Cumpleaños de Paul Stanley de Kiss: revisamos sus mejores composiciones para la banda

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Un tipo de mil batallas, parte fundamental del resurgimiento de la banda en los últimos años y  uno de los grandes compositores de Kiss está de cumpleaños. En Nación Rock lo saludamos revisando las mejores composiciones para la banda de su vida:

Son cinco canciones las elegidas, pero pudieron haber sido muchas más. Si bien Gene Simmons también ha aportado grandes canciones para la banda, Stanley lo lleva por cierta distancia en cuanto a la cantidad y calidad de temas compuestos.

1) Love Gun : Una de las favoritas de la Kiss Army y del mismo Paul Stanley, por cierto. Apareció en el álbum del mismo nombre de 1977 en una gran época para la banda. La canción es de Stanley en toda su concepción, el la hizo, la canta y es una pieza infaltable en sus presentaciones en vivo. La relación un tanto tortuosa que tuvo Stanley en esa época con su novia se dice que dio pie a la letra de esta composición. Aquí en una impresionante apertura en el Rock the Nation Live! en Washington en el 2004.

[youtube]64m_tHM6ni4&feature=related[/youtube]

2)I Want You: La canción que abre el aclamado Rock’n Roll Over de 1976, un álbum que solo iba a ser un escalón más en el vertiginoso ascenso que la banda estaba teniendo en esos años. La entrada de Stanley con una dulce vocalización para después explotar en una espectacular entrada de guitarras y batería sonando al unísono la convirtió en una de las más grandes de los neoyokinos. Lo que viene a continuación es para la nostalgia: su primera presentación en Chile y la canción coreada por todo el eufórico público chileno en su primera visita al país en el marco del Monster of Rock en 1994:

[youtube]fJfmZHk0HFA[/youtube]

3) I Was Made for Loving You: Pese a que acá el productor Vinie Poncia tuvo mucho que ver , la composición en su gran porcentaje es del chico estrella, una canción que fue parte de Dynasty de 1979, un disco bastante cuestionado donde los coqueteos con la onda disco que causaba furor en esos años marcaron muchos tracks de la placa. Pese a eso hay muchos que consideran que es la gran canción de Kiss, la que se saltó los parámetros de formato rock’n roll y quiso llevar a la banda a un nivel mucho más sofisticado.

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4) Hard Luck Woman: Otra bella composición. Kiss en sus mejores años tuvo un buen plus para las baladas que era la voz del gato, del gran Peter Criss, el baterista clásico de la banda, su voz alcanza un notable registro, aunque de alguna forma era un poco cómico ver a un tipo pintado de gato cantar estas canciones con un contenido emotivo, como que costaba tomarlo en serio. Como sea, gran cancion:

[youtube]8V5M5EBxQUk&feature=related[/youtube]

5) Detroit Rock City: Aquí en complicidad con el productor Bob Ezrin, quien fue parte importante para la banda en discos de finales de los setenta. La canción dedicada al dévoto público de aquella ciudad americana, además dio pie para la película del mismo nombre. La triste historia de un fan que al dirigirse a un concierto de Kiss fallece se convirtió en un clásico totalmente reconocible y marca impresa para la banda a través de los años y donde los fuegos artificiales cobran principal protagonismo en sus presentaciones, como en este video que es parte de la película:

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Por Patricio Avendaño R. 

Cancionero Rock: Ramones- “Bonzo Goes to Bitburg”

The Ramones “My Brain Is Hanging Upside Down” (Bonzo Goes To Bitburg) ( 1986)

Bien sabido es por la mayoría que Ronald Reagan previamente a llegar a la casablanca fue un actor medianamente reconocido, sus películas nunca fueron clásicos del séptimo arte, es más, se movía dentro del circuito de películas “cine B”.

Una de sus películas mas recordadas sería ‘Bed  Time For Bonzo’ de 1951 donde interpretaba a un singular profesor que cuidaba de un chimpancé para reivindicarse de un pasado carcelario que enlodaba una relación con una chica de la alta sociedad.

Aunque el inocente chimpancé poco pito tiene que tocar en esta historia, su nombre (Bonzo) fue tomado por los protestantes durante las semanas cercanas a la visita de Reagan al cementerio de Bitburg en Alemania. La visita era en honor a las víctimas del nazismo y dando cuenta del renacimiento de Alemania Occidental como una gran democracia y potencia aliada a los Estados Unidos. Este hecho claramente no hizo mas que poner el dedo en la llaga a la población mundial que repudió todo lo ocurrido en el período del régimen nazi y sobretodo el genocidio que causó el holocausto, que en ese momento y hasta el día de hoy ha sido ampliamente mayoritario alrededor del mundo. El título “Bonzo Goes to Bitburg” también hace referencia a la secuela de la película “Bonzo Goes To College” estrenada al año siguiente (1952), aunque en esta oportunidad Reagan no fue protagonista.

Dados todos estos antecedentes la canción incluida en el disco Animal Boy de 1986 de The Ramones fue la clara respuesta del grupo ante esta visita que causó tanta polémica. Además por problemas con la discográfica y a pesar de haber sido un éxito en Europa, hubo que cambiarle el nombre al tema pasándose a llamar “My Brain is Hanging Upside Down”.

La canción es una de las mas celebradas por los fans considerando el espíritu de himno que tiene, tanto en su melodía como en un inolvidable coro. Lo curioso de la banda siempre ha sido la dualidad política entre Joey y Johnny. Joey siempre el letrista soñador, idealista y liberal, no así la gran contraparte de Johnny, quien siempre tuvo una postura seriamente conservadora. Incluso este hecho es el que siempre dividió a ambos líderes. Claro está que Johnny no participó en la composición de la canción.

En una entrevista para un programa de TV  The Ramones fue consultado al respecto:

“En 1985 los Ramones criticaron a Reagan con el tema Bonzo Goes To Bitburg. ¿Qué opinan de la actualidad de su país con Bush como presidente?”

Marky Ramone: “A mí y a Joey no nos gusta, a Johnny y a CJ sí. Lo que vemos es que desde el gobierno de Reagan hasta nuestros días el país se ha ido desmoronando. Demasiados escándalos financieros, gente sin hogar, desocupados, déficit… Todo empeoró desde que ellos tomaron el poder. Realmente esperamos que Bill Clinton gane las próximas elecciones”.

*la canción fue parte de la banda sonora de “Schools Of Rock” (2003) protagonizada por Jack Black, justamente en la parte donde los niños vuelven a buscar al protagonista cuando había sido sorprendido como el impostor del profesor al que suplantó .

*La controversia de ideales políticos entre Joey y Johnny alcanzó su punto climax en otra canción de la banda: ”The KKK Took My Baby Away” del disco Pleasant Dreams de 1981, en que se argumentaba la pelea entre ambos por diferencias políticas. Además por el romance que sostuvo Johnny con Linda de Cummings, técnicamente fue un robo ya que ella era la novia de Joey. Esto iba a ser lo que iba a catapultar el quiebre definitivo de la relación de amistad de ambos compositores.

 

Lyrics:

you’ve got to pick up the pieces come on now sort your trash
better pull yourself back together
maybe you’ve got too much cash
better call,call the law when you gunna turn yourself in yeah
your a politician dont become one of hitlers children

bonzo goes to bitburg then goes out for a cup of tea
as i watch it on tv somehow it really bothered me
drank at all the bars in town for an extended foriegn policy

pick up the pieces

nah nah nah nah my brain is hanging upside down
nah nah nah nah i need something to slow me down
nah nah nah, ooo yeah my brain is hanging upside down
nah nah nah and i need something to slow me down

shouldnt wish you happiness shoulda wished her very best
50,000 dollar dress,shakin hands with your highness
see through you like cellaphane you watch the world complain,but you do it any way so who am i,am i to say

bonzo goes to bitburg then goes out for a cup of tea
as i watch it on tv somehow it really bothered me
drank in all the bars in town for an extended foreign policy

pick up the pieces

nah nah nah nah my brain is hanging upside down
nah nah nah nah and i need somehting too slow me down
nah nah nah ooo yeah my brain is hanging upside down
nah nah nah nah and i need something to slow me down

if there’s one thing that makes me sick is when someone tries to hide behind politics
i wish that time would go by fast
somehow they managed to make it last
nah nah nah nah ooo yeah my brain is hanging upside down
nah nah nah nah i need something to slow me down
nah nah nah ooo yeah my brain is hanging upside down
nah nah nah and i need somethin to slow me down
nah nah nah ooo yeah my brain is hanging upside down….

Mira el arte, tracklist y escucha un adelanto de “Torture”, lo nuevo de Cannibal Corpse

Cannibal Corpse está ad portas de lanzar su décimosegundo álbum de estudio, el cual lleva por título ‘Torturer’, del cual ya se ha revelado la portada , tracklist y un adelanto.

El álbum tiene fecha de salida oficial para el 13 de marzo de este año vía Metal Blade Records y según los comentarios de la propia banda es una vuelta al sonido de álbumes noventeros como Butchered at Birth y  Tomb of the Mutilated.

El arte del disco como siempre estuvo a cargo de Vincent Locke, quien ya trabaja con la banda desde hace bastante tiempo. En cuanto a la producción el encargado fue Erik Rutan de Hate Eternal.

Torture es el disco sucesor de Evisceration Plague del año 2009 y acá puedes ver el tracklist y un adelanto, la portada la puedes ver al inicio del artículo además.

Cannibal Corpse ‘Torture’ Tracklist:

1. Demented Aggression
2. Sarcophagic Frenzy
3. Scourge of Iron
4. Encased in Concrete
5. As Deep As the Knife Will Go
6. Intestinal Crank
7. Followed Home Then Killed
8. The Strangulation Chair
9. Caged…Contorted
10. Crucifier Avenged
11. Rabid
12. Torn Through

Cannibal Corpse ‘Demented Agression’

[soundcloud url=”http://api.soundcloud.com/tracks/33193806″]

 

Mira el trailer de ‘Lo Sound Desert’, el documental del Stoner Rock

Desde ya hace un buen tiempo (alrededor del 2005), se empezó a gestar la idea de realizar algunas tomas de lugares y personajes que protagonizaron la escena del Stoner Rock o Rock desértico a mediados delos 90’s en Palm Springs, California o el desierto de Mojave entre otros lugares.

Lo que fue sólo un experimento se convirtió en todo un documental el cual fue titulado Lo Sound Desert y que cuenta con sendas participaciones y testimonios de músicos como Alfredo Hernández (Across The River, Kyuss, Queens Of The Stone Age, Yawning Man), Arthur Seay (Unida, House Of Broken Promises), Eddie Glass (Nebula / Fu Manchu), Rob Oswald (Nebula, Karma To Burn), Mike Cancino (Unida, HOBP), Tom Davies (Nebula), Damon Garrison (Sloburn), Ed Mundell (Monster Magnet), o bandas más recientes como los suecos Truckfighters o los ingleses Pilgrim Fathers, entre muchos otros.

El documental, realizado por Joerg Steineck, recoge material de culto de las llamadas Generator-Parties, donde a punta de generadores a gasolina se lograban encender los amplificadores para realizar las tocatas en el desierto donde no había posibilidades de alcanzar la luz eléctrica.

Aún no se fija fecha de estreno pero sin duda que será dentro de este año. Aquí puedes ver el trailer de este interesante documental:

[youtube]9InkRj0kY40&feature=player_embedded[/youtube]

Entrevista a Magnolia Blues: “En Chile actuamos con mente tercermundista, apreciamos lo de afuera más que lo de adentro”

Magnolia, una de las bandas con un amplio recorrido por el circuito chileno y con importantísimas participaciones en el extranjero donde inclusive lograron ser semifinalistas en el importante certamen International Songwriting Competition y fiel al sonido puro del blues que en Chile desde un tiempo a esta parte ha levantado cabeza, accedieron a una entrevista con nosotros, dentro de la cual nos hablan de su visión del blues en Chile y latinoamérica, sus futuros proyectos y de pasada una que otra crítica bastante interesante a la visión de los medios musicales en Chile. Chequéala a continuación:

Ustedes llevan más de 10 años de carrera. ¿Cómo evalúan todo este tiempo?  ¿Ha sido difícil de alguna manera?

R: Creemos que la dificultad mayor es transformar la realidad en tu mente, digo en un principio crees que la realidad es la que arman los medios en el País y luego ya en el tiempo te das cuenta que esa realidad es solo una apreciación subjetiva de un par de medios. Después de Buenos Aires y Brasil claramente tenemos una apreciación de la realidad del medio musical Chileno mucho más clara, lo que nos permite crear nuestra propia.

Ustedes son de La Serena. Desde el 2003 que se han radicado en santiago, ¿Ese proceso les ha costado o complicado de algún modo?

R: Tiene sus cosas complejas pero en general es un paso que debes dar, vivir y morir en Santiago es la etapa que cualquier banda de región, para nosotros, debe pasar, sin duda es aquí donde tienes la oportunidad de romper la idea que los medios Santiaguinos te han puesto en la mente, hoy en día para nosotros Santiago es un pueblo grande, donde hay mucha gente, pocos espacios y muy poca cultura musical, sentimos que hay muchas carencias como por ejemplo aire, espacio, silencio, paz etc. todas condiciones fundamentales para la creación.

¿Cómo ven hoy en día el movimiento del Blues en Chile?

R: Creemos que efectivamente desde hace unos 20 años el Blues ha conectado en los corazones de los jóvenes Chilenos, hemos percibido esto en las giras que hemos hecho por el país. Ahora bien eso de Blues Chileno , criollo o como quieran llamarle, le falta pulcritud en el estudio formal del Blues, en Baires nos dimos cuenta que el Blues es el Blues aquí, en el Mississippi o en el Valle del Elqui, es como la cueca hay que saber de cueca para tocarla y para tocarla hay que ser cuequero de verdad.

Uno de los plus que tiene Magnolia es el amplio bagaje en vivo. Cuéntennos un poco qué ha sido lo mejor que les ha tocado vivir en ese sentido. Entiendo que han hecho shows con Miguel Botafogo entre otros.

R: Creemos que lo mejor es tocar en vivo, o sea de eso se trata todo esto, las grabaciones son para publicitar tú trabajo eso nada más, hemos tocado con grandes figuras del Blues Internacional y eso es porque hemos aprendido en la cancha a hacer la pega, conocer el lenguaje mundial del Blues, es muy gratificante. Hemos compartido escenario tanto grupal como individualmente con músicos de la talla de Phil Guy (Louisiana) , Lorenzo Thompson (Chicago), Daniel Raffo (Buenos Aires), Don Vilanova (Ex Botafogo) , Deborah Colleman (Virginia) etc.

Su último disco fue realizado en vivo en Buenos Aires ¿Cómo se vive la escena blusera de allá, en comparación con Chile?

R: La escena de Blues en Baires es la de mayor nivel en América Latina, no hay comparación posible. el Blues llegó a Argentina casi una década después que en Inglaterra y ya sabes lo que generó su llegada en estos países, aparecieron bandas como The Rolling Stone, Pink Floyd, Cream, Led Zeppelin etc y en Argentina Manal, Vox Dei, etc…, osea el Blues ha sido el padre de todo lo que conocemos como Rock en el mundo y en Chile aún no conectan con esa realidad , es complejo el problema en términos de que son los periodistas especializados los llamados a educar en forma urgente a los nuevos músicos, que creen que el Rock nació por generación espontánea. Por ejemplo el nombre Rolling Stones es por una canción de Muddy Waters y Pink Floyd es la unión del nombre de dos Bluesman de Carolina del Norte Pink Anderson y Floyd Council, si no sabes eso que sabes??, es la pregunta que hacemos a los chicos cuando hacemos talleres.

Cuéntennos un poco en que están ahora ¿Sólo tocando en vivo? ¿Tienen en mente algo para un nuevo disco?

R: Estamos trabajando en el cuarto disco.

La gente que se quiere acercar a su música u obtenerla , ¿Cómo lo puede hacer? ¿Se puede descargar de forma gratuita?

R:  Si en este link:  http://www.jamendo.com/es/artist/Magnolia_Chile

En su lírica se puede ver que hay mucha contingencia ¿Cuales son los tópicos o los temas centrales al momento de componer? ¿Quién escribe las letras?

R: Cochiblues es el que compone principalmente, ahora Claudio está colaborando con algunos cortes para el próximo disco. Los tópicos dan cuenta de la observación de las relaciones entre hombre-mujer y humano-universo con una lírica directa sin poesía.

Este año han debutado con un nuevo bajista, Leonardo Dávila , que es venezolano , cuéntennos un poco de la salida de su anterior bajista y cómo han sentido a la banda con la nueva incorporación ¿Ha influído en el sonido de la banda?

R: Bueno lo de Freddy fue muy lamentable pero entendemos su decisión, en términos de que nuestra relación después de 10 años no era de lo mejor y esto estaba afectando a la música y eso no es transable, sentimos que él ha sido un gran compañero de lucha y principal gestor de la internacionalización de Magnolia. Con respecto a “Pana” la onda ha sido muy natural y se siente un aire renovado en la creación y relación.

Para la gente que quiera verlos pronto en vivo ¿Cuáles son las coordenadas más inmediatas?
R: Este 21 de Enero participaremos junto al colectivo Rock Diaguita en el primer Festival de las Artes de La Serena 21:00 hrs en el Mall Puertas del Mar de La Serena y el mismo 21 a eso de las 23:30 hrs estaremos en el Kinien Bar de Coquimbo ubicado en Aldunate 514. Barrio Inglés, un show como nos gusta a nosotros en un bar.

Y para el final una pregunta de curiosidad propia ¿ Se llaman Magnolia por la flor simplemente o tiene algo que ver con la película de Paul Thomas Anderson?

R: Mira la verdad es que el nombre se le ocurrió a Claudio y después nos enteramos que era la flor típica del estado del Mississippi además que hay una canción de Charlie Patton del 1940 que se llama Magnolia Blues, ha sido todo mágico el nombre para nosotros.

Algo que quieran acotarle a la gente, alguna información de algo importante que no pude haberles preguntado…

R: Bueno nos gustaría hacer un llamado urgente a los periodistas que se especializan en música a estudiar y concentrarse más en los orígenes reales de la música contemporánea y desde  ahí apoyen el crecimiento de nuestra música en Chile. Acá estamos en pañales y se sigue dando importancia a las bandas de afuera que ya tienen suficiente publicidad. Actuamos con mente tercermundista, apreciamos lo de afuera más que lo de adentro, hay un problema de fondo en esa conducta, un problema social de falta de autoestima, digno de un análisis sicológico y sociológico. Finalmente es importante saber que la rueda ya esta descubierta y desde este plano de conciencia hay que proyectar la creación.

Puedes informarte más acerca de la historia, discografía y actividades de la banda en su sitio web http://www.magnolia.cl/ , también en sus cuentas de redes sociales como Facebook y Twitter.

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Mira el trailer de ‘El Camino Release Show’ de The Black Keys

The Black Keys ha editado un trailer que sería parte de su concierto ‘El Camino Release Show’ , donde estuvieron presentando en vivo su última producción ‘El Camino’. También el video cuenta con escenas extras donde aparecen los fans en las afueras del concierto como se puede ver en el trailer.

En el sitio Palladia.tv se estará exhibiendo completo este show en los siguientes horarios:

01/15/2012 8:00 PM
01/16/2012 3:00 PM
01/17/2012 7:30 PM
01/21/2012 11:30 PM
01/24/2012 5:00 AM
01/25/2012 4:00 PM
01/28/2012 9:30 AM
01/31/2012 9:00 PM
02/02/2012 11:30 PM
02/03/2012 6:00 PM
02/05/2012 3:00 AM

Trailer ‘El Camino Release Show’:

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Disco Inmortal: AC/DC “Back in Black” (1980)

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Completamente marcado por la penosa muerte de Bon Scott, el primer vocalista de estos australianos monstruos del rock y banda referente del hard rock desde cualquier punto de vista, Back in Black se convirtió en todo un hito a mediados de 1980 y es el segundo disco más vendedor del planeta en toda su historia, con más de 50 millones de copias vendidas por todo el mundo.

Llama la atención los cortos tiempos en los que se manejó AC/DC para grabar tan magna obra como esta. El disco venía precedido de otra gema de grueso calibre como el clásico Highway to Hell de 1979, el cual tuvo su significado mayor a través de la historia debido a que fue el último con el primer  gran vocalista de la banda Bon Scott en el micrófono. Pero Back in Black supo levantar rápidamente a la banda, consideremos que el deceso de Scott fue en febrero de 1980 y este disco fue lanzado en julio de ese mismo año, de alguna forma la banda no quiso enlutarse por un tiempo muy prolongado y decidió editar este estupendo disco a modo de homenaje para su compañero y amigo fallecido sin mayores esperas. Y Qué mejor forma de hacerlo con un discazo que desborda rock n’ roll y buenas vibras por todas partes. Como dijo el mismo Guitarrista Angus Young: “Bon nos hubiera metido una patada en el culo si lo hubiéramos dejado” refiriéndose a la posibilidad de abandonar la banda.

Y llega el momento del debut de Brian Johnson en la banda. Hubo varios postulantes al puesto a decir verdad, pero la preferencia del mismo Bon Scott antes de morir era por este tipo de boina y reparador de techos y parabrisas de autos, lo cual iba a decantar por la decisión de que se quedara con el puesto, cosa lo cual el inglés vocalista no escatimó en celebrar de inmediato zampándose una botella de whisky completa aquel día de la elección.

Del disco qué decir: saltan a la vista los himnos del más puro néctar rockanrolero. Las campanas del infierno suenan en la partida de ‘Hell’s Bells’ en una de las aperturas más notables hechas en un disco de rock. Era la voz aguda de Johnson pero no al extremo de lo que nos tenía acostumbrado Bon Scott. Johnson encaja perfecto con este sonido un tanto mas “sofisticado” de los australianos. Acá la locura y el desenfreno musical baja un poco las revoluciones, pero lo hace con estilo.

Otra entrada de aquellas llega con ‘Shoot to Thrill’,  el segundo track. Angus Young soberbio en lo que mejor sabe hacer con su guitarra y ya no deja pasar mucho tiempo de duración de la canción para que caigamos rendidos ante la espectacular vocalización de Brian Johnson nuevamente, que se presentó como una más que digna carta de reemplazo para Bon Scott. Acto seguido los latigazos de ‘What Do You Do for Your Money Honey’ sacuden todo. Los electrizantes acordes de ‘Given the Dog a Bone’ que se repiten una y otra vez por el transcurso de la canción no hacen más que aumentar la euforia que produce este disco.

Un punto aparte con las dos canciones  que vienen pegadas en más o menos la mitad del disco, hablamos de ‘Back in Black’, en primer lugar, una canción pegadora infinitamente. Da la sensación que no importara cuántas veces la reproduzcas, es una canción eterna que no aburre nunca, su característico riff está dentro de los mejores de la historia y ciertamente fue la canción que hizo tan grande a este disco, fuera de la avalancha de buenas canciones de las cuales se nutrió esta producción. Otra inmensa es ‘You Shook Me All Night Long’, una simple historia de amor que Johnson interpreta con una genial dulzura y que crece enormemente con un coro maravilloso que incita a cantarlo a todo pulmón donde sea que la escuches.

Los solos y riffs alucinantes de guitarra en ‘Have A Drink On Me’ son la antesala del final del álbum casi, a la cual le sigue ‘Shake a Leg’, frase insigne en la esencia de la banda, muchas veces los hermanos Young han explicado que la música de AC/DC está hecha para “mover la patita” y la verdad mucho de razón tiene. ¿Quién no lo ha hecho al escuchar un disco de los australianos?

Hablar de la lírica del disco es como hablar de las letras de toda la carrera de AC/DC; noches de juerga, desenfreno, sexo y mucho rock and roll, que es a lo que esta banda se entrega en cuerpo y alma y que lo sabe transmitir como los mil demonios.

Se cierra esta obra magistral con ‘Rock and Roll Ain’t Noise Pollution’, declaración de principios y en clara respuesta al gobierno de Nueva Zelanda que denominó su música como “contaminación acústica”, el broche de oro con otro tema considerado himno a estas alturas.

Lo más notable de todo lo que envolvió esta temible placa es la capacidad prácticamente inmediata de sobreponerse de sus integrantes después de haber vivido tan fatal suceso como la muerte de su amigo Bon Scott. Tres días después de la muerte del cantante ya estaban componiendo los hermanos Young esta memorable obra.

La inclusión de Brian Johnson fue un acierto clave también para el éxito, a pesar de estar recién integrado se involucró en la composición de todos los temas del álbum y fue parte importantísima para la aceptación mundial de la continuidad de la carrera de AC/DC. Hasta el dia de hoy el viejo Johnson sigue batallándola pese a enfermedades y achaques, un hombre que seguramente morirá con las botas puestas, en el escenario y rockanroleando tanto como este disco, que se encumbra como uno de los más significativos e inmortales de la historia del rock.

Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: R.E.M. ‘Losing My Religion’

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Superhit indiscutido de la banda oriunda de Athens, Georgia. La canción reúne todos los elementos de una balada melódica, melancólica y su estructura en un ostinato llena de armonías de guitarra y mandolinas que siguen un mismo patrón rítmico, la hace una de las mas iluminadas de los líderes del college rock americano. Peter Buck compuso los acordes principales casi inconscientemente viendo la TV en su casa y con la mandolina prácticamente recién adquirida, en un momento en que ni se le pasó por la cabeza la relevancia que iba a traer consigo el resultado de su obra.

Pero no se queda tan solo por su bella composición, es una creación que se complementa con historias, paisajes, influencias artísticas e incluso anécdotas lo cual no deja de engrandecerla aún mas.

Hablar en los territorios sureños americanos (de donde proviene el cuarteto) del término “Losing My Religion” más de  lo que cualquiera pensaría a vuelo de pájaro de una pérdida de fe, significa perder la compostura o salir de tus casillas, más aún, Michael Stipe declaró la interpretación de esta frase en el sentido mas romántico de la palabra, como el de caer fuertemente enamorado de alguien al nivel de perder tus sentidos o tu estabilidad emocional. Muchas veces la banda tuvo que explicar bien este juego de palabras y el real significado que quisieron expresar en su lírica, sobretodo a los sectores católicos.

Y justamente este motivo, a lo que le podemos añadir la edición del videoclip en donde las imágenes de San Sebastián, deidades hindúes e inspiraciones de la pintura barroca de Caravaggio, redondean una imaginería religiosa en toda su envergadura, ya que plantearon la controversia en torno la religión. El corto nos muestra a un Michael Stipe moviéndose de un lado para otro, recogiéndose y bailando en un cuarto oscuro alternándose con estas imágenes divinas y en donde aparece un viejo con alas de ángel, aquí ya representando teatralmente al cuento de Gabriel García Marquez “Un Señor Muy Viejo Con Unas Alas Enormes”, que relataba la historia de un anciano decrépito alado que caía del cielo y que, recogido por una familia campesina, fue encerrado en un gallinero y expuesto a la vista de cientos de curiosos del pueblo como un fenómeno.

En más de una oportunidad la banda ha declarado esta canción, y sobre todo el disco ‘Out Of Time’ como el punto de inflexión, el momento que inesperadamente los catapultó al éxito y la fama a nivel mundial y en la cual dejaron definitivamente de ser la simple  banda de rock alternativo universitario (pese a tener ya seis discos en el cuerpo) y es la canción emblemática infaltable en cualquier concierto y que mejores dividendos les ha traído hasta el día de hoy.

*en 1991 la canción ganó un Grammy por  las categorías de mejor interpretación pop de un dúo o grupo con vocalista y mejor video musical corto.

*El responsable del aclamado video promocional es el director de cine indio Tarsem Sigh, el cual ha realizado películas como ‘The Cell’(2000) y ‘The Fall’(2006).

*Michael Stipe se refirió a la letra en una entrevista para la revista británica Q comparando el uso de la frase “Losing My Religion” con “Every Breath You Take” de The Police, en el sentido de estar enamorado de alguien hasta el punto de la obsesión.



‘Losing my Religion’ R.E.M.



Por Patricio Avendaño R.