La resurrección de The Stone Roses: Portadores del sonido de toda una generación

Cuando hablamos de hitos en la historia del rock, una de las bandas que no puede quedar indiferente a esta clasificación es sin duda The Stone Roses.

Líderes de la movida llamada Madchester y claros referentes y responsables para lo que ocurrió en el rock británico de ahí en adelante es su gran logro, una de las revoluciones musicales que mas huella ha causado en el viejo continente, sin duda.

Pero a grandes rasgos el reconocimiento masivo no se ha manifestado tan claro, y eso, seguramente, debido a la corta carrera discográfica como banda propiamente tal.

The Stone Roses “Love Spreads”

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Haciendo historia y remontándonos al Manchester de  los 80’s, donde las agitadas y extenuantes jornadas de éxtasis (droga importada principalmente desde Amsterdam , Holanda), en el club Hacienda, crearon todo un movimiento liderado por bandas como The Smiths, New Order y el legado de los extintos Joy Division.

Pero tal sonido estaba de alguna forma pidiendo un recambio , y es aquí donde el Acid House y el denominado Baggy entra en acción; bandas como los Happy Mondays ya estaban revolucionando la escena a principios de los 80’s pero no iba a ser hasta 1987 que lograrían un reconocimiento con su disco Madchester Rave On E.P (de ahí el término Madchester, por cierto), era el encuentro de la música rave de esas lisérgicas noches abrazándose con las guitarras sicodélicas y unas bases totalmente bailables.

The Stone Roses surge como una especie de respuesta a Happy Mondays , provenientes de los suburbios de Manchester, de familias de clase obrera de tan industrial ciudad, y después de editar varios sencillos en 1989 editan su aclamado disco debut homónimo, el cual les valió liderar el movimiento indie y su propuesta sonora fue y ha sido alabada por medios y también protagonizaron uno de los cambios mas fulminantes en la historia del UK  Rock .

El contenido musical de esta placa, alabada por claros herederos contemporáneos cono Noel Gallagher o Richard Ashcroft entre otros, quedó clavado en la memoria de las generaciones emergentes de la década de los 90’s , convirtiéndola en pieza de culto, aunque muy subvalorada pasadas mas de dos décadas desde su aparición.

Su segunda producción Second Coming, tardó cinco años en aparecer y, entremedio de eso, fama, éxito, extensas giras y problemas contractuales con su discográfica, además de serios conflictos internos donde las drogas duras y noches de bohemia les jugaron terribles pasadas, que no hicieron mas que descontar cada vez mas tiempo a la continuidad del grupo.

Y así fue como un año después de la edición de Second Coming el baterista Reni abandonala banda y la insoportabilidad entre el líder Ian Brown y Johny Squirre, guitarrista y núcleo fundamental, llegó al límite y termina por diluir a una banda que se abastecía de magia colectiva. Incluso curiosamente sonó el guitarrista Slash (sí, el de los Guns & Roses) para su reemplazo, pero a Brown no le pareció la idea así que todo quedó ahí.

La disolución no fue sinónimo de inactividad musical en todo caso , el “rey mono” como ha sido apodado Ian Brown debido a su apariencia facial, ha tenido una continua carrera como solista, al igual que John Squire que formó a los Seahorses, lo propio haría Reni , quien se incorporó a las filas de Primal Scream , banda que a pesar de su camaleónica carrera, absorvió mucho del legado de los Stone Roses. En cuanto a Reni ha sido poco lo que ha hecho noticia durante estos años pero participó en un proyecto llamado The Rub, que no hizo mucho ruido.

The Stone Roses “I Wanna be Adored” (Live Hacienda Club, 1989)

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Seguramente al líder de la banda la nostalgia terminó por seducirlo y durante este último tiempo los acercamientos ya habían sido claros, en declaraciones ala revista Rolling Stone el año 2006 Ian Brown se refirió a los años de apogeo de la escena de manchester:

” fue una escena que definitivamente marcó el curso del rock inglés de la década del ‘90. Si bien no había mucho dinero ni tampoco recursos, nacían bandas de la noche a la mañana y de a poco se convirtió en una escena muy fuerte. Todos amábamos la música y lo expresábamos, por eso tocábamos en cualquier parte: en los sótanos, en las calles, en un garage, en los parques y en los bares. Pero creo que la palabra que hoy sirve para definir la fascinación que todavía se siente por aquellos tiempos es “nostalgia”. Y mirando hacia atrás estoy convencido que no nos dimos cuenta de lo que realmente estábamos gestando, porque aquello fue mucho más grande de lo que pensamos.”

Y acerca de los furiosos días de juerga también agregó:

“Fueron años muy raros… estábamos todos muy locos (risas). Fueron tiempos en donde todos los sueños se hacían realidad y el eje musical del mundo parecía que se había detenido en Manchester. Éramos los locos en el centro del universo, pero no nos dábamos cuenta. Y tenías que tener cuidado de lo que tomabas y de lo que te metías, porque los excesos sobraban. Fueron días muy locos.”

Un inesperado regreso, el training musical que han acarriado durante estos largos años los ingleses nos vislumbran que puede surgir algo mas que interesante, todos los músicos se expresaron impacientes en volver a hacer giras e incluso, como declararon en la conferencia de prensa de la confirmación del regreso, hablaron de que la magia de los Stone Roses , con los cuatro originales, fluyó sin mayor esfuerzo.

Esta resurrección es todo un hecho, solo a esperar que tienen para entregarmos estos estandartes y  pioneros del sonido de toda una generación.

The Stone Roses “I Am The Resurrection”

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Crónicas de piedra: El regreso de Kyuss, banda legendaria y pionera del stoner rock

De un tiempo a esta parte se nos han ido manifestando sendas reuniones de grupos emblemáticos de los 90’s, llámese Faith No More, Soundgarden, Rage Against The Machine o Stone Temple Pilots. Pero seguramente una que nunca esperamos y que nos tomó completamente por sorpresa es la de estas leyendas del llamado stoner rock, los legendarios Kyuss.
Y como no alegrarse con la noticia considerando que son los pioneros en el estilo y que en gran parte de los 90’s nos ofrendaron discos tan imprescindibles como Blues From The Red SunWelcome To Sky Valley o And The Circus Leaves Town.
Claro está que la reunión no ha sido cien por ciento perfecta, sólo tenemos a 3/4 de la formación original, aunque eso ya es mucho decir. Miembros que no tuvieron ningún tipo de complejidad para volver a plantarse dentro del escenario a tocar piezas de culto que hasta estos momentos pensamos que se iban a quedar en nuestras memorias colectivas o plasmados en esos sobrios discos noventeros.
Es el caso de su líder y vocalista John García quien tras la disolución de Kyuss ha incursionado en loables intentos como Slo Born, Unida y Hermano, bandas que si bien dieron que hablar nunca alcanzaron el nivel  de Kyuss. Claramente esto dio pie a que el frontman ya el 2010 emprendiera una  gira junto a músicos invitados a lo que llamó “García Plays Kyuss” y posteriormente a esta inesperada reunión de la cual damos cuenta llamada “Kyuss Lives!”.

Otro personaje imprescindible en la historia de Kyuss es Nick Oliveri, bajista de la banda en el período 1989-1992 y que ahora está de vuelta en la banda.
Oliveri, tras su partida de Kyuss y su incursión en la banda punk Dwarves es reclutado por Josh Homme para lo que sería Queens Of The Stone Age, la excelente y consagrada banda que de alguna manera vino a subsanar ese tremendo vacío que dejo Kyuss a finales de los 90’s, pero que en la práctica y musicalmente hablando nunca fue lo mismo. Ese sonido sabático y con tonos bajo el stándar normal fue sello característico de los de Palm Springs, California.
Pero al cabo de grabar los discos Rated R (2000) y Songs For The Deaf (2002) con QOTSA y en medio de la gira de éste último empiezan los problemas entre Homme y Oliveri.

En el show brindado por la banda en la sala Razzmatazz, Barcelona, Oliveri comenzó a lanzar botellas de cerveza indiscriminadamente al público aludiendo que el público no estaba lo suficientemente “prendido”. En el 2004 en otro show realizado en Perth, Australia, Oliveri estrelló su bajo contra el micrófono en plena ejecución del éxito ‘No One Knows’ de la banda.
Homme en reiteradas ocasiones tuvo que enfrentar la irresponsabilidad y desenfreno de Oliveri hasta el punto de quedar al borde de truncarse a golpes. Estos límites no fueron ya aceptables para el pelirrojo líder lo cual culminó por la expulsión de Oliveri, tras un comunicado en su sitio web a finales del 2004.
Cabe decir que Oliveri se ha arrepentido en diversas ocasiones de sus acciones , declaró a Kerrang en algún momento: “Se me pasó la mano en Barcelona. Me volví loco, tomé absenta o algo así y esa noche tuvimos una gran discusión. Nos conocemos desde hace bastante tiempo y eso es lo que pasa, una pelea entre hermanos, ¿sabes? Josh Homme vino a mi casa y dijo, ‘No sé si puedo seguir haciendo esto más tiempo’. A mi me sonó como si estuviera tirando la toalla y una de las excusas que dio fue que dijo que le pegaba a mi novia, lo que es totalmente falso. A mí me pareció como que estaba tratando de justificar porqué lo estaba dejando. ¡Luego lei en internet que me había echado!”

Homme por su parte fue invitado para completar la reunión total, pero su respuesta fue negativa, declarando que estaba alucinadísimo con la idea, pero que no era de la partida debido a sus actuales proyectos. De alguna forma el factor Oliveri seguro que tiene mucho que ver en la decisión.

La otra parte cómplice de esta genial reunión es el baterista Brant Bjork, quien luego de la disolución de Kyuss fue parte del respetable grupo Fu-Manchu con quien grabó cinco discos, Bjork ha sido indispensable en el estilo desértico, lisérgico que propuso Kyuss en los 90’s y miembro que tuvo estancia en casi todo el recorrido de la banda (1989-1993).

Lo más emocionante de la vuelta es que los tendremos en nuestro país, cosa que hace unos meses ni se nos hubiese pasado por la cabeza, la banda ha estado girando por gran parte de Europa y se alista para visitarnos en noviembre.

Te dejamos con una presentación de Kyuus Lives! en Oslo, Noruega en marzo de este año:

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Bad Religion en Chile: 30 años de actitud infranqueables

Bad Religion en Chile
Teatro Caupolicán domingo 09 de octubre

Con una asistencia de lujo bordeando la capacidad completa del Teatro Caupolicán se presentó Bad Religion en Chile en un gran concierto que cumplió con creces las expectativas.
Las puertas del Caupolicán se abrieron a las 19: 00 hrs. y alrededor de las 20:00 hrs. subió a la tarima la banda de punk rock nacional Bb’s Paranoicos, que en alrededor de 40 minutos hicieron un surtido repaso de sus potentes canciones que han cosechado por su extensa carrera.
Sin muchas modificaciones en la escenografía (el telón trasero solamente con el arte de su última producción de estudio The Dissent of a Man ), y con una puntualidad casi inglesa (que se agradeció por supuesto, ya que teníamos el terrible caso reciente de Guns & Roses que hizo esperar casi dos horas para salir a escena), apareció Bad Religion, comandados por el gran Greg Graffin que lucía una camisa escocesa como es habitual, su tenida fue muy similar a la de la vez pasada que nos visitó en ese concierto del 2007 en el Estadio Nacional.
Justamente fue en ese concierto donde a muchos nos había dejado con gusto a poco, ya que vinieron en calidad de teloneros de Velvet Revolver  y el tiempo que se les concedió no dio para satisfacer a la  fanaticada.
Con Mr. Bret realizando el trabajo de bajo, en un bajo muy guitarrero por lo demás y con las potentes otras guitarras de Greg Hetson y Brian Baker, empezó a armarse una fiesta de punk rock, estridencia y por sobre todo , un despliegue de energía descomunal.
Todo abre con ‘Resist Stance’, carta de presentación de su nueva placa, que bien prendió los fuegos, mas lo fue el segundo corte entregado: ´Social Suicide’ y mas aún el gran “hit” de la banda ‘ 21sth Centrury Digital Boy´que desató el mosh mas aguerrido en el sector mas cercano al escenario.

Luego de una pausa y los agradecimeintos y primeras interacciones con el público de parte de Graffin recae el bombazo ‘Los Angeles is Burning’ , uno de los temas mas queridos por la gallada y que ya se ha hecho infaltable en sus presentaciones en vivo.
Acto seguido suena otra canción desprendida de su reciente disco The Dissent of a Man como ‘Wrong Way Kids’ y seguida de ella ‘Sinister Rouge’, de su disco The Empire Strike First (2004), a estas alturas la máquina de punk rock ya estaba en marcha y parecía que nada la iba a frenar. Siguieron con ‘I Want to Conquer The World’ , ‘Before You Die’ y ‘Recipe For Hate’, donde la guitarra de Brian Baker sonaba muy fuerte, el sonido estuvo realmente a la altura de las circunstancias sin saturar en ningún momento.
Tras una breve pausa vuelven las interacciones de Graffin, esta vez muy relajado nos indica de su posterior paseo al desierto de Atacama para aprovechar su estancia en nuestro país.
Las siguientes en sonar fueron la potente ‘Atomic Garden’ primero, ‘Come Join Us’ y ‘New Dark Ages’, esta útima de su mas que respetable producción del 2008 New Maps Of Hell .
Nuevamente el profesor Graffin comparte palabras de agradecimeinto y nostalgia de su paso por Chile en anteriores ocasiones y continuan adelante  con lo mejor de la parrila noventera de la banda , sonaron ‘Do What You Want’ que debió haber durado un poco mas de un minuto, en una intensísima versión , luego ‘You’, ‘Modern Man’, uno de sus clásicos y temas emblema como ‘Generator’, ‘The Defense’ , ‘Let Them Eat War’ y otro mini descanso y empiezan a llegar las peticiones del público que diferían de una muy variopinta  cantidad de nombres, que en definitiva nunca se escuchó muy clara por alguna en específico por lo cual los californianos  prosiguen con ‘No Control’, ‘Anesthesia’ ( otra muy querida extraída de su disco Process Of Belief del 2002), y ‘Along The Way’.


Después de una intro no muy extendida suena otro infaltable y una de sus composiciones mas vintage como ‘Fucking Armageddon (This is Hell), y la despedida.
Vuelven con el único encore y empiezan a aparecer de la nada fans a abrazar y a tratar de cantar incluso con Greg Graffin , fueron como tres irrupciones al mescenario que no lograron allegar mas allá ya que la seguridad se encargó de bajarlos, por otro lado aparecieron otros que solo hicieron stage diving ya cuando el címax era total.
Suenan para este glorioso final ‘American jesus ‘, ‘Infected’ y ‘Sorrow’ finalizando con un jam punk rock de guitarra y batería y con un Graffin ya retirado del escenario.
Para el final una corta despedida después de aproximadamente una hora y media , de un aplastante show.
No quedó para nada la sensación de deuda, Bad Religion hizo un setlist muy equilibrado de todos los discos de su carrera, calcado al del día anterior en Argentina, aunque hubo algunos discos que no fueron repasados, como por ejemplo del No Substance que no es un disco muy querido por la banda en realidad, pero en conclusión fue un show muy bien planeado.
Promesas de vuelta hubieron de parte de Graffin y seguramente que mas temprano que tarde, el profesionalismo, constancia y entrega quedó mas que demostrado en un espectacular evento del mas puro y fiel punk rock californiano.

Foo Fighters 2011: El año mas hiperactivo en su historia

Para Foo Fighters este año ha sido por menos decirlo una locura. Este 2011 ha terminado por convertirse en uno de los años mas productivos en cuanto a lanzamientos y presentaciones de la banda. Te mostramos la cronología Foo Fighters 2011:

3 de enero: Ya desde finales del año pasado Foo Fighters venía anunciando lo que sería su octavo disco de estudio. Dave Grohl volvió a reafirmar en enero de este año anticipando que iba a ser un disco de 11 canciones y sin baladas, lo cual sonaba bastante prometedor.

28 de enero: Muestran su disco completo en un show en Santa Bárbara, California.

13 de febrero: Se estrena su video para la canción ‘White Limo’ con la participación de Lemmy Kilmister.

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15 de febrero: La banda anuncia que Wasting Light sería el nombre de su nueva placa la cual estaría disponible para su venta el día 12 de abril

10 de marzo: Se estrena mundialmente su video para la canción ‘Rope’, a través de la cadena MTV y en una transmisión on line para todo el planeta.

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5 de abril: Se estrena Back & Forth, un documental que realiza una retrospectiva de la banda desde sus inicios, incluyendo los años de Dave Grohl en Nirvana.

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12 de abril: Se presentan en el late show de Letterman, presentando muchas canciones de su disco nuevo y con una apariencia en escena estilo Beatles. El mismo día se lanza oficialmente su nuevo disco titulado Wasting Light

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16 de abril: Lanzan el disco de versiones Medium Rare, con motivo del Record Store Day, el cual incluye covers de Paul McCartney, Cream, Pink Floyd y Thin Lizzy entre otros.
13 de junio:
Se presentan en el Pinkpop Festival en Holanda.

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4 de julio: Son invitados a tocar en la Casablanca con motivo del aniversario de la independencia de Estados Unidos y donde presentan en vivo el cover de Paul McCartney ‘Band On The Run’ que es parte de Medium Rare, su disco de versiones.

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12 de julio: Se presentan en el ITunes Festival en Londres, Inglaterra. Como curiosidad, en esta presentación Dave Grohl expulsa de su concierto a un fan por armar una pelea.

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21 de julio: Son nominados a la premiación Video Music Awards de MTV  a mejor video rock por ‘Walk’, mas tarde, el 28 de agosto se llevan el galardón por esta categoría.

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1 de agosto: Presentan el documental ‘Garage Tour’, el cual fue el resultado de un concurso organizado por los mismos Foo Fighters en que los propios fans tuvieron la oportunidad de tocar con la banda.

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7 de agosto: Se presentan con mucho éxito como cabezas de cartel en el Festival de Lollapalooza en su versión de Chicago.

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Un año mucho mas que productivo como pueden ver, lo notable de Foo Fighters es que  siempre realizan sus trabajos con esa cuota de  originalidad y el resultado casi siempre es efectivo.

 

Judas Priest/Whitesnake en Chile: Un epitafio escrito con fuego

Movistar Arena, Santiago 20 de septiembre 2011

WHITESNAKE

La serpiente blanca se presentó con todas las de la ley y con una excelente formación siempre comandada  por David Coverdale, quien junto al gran guitarrista Doug Aldridge han sido los amos de la banda desde sus inicios. Presentándose en calidad de teloneros de Judas Priest cumplieron muy bien su cometido y estuvieron a la altura de las circunstancias.

Con éxitos reconocidos durante  toda su trayectoria , mas algo de los nuevos trabajos, se defendieron muy bien ante un publico que en su gran mayoría era de gusto mas metalero.
Arrancaron a las 20.00 hrs. según lo pronosticado con clásicos como ‘Give me All Your Love’ o ‘Is This love’, que ya lograron prender a la multitud a punta de excelentes solos a cargo de los experimentados Reb Beach y Doug Aldridge, este último un veterano en la banda que hizo gala de toda su pericia en las cuerdas.

Gran parte de su show de hecho fue para los solos respectivos, una especie de duelo de guitarras y la buena técnica de Brian Tichy en la batería quien apunta de piruetas y lanzamientos de baqueta hacia arriba para luego atajarlas (aun que se equivocó en una, hay que decirlo), pero supo salir bien del paso repitiendo el número correctamente. Al cabo de esto una tripleta estupenda de lo mejor de sus discos ochenteros , sonaron ‘Fool For Your Loving’, ‘Here I Go Again’, ‘Still Of The Night’ y ya notábamos que estábamos llegando al final. Los cierres escogidos por la banda fueron de la era Deep Purple de David Coverdale, con ‘Soldier of  Fortune’ y ‘Burn’ , que entremedio tuvo un pedazo de la gran ‘Stormbringer’. Aunque la voz de Coverdale no registra lo impecable de aquellos años, fue un muy buen show y el público en su mayoría así lo dio a entender con una gran ovación de despedida.

JUDAS PRIEST

Tal como lo había anunciado hace algun tiempo en su sitio web , Judas Priest volvió a Chile en el marco de lo que ellos mismos denominaron The Epitaph World Tour, lo cual estaría sellando una extensa carrera de casi 38 años. Aunque hay incredulidad en el tema, ya que se dice que seguirían de todas maneras, esta gira sirvió de pretexto para que se mandaran un show excepcional en nuestro país.

Judas Priest tardó aproximadamente 25 minutos en salir acabado Whitesnake. Para ese entonces los espacios que quedaron mayoritariamente en las galerías antes que Whitesnake hiciera lo suyo ya habían sido copados en su gran totalidad , de esta manera casi llenando el Arena Movistar. Un público muy heterogéneo por lo demás, donde podíamos ver a niños sub 15 hasta rockeros de tercera edad ya, pero todos con el mismo entusiasmo.

Tras el telón gigantesco que mostraba su flamante logo del Epitaph World Tour, arrancan en escena con dos bombazos de su álbum British Steel: ‘Rapid Fire’ y la clásica ‘Metal Gods’, el fervor del pueblo sediento de metal no se hizo esperar y respondió con un aguerrido mosh. La escenografía iba alternándose con unos telones traseros que  cambiaban regularmente conforme a las canciones que iban pasando y sus respectivos discos. Por otro lado a los costados de la tarima donde Scott Travis gobernaba con su batería, se prendían fuegos de forma regular. Además  muchas luces estilo laser que salían de la parte trasera hacia arriba, dando un efecto un tanto espacial a todo este entorno. Mientras todo esto ocurre siguen corriendo clásicos como ‘Judas Rising’, ‘Starbreaker’, ‘Victim of Changes’ o ‘Never Satisfied’. La voz de Halford en su agudez máxima nos daba cuenta que no ha perdido ni en lo mas mínimo su registro y agudez vocal clásica del heavy metal, lo cual es prácticamente increíble a sus 60 años.

Llega el momento de la guitarra acústica a escena para ejecutar un cover de Joan Baez llamado ‘Diamonds & Rust’, que Judas supo proporcionarle un  brutal final. Acto seguido Halford estrena su look inquisidor con un traje con capucha plateado (uno de su colores mas preciados) y un tridente, así representando a su álbum  Nostradamus con el tema ‘Prophecy’. El show no estuvo para nada exento de teatralidad, iban a ser múltiples los cambios de traje durante el transcurso del concierto, trajes negros con capa, otro con adornos dorados, su bastón y boina como accesorios también aparecieron.

Las siguientes joyas del metal continuaron con ‘Turbo Lover’, un par de regalos de acrobacia y piruetas de parte de Scott Travis en su batería y suenan ‘Beyond the Realms of Death’, ‘The Sentinel’, ‘Blood Red Skies’ y otro cover, esta vez de Fleetwood Mac, para la canción ‘The Green Manalishi (With the Two Pronged Crown)’. Un speech de Halford acerca de la importancia del disco British Steel y la cantidad de canciones de calidad del heavy metal que incluyó anteceden a uno de los momentos mas esperados de la jornada con ‘Breaking the Law’, aunque Halford ni se dio el trabajo de cantarla ya que el público lo hizo durante toda la canción y a todo pulmón. La aclamada y metalera ‘Painkiller’ sonó a continuación y esta vez los fuegos se entrecruzan produciendo un fantástico efecto en este infierno mismo en que nos sometió Judas Priest.

Los guitarristas Glenn Tipton y el joven y recién ingresado Richie Faulkner coquetearon con el público todo el concierto, otorgando un cálido feeling que era muy bien devuelto por toda la horda del metal crew que llenó el Movistar. Por su parte el veterano bajista y fundador de la banda Ian Hill marcaba su línea de bajo en todas las canciones con un destacado entusiasmo, aunque su lugar siempre estuvo fijo, ahí, hacia el costado derecho del escenario, un poco mas adelante de la batería y un poco mas atrás del lugar por donde mas estable se ubicaba Tipton.
Ya empiezan a despedirse y el primer encore llega. Ese ojo con rayos de fondo ya nos lo anticipaba : ‘Electric Eye’ , otro infaltable y gran himno del heavy metal, a lo que seguido se suma el sonido de la motocicleta y el humo que salía de una especie de tubos de escape gigantes hacia el público, y la entrada de Halford en su Harley Davidson que produjo la locura total con la interpretación de ‘Hell Bent For Leather’.

Después de un juego vocal entre Halford y el público y volver aropado con la bandera de Chile (incluso la besó en su momento), otro clasicazo como ‘You’ve Got Another Been Coming’ despierta nuevamente los fuegos candentes , en una real caldera humana a punto de estallar y luego la nueva despedida. No sin antes volver con una mas, que fue nada menos que ‘Living After Midnight’. Un broche mas que apropiado con una de sus canciones mas emblemáticas.

Gusto a poco imposible. Judas cedió grandes clásicos que esta gira solo podía proporcionar ya que no venían en plan de promoción de ningún disco nuevo. Emocionante show ya que para muchos no hay vuelta debido al carácter de despedida que esta gira tiene. Pero nunca se sabe , quizá estos titanes del heavy metal den pie atras en su decisión y nos brinden un último gran show. Pero esto que nos dejó en la memoria esta noche , para muchos será imposible olvidarlo.

Fotos: Agradecimientos Marilyn Messina.

 

Accidentes aéreos en la historia del rock: Vuelo sin Retorno


1. El Día Que Murió la Música:

El fatídico día 3 de febrero de 1959, y en medio de una gira que reunía superestrellas del Rock and Roll  de aquel entonces, los ídolos Ritchie Valens de 17 años, Buddy Holly de 22, Jiles Perry Richardson, más conocido como”The Big Bopper” de 28, no pudieron zafar de una noche de tormenta sobre Iowa en una avioneta maniobrada por un inexperto piloto como Roger Peterson, quien tampoco logró sobrevivir.

El destino jugó su peor pasada, ya que la idea de alquilar un avión se le ocurríó a Buddy Holly, en un tour que estaban llevando por tierra a través de un bus, pero debido a las malas condiciones que este ofrecía (no contaba con calefacción adecuada lo cual provocó el resfrío de varios integrantes del tour), se recurrió a este fatal “plan B”.

El hecho quedó marcado como “El día en que murió la música” y el cantautor folk norteamericano Don McLean dedicó su canción ‘American Pie’ en honor a los fallecidos. Ritchie Valens pese a su corta edad alcanzó a tener varios éxitos destacando ‘La Bamba’, que mas tarde inmortalizarían Los Lobos. Por lo demás el cantante logró impulsar la iniciativa para artistas nuevos y el Rock and Roll cantado en español.

Por su parte Buddy Holly es considerado como uno de los pioneros y precursores del Rock and Roll durante la década de los 50, e influencia reconocida de muchos artistas de la talla de The Beatles, Bob Dylan o The Rolling Stones entre muchos otros.

2. Juegos Fatales.

Uno de los accidentes mas absurdos de la historia del rock. El 19 de marzo de 1982, en medio de una gira junto a Ozzy Osbourne y mientras se dirigían a un Festival en Orlando, Florida, el talentoso guitarrista Rhandy Rhoads pierde la vida al estrellarse con una casa.

Al parecer todo se debió a una especie de “juego” que empezó a realizar el piloto Andrew Aycock, quien sobrevolaba el bus donde se encontraba el resto del personal de la gira, el piloto pasó volando tan cerca del bus con el propósito de asustar a los  que se encontraban en él, pero la suerte no lo acompañó y en una pasada le pegó con el ala , lo cual hizo que la avioneta se desviara hacia una morada, que terminó  por estrellarlos y no dejar a nadie con vida. También dentro de la avioneta se encontraba la maquilladora Rachel Youngblood.

3. El alma de blues que quedó en el cielo.

Stevie Ray Vaughan estaba en un período en el cual estaba volviendo al ruedo después de dejar en stand by su carrera debido a serias adicciones a los estupefacientes. El 26 de agosto de 1990 SRV y Double Trouble actuaron en el Alpine Valley Music Theatre de la localidad East Troy (Wisconsin), al terminar el show,  se estrelló en un helicóptero junto a cuatro personas mas que eran parte del equipo de Eric clapton y que se dirigían con rumbo a Chicago. En esta ocasión también el clima y la inexperticia del piloto jugaron la peor de las pasadas.

La muerte del tejano es una de las mas sentidas en el mundo del blues y el rock en general, la destreza e innovación con la cual aportó siempre será inolvidable. Un músico de la herencia directa de la escuela Jimi Hendrix y que para muchos es considerado su mejor alumno.

4. La maldicíon del rock sureño americano.

A veces se ha pensado que el rock sureño americano está maldito, debido a los trágicos desenlaces tanto como para The Allman Brothers-banda que perdió a dos de sus mas talentosos integrantes en impactantes choques en motocicleta-como también para los Lynyrd Skynyrd, que el 20 de octubre de 1977 en un viaje aéreo a través de  Gillsburg, Mississippi, murieron el cantante, Ronnie Van Zant, el guitarrista, Steve Gaines, su hermana, la corista Cassie Gaines y el mánager Dan Kilpatrick.

Durante la década de los ochenta el hermano menor del fallecido vocalista, Johny Van Zant, revive la banda en un estilo un poco mas hard rock, mas que nada a modo de tributo que de una seria continuidad. que la banda ha seguido adelante, el período de oro siempre quedó en a memorabilia del rock con la formación original que falleció de esta forma tan abrupta.

5. Una gran voz se apaga

Una de las muertes mas sentidas en pleno período del auge del soul sin duda que fue la de Otis Redding, justo en su mejor momento, había alcanzado el número 1 con la canción ‘Sittin’ the Dock of the Bay’. Una voz extremadamente talentosa que podía cubrir diversos matices.  tan sólo 3 minutos de su destino, el avión que lo llevaba a él  junto a su banda de soporte, los Bar-keys, se estrelló en las afueras de Madison, exactamente en Lake Monona.

Múltiples tributos han ocurrido desde que esta gran voz nos dejó a sus cortos 26 años, entre los cuales se destaca la gran versión para su tema ‘Hard To handle’ grabada por The Black Crowes en su disco debut de 1990.

Discos cosecha 1991: Uno de los sucesos musicales mas productivos en la historia del rock

1345
1991 fue uno de los años que albergó una producción de discos en estudio mas notable e influyente en la historia del rock , este año lo celebramos y recordamos las piezas mas importantes.

1-LA EXPLOSIÓN DEL GRUNGE

Nevermind, Nirvana.

Ya en pleno apogeo de la era grunge que se estaba devorando todo comercialmente surgen discos clave en el estilo y que iban a revolucionar toda la década y musicalmente toda una generación. Hablamos primero del gran Nevermind de Nirvana, sin duda explosivo, en un momento perfecto en que llega un semi desconocido Dave Grohl desde la banda Scream a instaurar el sonido en la batería que buscaban los de Seattle, junto a  Krist Novoselic al bajo y Kurt cobain en guitarra constituyéndose como formato de power trío. Todo un suceso debido al histórico salto que logró derrocar al álbum Dangerous de Michael Jackson en el ranking Billboard y puntapié inicial para la inminente supremacía del rock por sobre el pop en cuanto a ventas y miradas de los medios se refiere. Disco de cabecera para muchos hasta el día de hoy. La cantidad de singles importantes para la historia de la música rock y el grunge fueron numerosos: ‘Smells Like Teen Spirit’, ‘Lithium’, ‘Come As You Are’ o ‘In Bloom’ sólo por nombrar las mas conocidas, el disco en su integridad fue y sigue siendo un hito en la historia.

Ten, Pearl Jam

Pero la movida de Seattle aún tenía mas que decir, ese mismo año surgió uno de los debuts mas aclamados en la historia del rock alternativo como lo conocemos. Tras la separación de Green River y Mother Love Bone, bandas pioneras en el estilo y la incorporación de Eddie Vedder y Dave Krussen (voz y batería respectivamente) surgió una unión prácticamente insuperable llamada Pearl Jam, banda que debutaba con canciones predefinidas en proyectos anteriores de los músicos  Stone Gossard, Jeff Ament y Mike McCready. El disco se tituló Ten, donde sobresale el tándem de guitarras y  la inyección de hard rock muy influenciado por el sonido de Led Zeppelin, agregando el falsete característico de Vedder tan imitado en bandas posteriores del estilo, un disco prácticamente con nulos puntos bajos. Himnos como ‘Alive’, ‘Jeremy’ o ‘Black’ catapultaron esta placa como imprescindible y a la banda como una de las mas importantes del rock contemporáneo, mucho mas allá del fenómeno grunge a estas alturas inclusive.

Badmotorfinger, Soundgarden

Otra de las grandes de Seattle no se hizo esperar y apareció con un disco con un sonido demoledor en octubre de este gran año, hablamos de Soundgarden y Badmotorfinger, firmado con el sello A&M Records, un disco lleno de crudeza, mezcla de estilos, sonidos trabajados donde se fusiona todo ese rock experimental de discos anteriores con la oscuridad y el hard rock al mas puro estilo Black Sabbath y Led Zeppelin, sumado todo esto a una gran lírica surrealista, política y contestataria demostrada en ya himnos a estas alturas como ‘Jesus Christ Pose’, ‘Outshined’ o ‘Rusty cage’. Pieza fundamental y una de las favoritas del género por ese sonido incansable y riffs casi metálicos, aparte uno de los grandes registros vocales de los últimos años, el versátil Chris Cornell. La revista Guitar World lo catalogó en el puesto 45 de los mejores discos del rock de la historia.

Temple Of The Dog

Ya mencionado que este iba a ser el gran año de la movida grunge, o por lo menos el año en que directamente el estilo iba a ser considerado relevante para lo que era el mainstream y los estándares comerciales, dio vida uno de los proyectos mas notables del estilo, el álbum homónimo llamado Temple Of The Dog, con el fin de rendirle tributo al fallecido vocalista de Mother Lo ve Bone Andrew Wood, precursor del estilo y personaje del ambiente muy querido por el circulo y que murió en circunstancias lamentables (sobredosis de heroína) en 1990. El nombre fué extraído de uno de los versos escritos por  Wood en su tema ‘Man Of Golden Worlds’. La banda, una fusión perfecta de dos de las mas grandes bandas del momento: Soundgarden, aportando con el vocalista Chris Cornell y el baterista Matt Cameron  y por otro lado Pearl Jam incluyendo a los músicos Eddie Vedder (coros), Stone Gossard y Mike McCready (guitarras) y Jeff Ament (bajo), una comunión notable de estas dos bandas que se encontraban plenamente activas y con sendos lanzamientos de discos propios en esos momentos.

El disco en sí mas que ser un mero tributo se convirtió en todo un hito en la escena, lleno de bien logradas composiciones y con un grado de emotividad, el propósito de tributar a un amigo recién fallecido en la práctica se cumplió a cabalidad, la cuota de tristeza y nostalgia se hace notar a lo largo de los 10 tracks evidentemente.Dotado de grandes himnos de esta generación como ‘Say Hello 2 Heaven’, ‘Reach Down’ o la impecable ‘Hunger Strike’, un dueto vocal entre Cornell y Vedder, se convirtió en una pieza infaltable de la movida, aunque paradójicamente tuvo su merecido éxito en 1992, dado que ya a esas alturas Tanto PJ como Soundgarden habían logrado su reconocimiento con sus respectivas placas editadas en 1991.

2-EL AÑO DEL ROCK ALTERNATIVO

Trompe Le Monde, Pixies

Aunque Pixies ya había cimentado su éxito y la mayor parte de su carrera y realizado grandes discos a finales de los 80, en 1991 grabaron su cuarto larga duración,Trompe Le Monde, en un momento complicado para la banda debido a las constantes disputas de liderazgo entre Francis Black y Kim Deal. No obstante fué el último disco de la banda antes de su inminente separación tan llena de polémica debido al anuncio público inesperado por parte de Black sin siquiera haberlo definido con la banda, un duro golpe para los fans y para el resto.

El disco mantuvo las temáticas de ciencia ficción y referencias ufólogas que ya habían venido haciendo anteriormente, canciones como ‘Planet Of Sound’ o ‘Motor To Rosswell’ daban cuenta de aquello. Sin ser el mejor disco de la banda fué un disco importantísimo en lo que se generaría de ahí en adelante dentro de los estándares del rock alternativo en los 90.

Sailing The Seas Of Cheese, Primus

Si hablamos de bandas originales, innovadoras, experimentales si se quiere, por ahí podriamos encasillar de alguna manera a Primus, herederos directos del sonido progresivo de Rush, de la locura de Frank Zappa y la vanguardia de The Residents, y con un trío de músicos virtuosos a la altura como Les Claypool en las voces y bajo, Larry LaLonde y Jay Lane en guitarra y batería respectivamente. El disco en cuestion: Sailing The Seas Of Cheese, bastante lúdico aunque contiene mensajes de protesta al mismo tiempo en contra de la administración Bush padre, logra un sonido completamente original y visionario, de aquí resaltamos grandes composiciones como Tommy The Cat-pieza fundamental en la historia de la banda-o Jerry Was a Race Car Driver, el disco si bien es lento a momentos, en otros logra una potencia rockera única, el timbre característico y divertido de Claypool es el que le dio la personalidad a la banda que mantiene hasta el día de hoy.

Achtung Baby, U2

Achtung Baby, para muchos el mejor disco de U2, dotado con una avalancha de éxitos como ‘Misterious Ways’, ‘One´, ‘The Fly’, ‘Even better Than The Real Thing’ entre otras, además dio pié a una de las giras mas producidas y conceptuales de la historia, Zoo TV, una performance que incluía 36 monitores de vídeo, numerosas cámaras de televisión, dos puestos de mezcla separados, 26 micrófonos en el escenario, 176 altavoces y 11 Trabants laboriosamente pintados, todo con el fin de abastecer a mas de 2000 hogares con una transmisión on line. Fue el punto de inflexión de U2 donde incursionaron en un sonido mas electrónico y que iba a ser la pauta para producciones posteriores.

Gish, The Smashing Pumpkins

Butch Vig, el mismo que en este año produjo el sublime ‘Nevermind’ de Nirvana se encargó de las perillas en el que nos toca a continuación: Gish, el álbum debut de The Smashing Pumpkins, donde tenemos a un omnipotente y acaparador Billy Corgan componiendo todo el disco, exceptuando la canción ‘I Am One’, donde contribuyó el guitarrista James Iha. Ya en estos tiempos, estamos hablando de los inicios de la banda, Corgan impuso su especie de ‘tiranía’ musical, asunto que desde ya provocaba malestar en el resto de la banda y que mas tarde iba a culminar en una especie de ‘crónica de una muerte anunciada’, aunque sucedieron varios discos antes de que esto ocurriera, dentro de los cuales están los mas destacados de la banda y que llegaron a opacar esta producción. Destacan los cortes mas sabáticos como el mencionado ‘I Am One’ y ‘Siva’, entre otros. El punto de partida para una banda que tenía mucho mas que decir a futuro.

Leisure, Blur

Por el viejo continente surgía uno de los grupos que iba a dar mucho que hablar y que quizá ni ellos mismos se lo imaginaron, desde la localidad de Colchester, Essex, Inglaterra, estos cuatro estudiantes que se conocieron en la Universidad de Londres justamente unieron sus fuerzas y después de obtener cierta reputación en el movimiento shoegazing-que era lo que estaba pegando en esos años, a fines de los 80, en los circuitos subterráneos en Inglaterra-adquieren un contrato con Food records, sello subsidiario de EMI y lanzan su primer disco: Leisure.

Avalado con el primer single ‘She’s So High’, el cual logró posicionarse en el #48 de los charts británicos, canción para nada exenta de polémica debido a su poster promocional y letra sugerente la cual le valió la mirada de los medios y algunas presentaciones en shows de TV británicos. Pero iba a ser ‘There´s Not Other way’ , una canción notoriamente provenida de la escuela de los Happy Mondays y de paso el mas pop del disco la que entraría directo en el #8 de los rankings británicos y un éxito bastante menor pero rescatable en USA. Debido a la incursión del tema ‘Sing’ mas tarde en la banda sonora de la película de Danny Boyle ‘Trainspoting’ en 1996 lograron de alguna manera ser considerados parte del sonido de esa generación noventera semi sicodélica pero que indicaba que algo realmente estaba pasando en el sonido indie y britpop.

Into The  Great White Open, Tom Petty & The Heartbreakers

Después de una cantidad de discos importantes y su paso por una superbanda creada a fines de los 80 como los Traveling Willburys, que de seguro le trajo buenos dividendos y un buen training a Tom Petty al compartir experiencias con viejos zorros como Bob Dylan, Roy Orbison, Jeff Lyne o George Harrison, editó su disco Into The Great Wide Open un disco bastante aceptable y que fué promocionado con los singles ‘Learning To Fly’ e ‘Into The Great Wide Open’, éste último acompañado de un video protagonizado por Johnny Depp, interpretando al ficticio rockstar Eddie Rebel y su ascenso y caída en el mundo del rock´n roll. Otras celebridades aparecen también como Faye Dunaway Y Terence Tremp D’arby. El disco marcó una transicion en su paso por Traveling Wilburys banda ya disuelta después de la trágica muerte del gran Roy Orbison y dio pie a su  reunión con los Heartbreakers, su banda soporte por excelencia. Un buen paso aunque con la explosión de discos en ese momento pasó un tanto desapercibido.

Blood Sugar Sex Magik, Red Hot Chili Peppers

Dentro de los discos mas notables editados en este glorioso año también se encuentra Red Hot Chili Peppers y  Blood Sugar Sex Magik, un disco lleno de energía, vitalidad y que dió otro status a la banda tanto en fama como popularidad y de paso un sonidó que terminó por redefinirlos. Terminando así su contrato con EMI y un breve paso en negociaciones con Sony/BMG terminaron firmando con Warner y reclutando a uno de los productores que con éste disco se anotó uno de sus mas grandes trabajos, inclusive hasta el día de hoy. Hablamos del ingenioso Rick Rubin, el cual le inyectó a la banda una buena dosis de renovación sonora, ocupando técnicas innovadoras de grabación y un amplio margen de fusión de estilos que determinó una variedad estilística muy interesante (mucho funk, hip-hop, metal, soul,etc).

Como centro estratégico eligieron la mansión de Houdini, ubicada en el area Laurel Canyon en Los Angeles y predecida por el mito de que estaba embrujada, lo cual causó algo de estupor al baterista Chad Smith, quien fue el único en dejar la mansión tras las sesiones diarias, dado que el resto de la banda la habitó como residencia particular durmiendo cada uno en algún extremo de la gran casona. Cabe decir que la mansión mas adelante iba a ser ocupada por otras grandes bandas siempre acompañadas por la producción de Rubin, digamos que la escogió como amuleto de éxito, lo cual fué bastante acertado ya que grandes discos salieron mas adelante (Slipknot, Linkin Park, Audioslave,etc.)

El enfoque de RHCP fué asumiendo un espectro de poder expandir sus horizontes musicales y de qué manera lo consiguió, Kiedis líricamente abarcando temas centrales como el sexo en canciones como “Suck My Kiss”, “If You Have to Ask”, “Sir Psycho Sexy”, “Give It Away” y “Blood Sugar Sex Magik”, las dependencias a las drogas, la angustia y la automutilación, como en “Under The Bridge”, cancion prácticamente autobiográfica de Kiedis que habla de su paso por el “lado oscuro” cuando casi tocó fondo drogándose bajo un puente junto a vagos adictos y traficantes, la Rubiniana “The Greeting Song”que habla del Chevrolet y de carreteras que escribió Kiedis no del todo conforme, sólo para complacer al productor.

El disco alcanzó el nivel deseado y con creces, considerado como uno de los mas influyentes del rock alternativo desde los 90 hasta la fecha, la crítica especializada de esos años se deslumbró ante su sonido, composición y lírica. Pero tanta grandilocuencia traería conflictos internos post lanzamiento y en medio de la gira de promoción el guitarrista John Frusciante empezó a sentirse alienado de la fama y grandes shows de la banda, siempre le acomodó el tocar en circuitos más underground, lo cual provocó distintos cambios de lineup alternando con Smashing Pumpkins, Pearl jam y Nirvana principalmente, la actitud del guitarrista fue totalmente repudiada por la banda ya que no estaba rindiendo lo esperado, se quedaba muy al costado del escenario tocando en una sintonía distinta y causando problemas al sonido en vivo, al límite que en 1992 decidió no salir a tocar en un show en Japón a lo cual el resto de la banda logró convencerlo pero terminado el set Frusciante decidió dejar la banda.
El disco fué multiplatino y solo hasta el lanzamiento en 1999 del álbum Californication pasó a ser el segundo mas vendido de los angelinos.

Out Of Time, R.E.M.

El disco que finalmente dio el reconocimiento masivo a R.E.M. fue Out Of Time, por lo menos en ventas millonarias, ya que con el antecesor Green habían alcanzado cierto nivel de status dentro de la escena del rock alternativo, un disco dotado de un poderoso single: hablamos de ‘LosingMy Religion’, acompañado de un misterioso video que generó una polémica con la iglesia católica por esos días sobre todo por las imágenes de San Sebastián y religiones varias mezcladas, además considerando que su protagonista era un Michael Stipe con alas de ángel, concepto basado en un cuento de Gabriel García Marquez ‘Un Señor Muy Viejo Con Alas Enormes’, que retrataba la historia de un viejo muy a maltraer que cayó del cielo y fue exhibido en actos circenses. El sencillo aún a estas alturas es considerado el mas exitoso de la banda e himno imprescindible en todos sus conciertos.
Otras canciones dignas de destacar fueron ‘Shinny Happy People’ donde Stipe se acompaña vocalmente de Kate Pierson de los B-52s´y lo propio hizo en Radio Song pero con el rapero KRS-one. El disco dista mucho de ser rockero en toda la escencia de la palabra, su fuerte son los arreglos de cuerdas y las melodías pop, aunque sin duda fue trascendental en la discografía de los college rockeros de Athens.

3. NUEVOS AIRES PARA EL METAL Y EL HARD ROCK

Álbum negro, Metallica

Otro hito en la historia del metal o derechamente un trascendente paso estilístico apareció con el disco negro u homónimo de Metallica de 1991. Innovando con un promisorio productor como Bob Rock, que venía de ganárselo todo con Mötley Crüe, inyectó nuevos aires para los de San Francisco, dejando el thrash ochentero de lado, innovó en el sonido de Metallica hasta el punto en que los mismos integrantes no sabían que estaba haciendo, incluso hubo momentos tensos en las sesiones de grabación, pero que fueron cediendo al ser escuchados los resultados por parte de la banda. Es así como Bob Rock se gana la admiración e incluso a partir de estos momento pasaría ser considerado como el quinto Metallica. Es el primer disco en que la banda logra crear verdaderos ‘hits’ y en abundancia, la inmortal ‘Enter Sandman’, el poder de ‘Sad But True’, la emotiva ‘The Unforgiven’ o la inmensamente aclamada ‘Wherever I May Roam’ son solo algunos éxitos que contuvo este disco. Por otra parte fue el disco en que Metallica derechamente estaba explorando nuevos caminos sonoros y dejando de lado la vieja escuela, lo cual los viejos fans en gran parte renegaron, pero por otro lado llegaron muchos otros que se sintieron reencantados de estos nuevos bríos que se le estaba dando al metal iniciada esta década.

Use Your Illusion I y II, Guns And Roses

Ya a finales de los ochenta que Guns & Roses venía metiendo mas que bastante ruido, los excesos derivaron a la salida del baterista Steve Adler ya a principios de los noventa y la inclusión de Matt Sorum e incluso un tecladista como Dizzy Reed. Una vez establecidos como quinteto la banda liderada por Axl rose se compenetra en lo que iba a ser su obra cúlmine, o por lo menos lo mas ambicioso y grandilocuente jamás realizado antes: los discos Use Your Illusion I y II.  Se trata de un par de discos  que fueron lanzados prácticamente uno tras otro, el material ya estaba listo pero por estrategias comerciales no se lanzó en un solo disco doble. Musicalmente la banda exploró terrenos del rock clásico, mucho R&B, las influencias de The Rolling Stones, Aerosmith son notables, pero sin dejar su abrumadora potencia y su dosis de punk rock, pues ésta es la conjunción que hizo a estos discos de los mas grandes.

Los  discos contribuyeron con clásicos infaltables en el hard rock, tales como la épica ‘November Rain’, ‘Don’t Cry’ o el excelente cover de Paul McCartney ‘Live And Let Die’, en el disco I, y en el II aparecieron otros hits como ‘Civil War’, ‘Estranged’ y otro cover, esta vez del legendario Bob Dylan ‘Knocking On Heavens Door’. Pero eso no era todo, la mayoría de las canciones incluídas en ambas placas fueron de una potencia y experticia casi al borde de la perfección, ambos discos se equilibraron muy bien con riffs endemoniados gracias a las sendas ejecuciones de Slash e Izzy Stradlin, un bajo preponderante como el de Duff McKagan, Matt Sorum simplemente una máquina en la batería y por que no decirlo: Axl Rose haciendo lo suyo con el micrófono, que a fin de cuentas es lo mejor que sabe hacer en el contexto musical.

Un par de  maravillas de álbumes que no se repitirán jamás, de esos que solo el momento pudo brindar, pero ahí quedó , incansable en la memoria de todos.

For Unlawful Carnal Knowledge, Van Halen

En plena segunda etapa de los americanos Van Halen, hablamos del período con Sammy Haggar, ya pasados varios años desde que se produjo la confusa separación del vocalista David Lee Roth, ya la banda había logrado cierta estabilidad en su manera de componer , si bien el sonido ya no era ese rock´n roll clásico de sus primeros discos y dejando de lado ese estilo tan lúdico que le estampó Lee Roth, aquí ya establecen una madurez musical y profesional digna de resaltar.

Hablamos por supuesto del disco de 1991 For Unlawful Carnal Knowledge, que evidentemente y debido a declaraciones de sus propios miembros era un acrónimo de la palabra F.U.C.K. aunque en realidad no es el real origen de la palabra, pero el nombre de su gira lo condijo al nombrarla ‘F.U.C.K. ‘ N’ Live Tour’, por lo menos en el idioma VH ese era su real significado.

El contenido del disco vio a un Eddie Van Halen más que inspirado y viviendo uno de sus mejores momentos, no por nada se ganó el crédito de Guitar Hero a la precoz edad de 21 años gracias a sus innovadoras técnicas realizadas en los primeros discos, aquí sigue haciendo de las suyas pero de una forma mas “centrada” por decirlo de alguna forma.
El disco si bien no tuvo los éxitos de sus clásicos anteriores se hizo acreedor de un premio Grammy y fué multiplatino en USA lo cual no deja de ser, un disco mucho mas que un simple paso más en la carrera de los californianos.