Entrevista a Tindersticks: “Un concierto no es solo acerca de los músicos, el público es la otra mitad de la historia”

A más de 30 años del inicio de Tindersticks, Stuart Staples habló con nosotros acerca de su primera visita a Chile, el próximo 14 de abril en el Teatro Nescafé de las Artes, marcando un hito en la historia de la banda. En esta entrevista, el vocalista habla sobre la emoción de tocar ante un público nuevo, la filosofía detrás de su último álbum Soft Tissue y la importancia de dejar espacio para lo inesperado, tanto en la música como en la vida. Reflexiona sobre los cambios en la industria, el valor de lo físico frente al streaming y cómo el cine influye en su proceso creativo. Con un setlist que equilibra lo nuevo y lo clásico, Staples promete una experiencia única para los fanáticos chilenos, cerrando así una gira de casi un año. Aquí, sus palabras sinceras y profundas sobre el arte de seguir creando.

Han pasado más de 30 años desde que empezaste, y esta será tu primera vez en Chile. ¿Cómo te sientes al respecto? ¿Qué expectativas tienes?

Emocionado, creo. Ha tomado mucho tiempo—lo hemos intentado en varias ocasiones, pero nunca era el momento adecuado o no coincidía con nuestros horarios. Ahora, por fin, todo ha encajado y estamos en camino. No solemos tener la oportunidad de vivir experiencias completamente nuevas, así que esto lo hace muy especial.

¿Tienes alguna idea preconcebida sobre lo que esperas, ya sea del público o del ambiente?

Intento no tener preconcepciones. Lo mejor que podemos hacer al subir al escenario es mantenernos abiertos a lo que suceda. Un concierto no es solo acerca de los músicos—el público es la otra mitad de la historia, moldeando hacia dónde va la música. Así que solo trato de mantenerme receptivo y ver qué surge.

Con tantos años y tantos álbumes a tus espaldas, ¿Cómo construyes un setlist que sea representativo, especialmente para un primer concierto en el país?

Si fuéramos una banda que gira solo para ganar dinero tocando viejos éxitos, no seguiríamos aquí. Todo lo que hacemos tiene que ver con el presente—con lo que nos interesa en este momento y las posibilidades que trae. Hemos pasado el último año trabajando en Soft Tissue, y ahora es el momento de tocarlo en vivo, de hacerlo real para la gente.

Dicho eso, también es importante incluir canciones de nuestro pasado—las que todavía resuenan con nosotros ahora. Así que intentamos armar un set que se sienta como una experiencia, con nuestro nuevo material como eje, pero también con canciones antiguas que nos conectan en este momento. Y a partir de ahí, vemos a dónde nos lleva.

Hablando de tu nuevo álbum—has mencionado que pasaste un año entero grabándolo y dándole forma. ¿Cuál es el tema principal detrás de Soft Tissue? ¿Intentabas transmitir un mensaje específico, o fue evolucionando naturalmente durante el proceso?

Para nosotros—para mí, al escribir—un álbum siempre trata sobre el momento en el que estamos y cómo lo sentimos, ya sea a nivel personal o en relación con el mundo que nos rodea. Soft Tissue, para mí, trata sobre la lucha por conectar, la lucha por entender.

Pero nunca me propuse escribir un álbum sobre un tema en particular. Las canciones llegan, y uno simplemente trata de entenderlas. No creo que pueda controlarlas demasiado. O llegan y las aceptas, o no. Y una vez que las aceptas, ya estás en un camino—solo lo sigues.

Imagino que te preguntan mucho esto por la conexión entre tu música y el cine (N. del E. han sido invitados por la directora francesa Claire Denis ha componer soundtracks), incluso en trabajos que no fueron creados específicamente para una película. ¿Cuánta influencia tiene el cine en tu proceso de composición?

Para ser honesto, creo que la conexión que la gente siente entre nuestra música y el cine—incluso que Claire nos haya invitado a participar en primer lugar—es realmente una cuestión de espacio. Nuestra música necesita tener espacio para el oyente, no solo en lo sonoro, sino también en las ideas. No quiero hacer música que se explique por completo. Tiene que haber margen para la exploración, y creo que esa cualidad es lo que la gente asocia con lo cinematográfico. Pero para nosotros, es algo natural—surge de nuestra personalidad y de cómo abordamos la creación musical.

Tiene sentido. Incluso más allá de la referencia cinematográfica, tu música parece construirse de una manera que incluye silencios y espacios para el oyente.

Sí, exactamente. Incluso en el proceso de mezcla, es importante no llenar cada frecuencia o cada microsegundo. Tiene que haber huecos, momentos en los que el aire pueda pasar. Mucha de la música que escucho hoy no deja ningún espacio—está completamente saturada, sin respiro alguno.

Como si estuvieras constantemente bombardeado por sonido, sin un momento para respirar.

Exactamente.

 

La banda ha pasado por muchos cambios a lo largo de los años, pero tú has sido la constante. ¿Cómo sientes esos cambios, después de más de 30 años en esto?

En realidad, solo ha habido un gran cambio. La formación original terminó en 2004 o 2005, y en ese momento pensé que todo había acabado. Hice dos discos en solitario para ver cómo me sentía haciendo música por mi cuenta, sin la banda. No esperaba que continuara, pero Neil y David realmente presionaron para que algo sucediera.

En 2007, nos reunimos un fin de semana, y algo hizo click. Luego hicimos otro fin de semana, y de repente, había energía real de nuevo. Cuando eso pasa, simplemente lo sigues. También tuvimos la suerte de encontrar a Dan McKinna, que lleva 15 años tocando el bajo y el piano con nosotros, y a Earl Harvin, que lleva 14 años en la batería. Así que no es que la gente haya estado entrando y saliendo constantemente—realmente hay solo dos versiones distintas de la banda.

Ahora mismo, esta formación sigue creciendo. Siento una energía increíble, especialmente después de grabar este disco y tocar en vivo. Hay una verdadera sensación de avance, y simplemente aprecio y disfruto la energía que me rodea.

No pude evitar notar el fondo en esta llamada de Zoom—tu habitación está llena de vinilos. En esta era del streaming, ¿qué opinas de que la gente ya no tenga copias físicas de la música? ¿Crees que hay una sensación de desconexión, a pesar de que el streaming ofrece acceso a un catálogo infinito?

Creo que es una observación válida. Como oyente, los servicios de streaming son fantásticos—tienes acceso instantáneo a casi cualquier cosa. Pero como músico, no son tan buenos, especialmente en términos de ganancias económicas. Es particularmente difícil para la música más experimental o desafiante, que siempre ha sobrevivido a duras penas. Ahora, casi no tiene oportunidad. Eso inevitablemente afecta el tipo de música que se hace.

En cuanto a las copias físicas, todavía me encanta comprar vinilos, pero solo cuando es algo que realmente necesito tener. Al mismo tiempo, tengo sentimientos encontrados sobre el actual boom del vinilo—especialmente cuando se trata de discos producidos en masa por grandes artistas. El vinilo no es exactamente un formato amigable con el medio ambiente. Alguien, en algún lugar—probablemente en Indonesia—está pagando un precio muy alto por toda esta manufactura. Así que creo que debemos ser reflexivos sobre cuándo y por qué prensamos vinilos. No es una decisión que deba tomarse a la ligera.

Tiene sentido. Hay muchas perspectivas que considerar. Por otro lado, también te han invitado a crear música para exposiciones y performances en museos. Pienso en artistas como UNKLE, que hicieron algo para Stanley Kubrick. ¿Cómo abordas ese tipo de trabajos por encargo?

Si estuviera completamente ajeno a un proyecto así, no creo que me sintiera particularmente capacitado para hacerlo. Pero cuando algo resuena conmigo—cuando siento una conexión—he aprendido a confiar en ese instinto. Esa conexión se convierte en un punto de partida, una forma de explorar por qué cierta idea o emoción me conmueve.

Una vez que confío en ese sentimiento, se convierte en un viaje, muy parecido a escribir una canción. ¿A dónde me llevará? ¿Con quién necesito colaborar? ¿Qué estoy buscando? No lo veo como, «Oh, puedo hacer esto» o «Puedo hacer aquello». Pero si algo enciende algo dentro de mí—si sigo pensando en ello, si se queda conmigo—entonces sé que algo puede surgir de esa energía.

Es una gran perspectiva. Por último, con tantos fanáticos chilenos esperando ansiosamente tu debut, ¿hay algo que te gustaría decirles?

Solo que estamos realmente emocionados por el viaje. Estos shows marcarán los últimos días de lo que ha sido una gira de casi un año, así que serán especiales en muchos sentidos. No podemos esperar.

¡Muchas gracias! Mucha suerte en la gira, y nos vemos pronto.

¡Saludos! ¡Gracias!