según ellos no se ha quedado sólo en esa costa, sino que de alguna manera es una cultura que ha trascendido fronteras. También de pasada, Kiedis (autor de la letra) va realizando pequeños homenajes a Foo Fighters, Nirvana, David Bowie, entre otras cosas.

Partamos de la premisa que Californication es un término usado por la influencia que esta cultura puede tener hacia otras ciudades del mundo, de hecho la serie del mismo nombre (título que claramente se debe a esta canción) va reflejando un sinfín de situaciones de glamour, sexo, adicciones y decadencia que afloran de aquella ciudad.

En algún momento Anthony Kiedis en su biografía y entrevistas ha dado pistas de su lírica, por ejemplo en la línea “little girls from Sweden dream of silver screen quotations” (“pequeñas niñas de Suecia sueñan con citas en pantalla grande”), habla acerca de los inmigrantes que viajan con el sueño de fama y gloria hacia California para convertirse en estrellas de cine pero terminan fracasando. En “It’s the edge of the world and all of western civilization” (“Es el filo del mundo, y de toda la civilización occidental”), donde habla que en sus viajes a otras partes del mundo siempre ha encontrado indicios de la cultura californiana.

También critica las cirugías plásticas en exceso, la obsesión de formar parte del glamour de esa ciudad y seguir sintiéndose “bello(a)” a pesar del paso del tiempo y cómo la farándula vuelve ignorantes a las mujeres, o el deseo compulsivo de algunos famosos de ser parte del boulevard de las estrellas de Hollywood.

También hace referencia a Alderaan, que era un planeta perfecto de la Guerra de las Galaxias, donde habitaba la princesa Leia, pero que fue destruido por La Estrella de la Muerte, por lo cual el cantante quiere decir que nuestro mundo perfecto va a ser destruido en un tiempo no muy lejano gracias a la “Californication”.

Los reales Foo Fighters (aviones de la 2da Guerra mundial) eran llamados Spheres, en la letra le habla a Cobain en segunda persona: “Cobain can you hear the spheres singing songs off station to station'” (“Cobain puedes oír a las esferas cantar canciones de “Station To Station”) ya que Station To Station fue un mitico album de David Bowie, por lo que Anthony Kiedis quiere decir que Las Spheres (Foo Fighters) siguen manteniendo vivo el legado de Nirvana (que iba hacia esa dirección) tocando sus canciones.

En el coro se dice que la canción habla de la inocencia, de la virginidad v/s  toda la industria del porno que se mueve en aquella ciudad. “First born unicorn hard core soft porn, dream of Californication”, en la mitologia griega, se creia que el unicornio era simbolo de la virginidad contraponiéndose con el porno duro y suave y que esta ciudad vende para todo el mundo, de la que habla en esta parte de la canción.

Bueno, es una cantidad considerable de factores que formulan claramente una alerta y un hastío por parte de Kiedis a lo que representa todo este entorno de la ciudad angelina. También trata de concientizar al respecto para no caer en este mundillo, que como bien dice en la canción, en todas las grandes ciudades del mundo hasta el día de hoy existe y a veces, de verdad que suele ser contaminante y dañino.

Acá se las dejamos, ‘Californication’ una de las grandes composiciones de ese gran álbum de 1999, que por cierto llevaba el mismo nombre y donde recrean todo esto de forma irónica en el video convertidos en personajes de videojuego.

Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Penny Lane/Strawberry Fields Forever” The Beatles (1967)

Nuestro espacio Cancionero Rock lo creamos con el fin de interpretar o contar la historia de canciones, pero no es posible hablar por ejemplo de “Penny Lane ” o “Strawberry Fields Forever” sin que una tenga que depender casi obligatoriamente de la otra, debe ser uno de los extraños casos de “canciones hermanas” de la historia del rock. Fueron hermanadas como ambas caras del  single y son hermanadas en cuanto a historia, sin duda.

¿Y qué es lo que las puede unir tanto? Porque si nos fijamos bien musicalmente una no tiene mucho que ver con la otra, “Strawberry” es una joya sicodélica compuesta por Lennon y “Penny Lane” es una pieza hermosa llena de la esencia pop más McCartney, aunque Lennon contribuyó en algo en su manufactura.

La unión va más por el lado de la nostalgia, siendo ambas canciones que hablan de la infancia de los fab four, con alusiones claras a Liverpool, lugar que vio crecer a una de las más grandes bandas de la historia.

Es el caso de Penny Lane, una calle que existe realmente en Liverpool, lugar que frecuentaban regularmente cuando niños y que aún existe, y que-claro está- al haberse compuesto esta canción mucho más conocida se ha hecho, convirtiéndose en una de las principales atracciones turísticas de la legendaria ciudad inglesa. Incluso en algún momento se intentó cambiar de nombre, sobretodo después de la abolición de la esclavitud, debido a que el origen venía de James Penny, un comerciante de esclavos del siglo XVIII, pero ya el nombre era tan imponente que no hubo forma de echar a andar ese proyecto de ley, indiferente al origen.

Penny Lane, su video y su nostálgico recorrido por Liverpool:

A diferencia de ‘Penny Lane’, que está ligada con el inconciente colectivo de The Beatles y de la mayoría de los ciudadanos de Liverpool, ‘Strawberry Fields Forever’ se debe a la infancia de Lennon directamente, al período de su niñez, para ser más precisos donde junto a su tía Mimi solían ir a jugar, un lugar en los suburbios que servía de plaza del orfanato del Ejército de Salvación y del cual Lennon guardó siempre bellos recuerdos que lo inspiraron a componer la canción.

También la canción tiene mucho que ver con este espíritu que propuso Lennon con todas las canciones de corte sicodélico que compuso, las ganas de desprenderte un poco, liberarte del ajetreo del día a día y de estar desconectado de la bulla o dejar de estar inmerso en la sociedad; Strawberry Fields era el lugar donde Lennon se quedaba tirado bajo el regazo de un árbol solamente descansando y despreocupándose de todo el bullicio. “Living is easy with eyes closed”, la brillante frase de la canción lo replica casi como en un orden generalizado del concepto, que tiene también que ver con sentirse libre, relajado, al aire libre y en contacto con la naturaleza.

Qué mejor que recordar este video para dar cuenta de aquello y ese espíritu hippie de antaño, Lennon recreando sensaciones de infancia junto a sus amigos  (y compañeros de banda en este caso).

Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Knights of Cydonia”, Muse (2006)

Son contados los casos en que una banda incluye un single como último en la lista del disco. La gran media nos dice que los últimos tracks son más bien muestras experimentales y no tan “pegadoras”; aunque el caso de “Knights of Cydonia” suele moverse por ambas categorizaciones, es una canción con un coro muy ganchero pero que se nutre de secuencias electrónicas y una marcha de bajo y guitarra realmente sorprendentes, quedándose casi como un track de culto y envuelto en todo ese misterio casi conceptual-espacio-temporal que abordaba el excelente disco “Black Holes & Revelations”. Aún así la canción fue el tercer single de la placa.

¿Pero quienes son estos caballeros de Cydonia? Por lo menos lo claro es que Cydonia se le llamó a esta superficie del planeta Marte donde supuestamente en algún momento hubo vida. Hay fotos realmente reveladoras en que debido a las grietas que presentaba esta extraña superficie del planeta rojo aparecían claramente formas de caras de ser humano, por lo cual Cydonia se le llamó también como “las caras de Marte”.

En la portada del disco se podía ver a cuatro hombres sentados en una superficie marciana, más tarde Matt Bellamy aclaró que estos hombres hacían alusión a los cuatro jinetes del apocalípsis, en el cual cada quien iba vestido de acuerdo a un dolor de la humanidad, tal como lo describe el mismo libro del Apocalípsis del Nuevo Testamento.

La relación va por ahí, el concepto de este álbum es bastante ideológico y utópico, la idea a grandes rasgos que plantea Bellamy es la de ser todos ciudadanos del planeta, lo que se llama geopolítica, el hecho de expandir las fronteras hacia toda la tierra y -en este caso- hacia fuera de ésta. Las reminiscencias espaciales también que aplica Muse en este disco pueden estar influenciadas por David Bowie y sus aventuras espaciales de los ’60s o directamente del space rock y la sicodelia.

En su extraña y épica letra se ha interpretado como una forma de invitación bajo una perspectiva hipnótica por parte de la banda a ser un caballero más de Cydonia. Muse con su electrizante canción pretende dominar las masas invitándote a ser parte de una especie de comunidad atemporal y espacial, por ahí perdida en el universo. Patrones que podemos encontrar perfectamente en discos como “Ziggy Stardust & the Spiders From Mars” de Bowie o “Antichrist Superstar” de Marilyn Manson.

Te dejamos el video, con sus subtítulos correspondientes, para que saques tus propias conclusiones de esta surrealista historia puesta acá en un contexto farwest:

Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Pinball Wizard” The Who (1969)

“Pinball Wizard” es una canción que The Who consideró alojar dentro de esta obra conceptual y ópera rock llamada “Tommy”, un disco dentro de lo más ambicioso facturado por los británicos, creado por un inspirado Pete Townshend en una de las mejores épocas de la banda como lo fue 1969 y con la alineación clásica complementada por Roger Daltrey, Keith Moon y John Entwistle.

“Tommy”,  este niño sordo, ciego y mudo que protagoniza esta historia conceptual, no es tan sólo el personaje central del álbum, sino también de la película de culto que se hizo más tarde en 1974 por el director Ken Russell, un film que reuníó a una cantidad de estrellas del momento realmente considerables, entre su reparto se encontraban las actuaciones de los propios The Who, Tina Turner, Eric Clapton, Jack Nicholson o Elton John, entre otros. Cada quien interpretando a bizarros personajes como una “Acid Queen”, una prostituta adicta a las drogas que trata de inducir en su mundo a Tommy  en el caso de Tina Turner, un extraño predicador en el caso de Eric Clapton y este singular “Pinball Wizard” interpretado por Elton John.

La película de alguna forma ironizaba sobre las religiones y las falsas sectas, dentro de este mundo habitaba este Pinball Wizard, el niño Tommy (quien en esta parte ya es grande y es protagonizado por el propio Roger Daltrey) pese a todas sus limitaciones empieza a obtener un curioso “don” para manejar estas máquinas tan populares en esa época como los “flippers”, y ante esto logra incluso derrotar a este campeón del juego encarnado por Elton John, de ahí en más Tommy es considerado como una especie de mesías logrando encontrar un extraño tipo  de redención a todo su sufrimiento en esta película, que hace un recorrido musical situado canción por canción a lo largo de las escenas del film y que fueron parte del clásico álbum, en su mayoría readaptadas.

Justamente acá te dejamos con la canción, un clásico muy querido del cancionero de la banda y en esta precisa parte extraída de la película, interpretada por Elton John :

Y la original, por cierto, acá subtitulada:

Cancionero Rock: Tool “Prison Sex” (1993)

Uno de los primeros “hits”, si es que se le pudiera llamar así a una canción de las primeras que fueron más reconocidas masivamente de Tool. Fue parte de su primer disco “Undertow”, el cual desde ya planteaba líricas directas y un sonido oscuro y potente, y muy innovador al mismo tiempo.

La canción, nutrida de riffs muy groovie  y con Tool ya empoderándose de un sonido muy propio, relataba fuertes acontecimientos acerca del abuso sexual infantil, pero puesto desde el punto de vista de la naturaleza cíclica del comportamiento humano y proponiendo la idea de que ciertas conductas aprendidas por drásticas experiencias vividas se perpetúan.

Es así como en la canción podemos dar cuenta que las letras van recorriendo parajes bilaterales como en la primera parte en que el texto de Maynard James Keenan reclama en primera persona: “I’ve got my hands bound, my head down, my eyes closed, and my throat wide open”. (“Tengo mis manos atadas, la cabeza gacha, los ojos cerrados, y la garganta abierta.”) para luego replicar en el coro la infame frase: “do unto others what has been done to you” (“hace a los otros lo que te hicieron a tí”) dejando impuesto el hecho de que tal como a un animal al que se le golpea puede volverse agresivo, un niño violado puede convertirse en pedófilo o criminal abusador sexual de menores.

Debe estar dentro de lo más fuerte que ha escrito la banda californiana, muchas especulaciones aluden a que es un tema autobiográfico, de algo que sucedió realmente a Maynard James Keenan cuando niño, aunque nunca se ha confirmado aquello; y de ser así, sería bastante aterrador, porque el mismo Keenan estaría acusándose a sí mismo de violador, según lo que plantea en la canción misma. Al menos no hemos tenido noticias de que el líder de Tool tenga ese tipo de prácticas, así que lo podríamos descartar claramente. Keenan más que nada quiso poner en el tapete uno de los males de nuestra sociedad y desclasificar el tabú alrededor de él.

El video fue una de las primeras muestras audiovisuales de esta técnica bastante innovadora y que se utilizó bastante  a inicios de los 90’s en cuanto a videoclips como el stop motion, dentro del cual estos personajes bien abstractos- que luego iban a ser un sello visual característico de Tool-se retrataba esta sórdida historia de abuso.

Pese a que el video tuvo alguna cierta rotación por MTV, luego sería censurado, igual que la canción en estaciones radiales debido a su fuerte gráfica y explícita letra.

Por Patricio Avendaño R.

Te dejamos con la canción y el video, subtitulada

Cancionero Rock: Neil Young “The Needle & the Damage Done” (1972)

El rock y las drogas son dos entes catalizadores que han caminado juntos en muchos casos, inevitablemente. Es así como diversos tipos de drogas, desde el alcohol hasta la sustancia química más dañina y barata han estado presentes en la historia de la música, y no tan precisamente influenciando las técnicas musicales de composición y/o inspiración, sino que las fatales consecuencias de sus músicos ante este flagelo han inspirado profundas composiciones, cargadas a la melancolía y al sentimiento en muchos  casos.

Es así como en 1972 Neil Young sintió imperiosamente la necesidad de dedicarle una canción a su amigo y compañero Danny Whitten, quien fuera el guitarrista original y que lo acompañaría en sus primeros pasos junto a la Crazy Horse Band. Whitten fue partícipe en discos que a estas alturas se empinan dentro de lo más clásico y recordado de la discografía del canadiense, aunque quizá este mismo éxito que recibió Young por discos como “After the Gold Rush” en 1970 vs. lo que Whitten acusó en su momento como “falta de créditos o protagonismo” decantarían en una fuerte adicción a la heroína, estado del que nunca supo recuperarse. Su participación en la banda se hizo deplorable, no era capaz de esgrimir nota alguna, por lo cual Neil Young sin más remedio lo despide, reintegrándolo un poco después con la condición de que dejase la heroína.

Whitten hace un esfuerzo supliendo el oscuro consumo de heroína que llevaba por esos días por el alcohol, con el que también nunca midió sus dosis, por lo cual nuevamente el resultado en cuanto a lo artístico fue funesto, hecho que Young notó claramente y derivó a la decisión de despedirlo otra vez. El guitarrista replicó a Young indicando cosas como que “¿Qué iba a hacer? ¿sin dinero y desamparado?”. Young como último favor a su amigo le dio 50 dolares y le pidió que no volviera más.

La rabia y pena de Whitten de ser expulsado por su amigo, sumado a la rendición del sueño de alcanzar algo en el  mundo de grandeza y de éxito en la música acabarían con él esa noche, misma noche en que usó los 50 dólares que le dio Young para drogarse y recaer en la heroína, pero esta vez, con las consecuencias más fatales posibles, fue encontrado muerto de sobredosis un poco más tarde.

Young siempre cargaría con el remordimiento de no haber hecho algo más por su amigo y su espíritu sobrevuela el siguiente disco que haría con Crazy Horse, Tonight’s The Night (1975), uno de los considerados mas oscuros de su carrera. Más tarde en algunas notas escritas en el recopilatorio “Decade”  se leería de su puño y letra: “No soy un predicador, pero las drogas mataron a muchos grandes hombres”.

El talento de Whitten era irrefutable, quizá fue uno de los próceres del sonido de la Crazy Horse Band en sus primeros pasos y en su extracto más puro, ese sonido tremendo, sónico y que hasta el día de hoy tiene una experimentada versión bajo las cuerdas de su reemplazante Frank Poncho Sampedro, quien-debemos decirlo-ha sido un mucho más que digno guitarrista, convirtiéndose en un histórico de la banda.

“The Needle & the Damage Done”, parte del disco Harvest de 1972,  fue un homenaje a su amigo y a muchos músicos con talentos extremadamente notables, que, por flagelos como la heroína, principalmente, ya no están con nosotros para hacer gala de éstos mismos.

La parte final directamente reclama: “I’ve seen the needle and the damage done, a little part of it in everyone, but every junkie’s like a settin’ sun.” (“He visto la aguja y el dańo causado, una pequeńa parte de ella en todo el mundo, sin embargo, cada adicto sale como una puesta de sol”)

La canción es hermosa y llena de melancolía, acá una de las más soberbias interpretaciones de Neil Young en vivo:

 

Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock : “Metal Gods” Judas Priest (1980)

“Metal Gods” o los dioses de metal fue parte del aclamado álbum “British Steel”, de la banda de heavy metal Judas Priest, un álbum que por estos días se considera una de las piezas más clásicas y referentes para la historia de este estilo indiscutidamente por crítica y fans.

En el ciclo de documentales “Classic Albums”, en uno de sus capítulos cuenta toda la historia detrás del gran “British Steel”, este disco tan  demoledor y fundamental. Cuñas tan decidoras como la de Rob Halford diciendo “el heavy metal es mi vida, aunque suene ridículo, tengo una conexión realmente especial con este tipo de música”, y era que no, hoy en día por muchos es el mejor vocalista del género e ícono total del movimiento desde su irrupción en la era del NWOBHM.

¿Pero de dónde sale esta idea de los “dioses de metal”?  También Halford comenta: “siempre me ha gustado hacer una especie de mini-películas dentro de las canciones”, es así como salió “Breaking the Law” con sonidos de sirenas policiales y todo, por ejemplo. (Una canción que da para otro “Cancionero Rock”, por cierto).

En el caso de “Metal Gods” la afición por el cine  y sobre todo, por el género de la ciencia ficción por parte de Halford son inspiraciones claras. Películas  post-acopalípticas como “The Day on the Triffids” o “The Kraken Wakes”, donde especies alienígenas y formas mutantes invadían la tierra. También recordemos que durante la última parte de los setenta llegó la fiebre de estos dibujos animados japoneses con robots gigantes invadiendo la tierra y cosas por el estilo. También toma cosas prestadas de eso indudablemente.

Para recrear toda esta inspiración en estas grandes máquinas de metal, los británicos usaron técnicas mucho más simples de lo que podríamos imaginar, como golpes de tacos de billar, sonidos de cacerolas o incluso una bandeja llena de cubiertos de metal agitada y lanzados al suelo en su parte final, en los chillidos de estas supuestas máquinas aterradoras de las cuales habla la canción. Como dan cuenta ellos mismos, esa canción y sus ruidos fueron prácticamente concebidos en la cocina y con utensilisos caseros, con lo que estuviera a mano.

El resultado de toda esta conjunción de intereses, ideas y experimentación logrados con el “British Steel” logró instalar a Judas en el pedestal de honor de bandas del heavy metal en  aquel entonces. Es más, el título “Metal Gods” es muy significativo ya que se le adjudicó la chapa al grupo de aquí en adelante. Los dioses del metal, título que hasta el día de hoy llevan merecidamente bien puesto como banda y Rob Halford principalmente.

Te dejamos este video subtitulado, con Judas en su mejor época y Halford cantando acerca de esta historia de estas temibles máquinas asesinas invasoras:

Por Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Rooster”- Alice in Chains (1992)

Cuando se editó la caja compilatoria de Alice in Chains de 1999, “Music Bank”, la cual venía con bastante material adicional, Jerry Cantrell disipó varias dudas alrededor de la historia de la banda, y entre ellas, aclaró realmente el significado de ‘Rooster’, la emotiva canción de AIC , parte de su disco “Dirt” de 1992.

“Rooster” no era más que el apodo a su padre, que se acentuó aún más en su período cuando tuvo que formar parte de las filas del ejército americano en la guerra de Vietnam, pero que ya lo tenía desde muy joven, desde niño casi, debido a su peinado, que se formaba en su cabeza con mechas muy al estilo de la cresta de un gallo (‘Rooster’). En la guerra este  sobrenombre cobró otro significado, dado que los hombres que marchaban cargando ametralladoras M60 y por la forma proyectada de sus sombras mezcladas cargando toda esta maquinaria de guerra, era similar a la de la cresta y cola de un gallo.

Acá algo de las declaraciones de Cantrell:

Fue el comienzo de un proceso de sanación entre mi padre y yo y todo el daño causado por Vietnam. Esa fue mi percepción de su experiencia allá. La primera vez que lo escuché hablar de esto fue durante la filmación del video de Rooster y Mark Pellington -el director- le entrevistó durante 45 minutos. Estaba completamente tranquilo, totalmente calmado, aceptando todo -los rigores de la filmación- y pasó un rato agradable haciéndolo. Incluso llegó al punto de aflorar lágrimas emocionadas. Me dijo que la guerra fue una experiencia rara, una experiencia triste y esperaba que nadie nunca tuviera que volver a pasar por nada parecido (…)

La emocionalidad fluye de cada nota del tema prácticamente, y con la interpretación de Staley aún más, Cantrell, como muchos adolescentes americanos, fue uno de  los hijos “grunge” del hippismo y de los soldados capados en Vietnam. Heridas que quedaron ahí, muchos incluso perdieron a sus padres y en el caso de Cantrell no fue así pero el daño sicológico causado por la guerra sin duda que provocó de una u otra forma un perjuicio emocional que desencajó la comunicación normal padre-hijo.

Aún así son alentadoras sus declaraciones en esas sesiones de audio del Music bank. También de alguna forma el tema sirvió para que Cantrell  expusiera sus ideas o sentimientos que conjugaban con la estética del disco pero en otro sentido, acá el depresivo y oscuro discurso de Staley con respecto a las drogas y su hermetismo emocional quedaba de lado. Cantrell también tenía cosas que decir, pero a su propia manera.

Te dejamos con el video de  la bella canción  y con imágenes de Jerry Cantrell padre, evidenciando claramente su relación con el tema:

Patricio Avendaño R.