ANTHRAX: Música para adorar

El reciente lanzamiento de Worship Music, el disco de estudio que trae de vuelta a Anthrax, uno de los cuatro grandes del heavy metal y miembros activos del aclamado Big Four junto a Metallica, Slayer y Megadeth, los ve en muy buena forma con un excelente disco lleno de canciones con mucha fuerza, actitud y mucho hard rock y heavy del bueno.

Música para adorar

Worship Music, el nombre de este nuevo disco, según lo que indicó el clásico baterista Charlie Benante, no hace mas que reivindicar el sentimiento del fan del heavy metal y el hard rock hacia sus bandas favoritas, la adoración casi religiosa que ellos mismos tuvieron y siguen teniendo a bandas como Led Zeppelin o Black Sabbath, de eso se trata en conceptos generales.

El disco incluye muchas referencias de este tipo como temas dedicados a Dimebag Darrel o Ronnie James Dio y a los mártires del rock en general. Es el caso de la canción ‘In the End’ o también una canción titulada ‘Judas Priest’ dedicada totalmente a la banda británica que es reconocida y clara influencia para el combo neoyorkino.

Los vaivenes de vocalistas y el gran regreso de Joey Belladona

Si bien uno de los puntos mas coyunturales que ha tenido la banda es la estabilidad de vocalistas durante algunos años. Desde el año 2005 en que la banda decidió reunir a la formación clásica de su disco Among the Living (1987), que dejó fuera de escena tanto a John Bush como a Rob Caggiano, y que las cosas se empezaron a complicar en esta materia. La banda jugó con entradas y salidas de integrantes momentáneos, lo cual terminó por desintegrar un poco las buenas relaciones en el entorno Anthrax.

Cuando terminó la gira con esta formación, Belladonna da un paso al costado como era lo ideado , por lo cual Anthrax volvió a necesitar los servicios de John Bush, el cual se negó dejando a la banda completamente desprovista de un frontman. Ante esto, y despues de un periodo en que incluso Corey Taylor de Slipknot  estuvo trabajando con ellos, se incorporó finalmente Dan Nelson. La idea es que fuera partícipe en las voces de  Worship Music. Pero los fans quisieron a John Bush de vuelta, incluso se realizó una campaña mediática de aquello, lo cual logró que el vocalista se reuniera a tocar unos shows durante el período 2009 y parte del 2010.

Pero la permanencia de Bush en la composición nunca se concretó , por lo cual, y para sorpresa de muchos se confirmó el 2010 la reincorporación de Joey belladona y su arribo junto a la banda para protagonizar una extensa gira mundial junto a los Big Four, incluso hasta el día de hoy. Se regrabaron las voces con Belladona para Worship Music y el resultado salta al vista: una increíble vuelta y una voz que no denota decaimiento alguno. El disco inclusive pareciera ser totalmente de los 90’s  escuchando la perfecta ejecución vocal de Belladonna.

¿De vuelta al thrash?

La reincorporación de Belladonna y los setlists totalmente ochenteros de sus recientes conciertos daban que hablar de una posible vuelta a las raíces en su sonido, pero al escuchar el disco caemos en cuenta que Anthrax mantiene la linea impuesta en gran parte de los 90’s en discos que marcaron la segunda etapa de la banda. Eso, en su gran porcentaje, ya que hay cortes que tienen mucho de la vieja escuela como ‘Fight Em’ Til You Can’t’ o  ‘Earth on Hell’, pero en el grueso de los temas el groove metal y el heavy con mucho gancho es la premisa.

Te dejamos con una reciente entrevista realizada a Joey Belladona y Rob Caggiano donde hablan de Worship Music y muchos otros puntos:

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Disco Inmortal: Iron Maiden-Powerslave (1984)

Un clásico de los británicos. Aparte de estar compuesto de las más emblemáticas composiciones se nutre de mucho concepto e historias en varias de sus canciones.1984 marcaba el corazón de una década brillante para Iron Maiden, la llegada de Bruce Dickinson en las voces y de Nicko McBrain en la batería compondrían una de las formaciones más sólidas y ya a esas alturas -y este disco ayudó mucho- la banda llegaba para reclamar el trono del heavy metal mundial, no sólo con grandes ideas musicales solventadas por el genio compositivo de Steve Harris, sino que también venía a reclamar que el factor intelectual y literario en las letras sería la gran “cosa Maiden” que finalmente los terminó marcando.

Vamos por parte, el disco abre de forma increíble con ‘Aces High’, una canción marcada por el tópico bélico de la Segunda Guerra Mundial y el orgullo británico  al recrear una disputa entre aviones de combate de la Royal Air Force británica vs la Luffwaffe alemana, lo cual fue un gran triunfo para los ingleses y una importante consecuencia para el desenlace de la misma guerra. En su versión audiovisual el tema es precedido de un discurso de Winston Churchill, lo cual para la gira en vivo también fue asimilado. Por lo demás es un bombazo para arrancar el disco, de espíritu punk, los riffs y beats de batería que suenan a todo cañón  hacen de intro para la impecable entrada de guitarra y unos solos impresionantes para una canción que no deja respiro alguno y nos entrega energía pura y combativa.

En ‘2 Minutes to Midnight’ se hace clara referencia al llamado reloj del apocalípsis, que es un reloj simbólico inventado por una revista de la Universidad de Chicago para alertar acerca de las amenazas de peligro de la energía nuclear, es de suponer que este nunca llega a marcar la medianoche, pero las manecillas cuando más cerca lo estuvieron fue en 1953 después de pruebas nucleares realizadas por USA y la Unión Soviética de aquel entonces. La canción es un emblema en la discografía de la banda e infaltable en sus conciertos por lo demás.

La instrumental ‘Losfer Words (Big ‘Orra)’ aparece muy bien ubicada tras estos dos bombazos, el  bajo de Steve Harris suena impresionantemente bien y se lucen los solos y las ejecuciones de Adrian Smith y Dave Murray más la fuerza en la batería de Nicko McBrain que es simplemente sólida. Acto seguido y muy bien pegada suena la aguerrida ‘Flash of the Blade’. Hasta este momento este disco no da ni el menor atisbo de respiro. Lo mismo sucede en ‘The Duellists’, donde los riffazos marcados con el poder del bajo de Harris y los  grandilocuentes solos mas la épica voz de Bruce Dickinson continúan esta estupenda aventura de disco.

Con ‘Back on the Village’ el nivel de furia se mantiene a las mismas revoluciones por minuto y en el grandísimo ‘Powerslave’, que de paso titula al disco y continúa una especie de saga que ya había sido descrita primeramente en ‘Revelations’ de su disco Piece of Mind, donde se cuenta acerca de supuestas experiencias del mago ocultista Aleister Crowley en Egipto. La majestuosidad de las pirámides en el viaje de la doncella a  Egipto dio pie para estas composiciones y de paso al arte del disco, donde el rostro de Eddie es puesto en la cara de una gigantesca esfinge. Steve Harris siempre se ha interesado por el estudio de  las culturas y civilizaciones, y si cuentan con cuotas de misterio y misticismo tanto mejor para el compositor.

Para el cierre llega otro tema con referencias literarias claras: se trata de ‘The Rime of Ancient Mariner’, el tema más largo del álbum y de su historia en realidad, con más de trece minutos relatando este cuento del escritor inglés Samuel  Taylor Coleridge,  que de forma fantástica trata de transmitir un mensaje ecológico, el marinero en cuestión que es castigado por matar a un albatros en un barco y es enfrentado a la misma muerte por parajes llenos de sufrimiento y seres extraños.Es el broche de oro para una gran obra de la doncella de hierro, se reúne misticismo, literatura clásica, civilizaciones, alerta de invasiones y guerra en un solo disco que se complementa a la perfección con toda la técnica e inmejorable ejecución musical.

Hay otros de Iron Maiden, para muchos también son  grandes el 7th Son of the 7th Son, el The Number of the Beast‘ o el mismo Piece of Mind, pero este disco da notables clases de cómo hacer una real obra de arte complementando buena música y conceptos culturales netos.

Por Patricio Avendaño R.

The Vaselines

El único disco de esta mítica banda Oriunda de Edimburgo, Escocia y toda una gema digna de comentar.
El disco se grabó entre 1988 y 1989 y fue publicado por el sello 53rd & 3rd Records justo antes que este desapareciera.
Los escoceses para este disco impusieron el estilo mas garage punk rock que sus singles publicados anteriormente en que la tendencia era mas folk.
Cabe decir que una de las principales importancias de este disco es lo que iba a influenciar notablemente en el sonido inicial de Nirvana y de ahí su trascendencia. Sin ir mas lejos Kurt Cobain comentó en algún momento que era su banda fetiche y la consideraba la segunda mejor de la historia del rock, tras la primera: The Beatles. Y su hija Frances fue bautizada a modo de homenaje a la vocalista de la banda Frances McKee.
El disco abre con ‘Sex Sux’ sonando a The Stooges con una onda indie-noise brillante bailable totalmente, en ‘Slushy’ y ‘No Hope’ se recaptura el sonido Velvet Underground y los juegos vocales entre McKee y Eugene Kelly evocan esa esencia casi en todo momento de la placa.
Se siguen sucediendo geniales canciones que prenden al primer contacto como ‘Monsterpussy’ y ‘Teenage Superstar’. En ‘Oliver Twisted’, juego de palabras haciendo guiños al libro del famoso escritor Charles Dickens vuelve el folk de canciones realizadas  en sus inicios y con un violín invitado otorgándole un buen plus.
Por esos años la banda tuvo serios problemas por el contenido polémico anti-católico de sus letras, incluso llegaron a ser censurados en varias ocasiones. En canciones como ‘Dum Dum’ hasta invocan a  Satanás en el mejor sentido irónico de la palabra.
Es una verdadera lástima la escueta existencia de esta banda, pero lo mismo es lo que los ha llevado a convertirse en una banda de culto.
Para el amante del sonido indie, garage rock y post punk y amante de las guitarras sucias y sonidos con mucha onda dentro del contexto alternativo esta producción es fundamental y sobretodo para entender el sonido que se vivió a principios de los 90 en Seattle. Todo un clásico inmortal.

Dream Theater y su nuevo disco: El fin de la teleserie Mike Portnoy

Nos vamos a remontar a septiembre del año pasado, cuando para sorpresa y/o estupor de muchos fans de la banda de metal progresivo Dream Theater, su emblemático baterista Mike Portnoy decidió abandonar de forma permanente la agrupación dada la no aceptación de parte de los demás integrantes por una petición de descanso de parte de Portnoy durante el período 2011. En una muy emotiva carta el baterista se despide oficialmente de sus fans y da el tema por cerrado.

Ante este quiebre- porque eso es lo que fue, prescindir del miembro fundador y compositor activo de la mayoría de las canciones-la banda no tuvo mas remedio que convocar a un concurso para reclutar al que sería el nuevo baterista, una misión mas que particular por todo lo que representó Mike Portnoy. Sobretodo desde el plano técnico de la utilización del instrumento, es decir, no cualquiera podía sustituirlo.

Y para darle una especie de espectacularidad al asunto, las audiciones fueron grabadas por el sello Roadrunner Records en una suerte de reality show, donde todos los postulantes hicieron mella de su talento y técnica al máximo grado de exigencia, teniendo que tocar grandes clásicos de la banda supervisados en el acompañamiento en tiempo real de los experimentados integrantes de esta superbanda, lo cual no fue  para nada menor.

De los postulantes podemos decir que todos estuvieron a la altura de las circunstancias, unos mas que otros , he aquí la lista, como podemos ver cual mejor dotado y experimetado que el otro:

*Aquiles Priester         ( 39)      (Angra, Paul Di’Anno)

* Peter Wildoer             ( 36)     (Darkane)

* Marco Minnemann   ( 40)       (Kreator, Necrophagist, Ephelduat, Joe Satriani)

* Virgil Donati                ( 52)       (Planet X, Seven The Hardway)

* Derek Roddy                ( 38)      (Hate Eternal, Nile, Today Is The Day)

* Mike Mangini                ( 48)       (Steve Vai, Extreme, Annihilator)

* Thomas Lang                ( 43)      (John Wetton, Robert Fripp, Glenn Hughes)

Y el elegido fue Mike Mangini. La decision de la banda como queda plasmada en este reality/audición que será editado en DVD, nos deja la sensación que el carisma fue lo que primó en la banda al momento de tomar esta importantísima decisión. Mangini, aparte de conocer y tocar magistralente cada uno de los temas de la banda , requisito que era mas que fundamental para superar la prueba, fue lejos el mas carismático, sonreía, bromeaba , hizo alarde de su experiencia con piruetas con las baquetas y derrochó técnica con una soltura que terminó por encantar a la banda. Cabe decir también que su humildad fue factor primo para recibir el cetro, incluso al ser notificado telefónicamente soltó muchas lágrimas y su felicidad no esperó para hacerse notar.

Es el comienzo de un nuevo ciclo para una banda que ha estado en continuo ritmo, lo cual terminó por ser una de las razones de peso para que Mike Portnoy abandonara. Como él mismo declaró: “no puedo seguir, la máquina DT me quema y necesito descansar”. Portnoy después de Dream Theater ha seguido con su carrera de todas maneras, inmediatamente después de su ruptura ingreso a grabar el disco Nightmare, junto a sus amigos de Avenged Sevenfold, banda en la que se pensó se quedaría estable pero no fue así. La banda decidió que no sería de la partida para su gira, según lo preestablecido en común acuerdo. El músico actualmente se encuentra trabajando con Russel Allen (Symphony X) en una nueva banda llamada Adrenaline Mob.

En tanto Dream Theater está lanzando su disco A Dramatic Turn Of Events, del cual ya han mostrado su primer single titulado ‘On The Backs Of Angels’.

Puedes ver aquí el documental The Spirit carries On , el cual trata del proceso de selección del nuevo baterista:

Parte 1

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Parte 2

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Helmet: Radiografía del sonido de toda una generación

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Formados en Nueva York con el baterista John Stainer, Pete Mengede en la guitarra y Henry Bogdan en el bajo y  siempre bajo la total tutela de Page Hamilton, líder indiscutido, Helmet logró imponer un nuevo estilo en el metal a partir de la década de los noventa, fusionando el post-hardcore con algo de grunge para derivar a un metal de riffs cortantes, cambios de ritmo constantes y que de alguna manera se iba a patentar desde esa década en adelante con bandas símiles como Pantera, White Zombie y Prong, entre otras.

Debutan en 1990 con Strap it On, un disco autoproducido bajo la etiqueta independiente Amphetamine Records, un disco lleno de riffs agresivos y voces llenas de furia gentileza de la portentosa garganta de Hamilton. Esta fórmula tan innovadora captó la atención de la multinacional Interscope, la cual concreta un contrato con la banda en 1992 y se edita In The Meantime, quizá hasta el día de hoy fundamental en la escena del metal alternativo americano y mundial. La producción que estuvo a cargo de  Steve Albini (In Utero, Nevermind), y remezclado por Andy Wallace, que ha trabajado con innumerables grupos de la camada alternativa noventera, alcanza un sonido notablemente mucho mejor que el del primer disco. Aquí los riffs machacantes y la voz desgarradora de Hamilton se perfeccionan hasta llegar a su total porcentaje de efectividad. Tracks simplemente demoledores como ‘In the Meantime’, ‘Iron head’ la cual cuenta con un riff incesante que no hace mas que incitar al headbanger una y otra vez, la impecable ‘Unsung’ marcada por una intro con una notable linea de bajo para derivar a los mismos riffs que se esparcieron por todo el disco cual bombardeo atómico. Es un disco de metal, de un nuevo metal, entretenido, fácil de digerir pero por sobre todo potente, una marca registrada que dio pie para toda una seguidilla de discos del estilo de aquí en adelante.

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Los cambios de formación iban a ser constantes en la banda, partiendo en 1993 con la salida del guitarrista Peter Mengeda y la inclusión de Rob Echeverría en su reemplazo. Colaboran para la banda sonora de la película Judgment Night con el single ‘Just Another Victim’, que graban junto a  House Of Pain en una especie de cruza de bandas metal con hip-hop.

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El debut entonces de Echeverría sería en Betty de 1994 , un disco que alternó mas con sonidos jazz e incluso blues, por ende la parte mas purista de Helmet no recibió muy bien el disco llegando a vender solo alrededor de 275.000 copias en USA, bastante escueta la venta considerando que Meantime ya a estas alturas era disco de oro.

Despues de la gira de Betty, Echeverría deja la banda para unirse a los también neoyorkinos Biohazard, quedando Helmet en formato de powertrío y así graban en 1997 Aftertaste, donde tratan de volver a sonar como en Meantime pero sin el éxito estimado logrado con aquella placa. Aún así destaca el potente single ‘Exactly What You Wanted’. Para la gira de promoción del disco se les une Chris Traynor en la guitarra rítmica. Su relación para con su casa discográfica Interscope se estaba poniendo tensa y ya la popularidad del grupo empezó a decaer por lo cual se disuelven tras la gira de Aftertaste.

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De alguna manera a Hamilton siempre le atrajo colaborar con soundtracks para películas hollywoodenses y en los siguientes años se dedica a aquello, trabajó para las bandas sonoras de  Catwoman, S.W.A.T., Titus, Saw entre otras. También editan el single ‘Milktoast’, que fue incluído en la primera entrega de la película The Crow junto a Helmet en 1994.

Siempre inquieto musicalmente Hamilton aprovechó de pulir sus dotes lo que lo llevó incluso a tocar la guitarra junto al gran David Bowie en su gira solista.Hecho esta serie de colaboraciones y proyectos finalmente decide reunificar a Helmet para el 2004, aunque al momento de convocar a los originales John Stainer y Henry Bogdan no obtuvo respuesta positiva, dado que ambos se encontraban inmersos en proyectos propios, Stainer junto a Tomahawk y The Mark Of Cain y Bogdan por esos años se embarcó en gira junto a los británicos Bush, en el marco del tour promocional del disco Golden State. Ante esto Hamilton recurre a John Tempesta (White Zombie, Testament), para encargarse de la batería y mantiene a Chris Traynor en la guitarra. Es así como entran a los estudios a grabar Size Matters el año 2004. Para la gira se incorpora también Frank Bello (Anthrax), aunque a mitad de esta los deja y en su reemplazo entra Jeremy Chatelain. El disco en sí, si bien mantiene la potencia de los germinales discos de la banda, tampoco logra superar las expectativas de algo que supere a sus placas de principios de los noventa.

Al año siguiente Tempesta deja la plaza de batero y en su reemplazo entra Mike Jost y en la guitarra entra Anthony Truglio dejando a Chris Taynor en el puesto de bajista dejado por Bello, es así como graban Monochrome con Waccon Records, dejando a Interscope debido a serias desaveniencias y problemas legales. Con esta placa giran en el denominado Warped Tour 2006 junto a bandas como Rise Against, NOFX o Every Time I Die entre muchas otras.

En el 2010 vuelven con otra formación y la final deserción después de 10 años de Chris Taynor, la banda quedaría así: con John Fuller (bajo), Kyle Stevenson (batería) y Jimmy Thompson (guitarra).

Finalmente Hamilton logra zafar de sus impases con la discográficas y edita Seeing Eye Dog con Work Song Records que, al parecer le ha otorgado muchas mas libertad de composición y manejo de los negocios relacionados con la banda. El disco es brutal de principio a fin ,como es el común de las obras de los neoyorkinos, la voz de Hamilton peca de desgastada (de alguna manera los años de circo pasan la cuenta), pero de todas maneras canciones como ‘Seeing Eye Dog’ o ‘In Person’, quizá como nunca logran recuperar el espíritu de su aclamado Meantime de 1992. Mas aún inclusive como en el tema ‘LA Water’, arremetiendo en terrenos poco explorados como la sicodelia, algo de alguna manera inexplorado por la banda.

Lo que queda claro es que Helmet es Page Hamilton y Page Hamilton es Helmet, un hombre que a fuerza de tropiezos y autocrítica ha sabido mantener en pie su engendro mas preciado. Siete discos de estudio y una importante reputación en el medio finalmente saca cuentas alegres para el neoyorkino y el orgullo de haber sentado las bases del metal alternativo hace 20 años atrás lo avalan.

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Helmet al fin estará en nuestro país, luego de una fallida y demasiado lamentable caída de show de hace un par de años. Insertos en Festival Rockout será una de las más grandes bandas incluídas en el evento. ¿Perderselos? sería una tontera.

Por Patricio Avendaño R.

Disco Inmortal: Faith No More “Angel Dust” (1992)

Dejando las discrepancias de lado, elegimos este disco de Faith No More como el más inmortal de los inmortales debido a su causa y consecuencia. Es un disco muy distinto a su antecesor The Real Thing, donde vemos al talentoso Mike Patton por primera vez colaborando musicalmente y dicho sea de paso, ¡como le cambio la cara al conjunto! Si bien ya el horizonte musical  estaba en apertura de miras, es acá donde realmente empiezan a experimentar con diversos estilos, llámese pop, soul, rock progresivo, coros gospel, distorsionadores de voz y samplers, entre otras cosas.

Arranca, o más bien irrumpe con un amenazante riff de guitarra y un bajo a cargo de Mr. Gould con ‘Land Of Sunshine’, una canción llena de matices, cambios drásticos de ritmo, voces en primer y segundo plano y un teclado que cumple un papel preponderante. Uno de los arranques mas demoledores e impresionantes para un disco del género. Acto seguido los ladridos y aullidos de perros y un riff machacante que nos lleva directo al headbanger para ‘Caffeine’, la voz de Patton en distintos tópicos, al borde de lo gutural, en los coros con un estilo semigangoso, y una batería que extrema su fuerza casi al borde de la destrucción de la caja, un muy rítmico beat de batería mas la ensombrecida voz de Patton, que actúa nuevamente en distintos matices consiguen prácticamente la perfección, el coro “you’re Perfect, yes, it’s true, but without me it’s only you” seguramente uno de los más cantados a todo pulmón en sus presentaciones, todo un hit, oscurísmo pero hit indiscutido. El hermoso y angelical piano que se repetirá constantemente en ‘RV’ más el speech casi esquizofrénico de Patton nos da pie como para comentar que esta es una de las canciones más bizarras, incluso hasta el día de hoy compuestas por el cuarteto.

La cantidad de canciones innovadoras es increíble, en ‘Everything’s Ruined’, la combinación de pianos, marca del bajo, juegos vocales de Patton y riffs completamente heavymetaleros es notable. Para ‘Malpractice’, nos encontramos con una canción delirante, industrial, donde el desenfreno y la locura es total, la mano de Patton en la manufactura de este tema pesa, lo ecléctico de la escuela Mr. Bungle recae aquí con todas sus letras. Otra obra de alta factura se nos deja caer con ‘Kindergarten’, un rapeo de Patton se entrecruza con potentes riffs y un coro con una melodía totalmente coreable e inolvidable.

El disco gusta por sus melodías, eso está claro, y todo un sinfín de experimentaciones sonoras logran el cometido; digamos que esa es la gran gracia de la placa. La tenebrosa intro de órgano sólo es la antesala para un tema funky muy groovie como ‘Be Aggresive’, dotado de ese particular coro con voces femeninas deletreado tal cual “B-E A-G-G-R-E-S-I-V-E”, otro hitazo por donde se le mire.

Como si esto fuera poco y ya adentrándonos en las tres cuartas partes de la placa aparece ‘A Small Victory’, casi con una tierna vocalización de Patton al comienzo y una letra implacable, un show de scraths y una intensa cúspide de riffs para un final de antología con la empecinada frase “you still Won’t Hear” (sigues sin escuchar). Nuevamente el vigoroso bajo de Gould marca la sentencia en ‘Crack Hitler’, la distorsión de voz otorga un lúgubre encuentro con el característico “hail” de los soldados de la Alemania Nazi en son de saludo al temible führer, coros gospel por doquier, un hermoso caos que finiquita de sopetón. La pesadísima ‘Jizzlober’ nos aguarda casi para el final  con los gritos viscerales de Patton que, cual pulga en el oído, no dan respiro alguno alrededor de toda la placa. Un órgano de iglesia da un punto final a una obra maestra y un disco que se hace cada vez mas inmortal.

Hablar de los bonus nunca está demás, la bella melodía instrumental de ‘Midnight Cowboy’ nos remonta a una noche cálida en el viejo oeste, de esas de las películas de Clint Eastwood, casi al borde de lo onírico.

También la reedición japonesa contó con ‘Easy’, la canción original de Lionel Richie que ya a estas alturas emitir cualquier tipo de comentario sobraría, una belleza de cover. Además se incluyó la regrabación del gran tema ‘As The Worm Turns’, del disco debut de la banda donde la interpretación correría por cuenta de Chuck Mosely, esta vez con la voz de Patton y con una ingeniería de sonido con creces mejorada gracias al trabajo de  Matt Wallace, la canción recobra vida y con un plus formidable.

Curiosamente este disco marcó la salida del guitarrista Jim Martin, quien no estuvo de acuerdo con el giro musical que estaba llevando la banda, apelando a que estaban dejando el heavy metal (seguro lo pensó en el sentido más purista), pero FNM tomó este camino y no importaron las consecuencias que podría traer y eso es algo que se agradece hasta el día de hoy.

No es extraño que hoy en día la banda en sus setlists en vivo compongan por mas del cincuenta por ciento de esta placa, donde la creatividad e innovación musical fluyó en demasía, es quizá el mejor disco de rock alternativo de los noventas y su influencia marcó tendencia en lo que se iba a hacer de ahí en adelante, sin ninguna duda.

Patricio Avendaño R.

 

Creedence Clearwater Revival

La verdad  costó diferir  cual es el disco mas clásico o el mas inmortal de esta tremenda banda oriunda de la localidad de El Cerrito, California.

1969 fue un año extremadamente productivo para los CCR, la cantidad de canciones compuestas en esa temporada fue impresionante , predecedidos por dos álbumes de excelente factura como Green River y Bayou Country. Perfectamente pudieron haber hecho algo mas ambicioso como unir el sinfín de composiciones en un gran disco doble, pero la calidad y, bueno, la discográfica Fantasy Records tambíen comercialmente así lo prefirió,para no pecar de bobos.
La elección tiene que ver mas que nada por el sencillo hecho que de estas tres joyas esta fue de gran manera una de  las mejores trabajadas, los americanos estaban en la cúspide de su lucidez compositiva y revisando los tracks queda mas que demostrado.

Vamos al disco en cuestión, y que mejor canción para abrir que ‘Down On The Corner’, dando cuenta desde el inicio del espíritu de conciencia sociopolítica de la cual se nutriría este disco, una apacible melodía infestada de rock sureño. Hitazo y pieza fundamental a través de décadas para la banda y el rock clásico en general.
Si la banda termina su nombre con la palabra ‘revival’ no es por nada, la concepción del grupo siempre estuvo centrada en rememorar lo mejor del rock n’ roll de los cincuentas y en ‘It Come Out Of The Sky’ se hace mas latente que nunca. En ‘Cotton Fields’, original del mítico blusero Leadbelly hacen una suerte de canción playera que ya se la querrían los Beach Boys. El solo de harmónicade John Fogerty  junto a la rítmica  guitarra de su hermano Tom nos sirve de buen preludio para esa bateria que entra anunciando algo espeluznante, se trata de la oscura ‘Feelin Blue’, que se toma todo el tiempo del mundo para ir avanzando a un sigiloso paso hasta encontrarse con su fadeout final correspondiente.

La fusión de folk, country , blues y rock & roll que nos regala este disco se hace mágica en la ejecución de estos genios, ‘Fortunate Son’, una de las canciones de protesta mas comentadas de la historia.En sus cortos dos minutos y fracción cala hondo los huesos y de pasada abofetea al Tio Sam en el rostro, a la burguesía y el abuso de poder ejercido por el gobierno y la milicia norteamericana de aquel entonces.
La sureña ‘Don’t Look Now’ suena de  entrada con Fogerty con un falsete donde nos recuerda fácilmente a Elvis Presley. A continuación otro de los aclamados grandes clásicos de la banda: ‘The Midnight Special’, sin ser una canción que apele alos dotes virtuosos de los californianos, cumple su cometido gracias a sus pegajosos coros y estribillos. No así el caso del instrumental ‘Side Of The Road’, donde la mano de John Fogerty se reencuentra con el blues y de paso enciende una de las luces mas altas del disco, con unos solos de antología como solo el supo hacerlos durante toda su carrera.

Para el final cerramos esta obra magna con ‘Effigly’, un tema de otra dimensión, para los que no nos conformamos con los hits de la banda, caemos en cuenta que aquí es donde están las verdaderas gemas, una intro de melodía sombría y una guitarra blusera que persiste jugando con los estribillos y que encuentra en el final su total clímax con un alucinante solo que es apagado nuevamente por un fade out que quizá nunca quisieramos que apareciera. Este es un broche de oro con todas sus letras.

Como dijimos, es muy probable que no estemos de acuerdo con cual es el mejor disco de la banda, pero en esta obra encontramos a unos Creedence mas que inspirados. Quizá sea el año , el otoño o el fiato inmenso que lamentablemente después se diluiría, pero este conjunto de canciones brillantes , sin duda, lo hace un clásico inmortal.

Accidentes aéreos en la historia del rock: Vuelo sin Retorno


1.El Día Que Murió la Música:

El fatídico día 3 de febrero de 1959, y en medio de una gira que reunía superestrellas del Rock and Roll  de aquel entonces, los ídolos Ritchie Valens de 17 años, Buddy Holly de 22, Jiles Perry Richardson, más conocido como”The Big Bopper” de 28, no pudieron zafar de una noche de tormenta sobre Iowa en una avioneta maniobrada por un inexperto piloto como Roger Peterson, quien tampoco logró sobrevivir.

El destino jugó su peor pasada, ya que la idea de alquilar un avión se le ocurríó a Buddy Holly, en un tour que estaban llevando por tierra a través de un bus, pero debido a las malas condiciones que este ofrecía (no contaba con calefacción adecuada lo cual provocó el resfrío de varios integrantes del tour), se recurrió a este fatal “plan B”.

El hecho quedó marcado como “El día en que murió la música” y el cantautor folk norteamericano Don McLean dedicó su canción ‘American Pie’ en honor a los fallecidos. Ritchie Valens pese a su corta edad alcanzó a tener varios éxitos destacando ‘La Bamba’, que mas tarde inmortalizarían Los Lobos. Por lo demás el cantante logró impulsar la iniciativa para artistas nuevos y el Rock and Roll cantado en español.

Por su parte Buddy Holly es considerado como uno de los pioneros y precursores del Rock and Roll durante la década de los 50, e influencia reconocida de muchos artistas de la talla de The Beatles, Bob Dylan o The Rolling Stones entre muchos otros.

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2. Juegos Fatales.

Uno de los accidentes mas absurdos de la historia del rock. El 19 de marzo de 1982, en medio de una gira junto a Ozzy Osbourne y mientras se dirigían a un Festival en Orlando, Florida, el talentoso guitarrista Rhandy Rhoads pierde la vida al estrellarse con una casa.

Al parecer todo se debió a una especie de “juego” que empezó a realizar el piloto Andrew Aycock, quien sobrevolaba el bus donde se encontraba el resto del personal de la gira, el piloto pasó volando tan cerca del bus con el propósito de asustar a los  que se encontraban en él, pero la suerte no lo acompañó y en una pasada le pegó con el ala , lo cual hizo que la avioneta se desviara hacia una morada, que terminó  por estrellarlos y no dejar a nadie con vida. También dentro de la avioneta se encontraba la maquilladora Rachel Youngblood.

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3. El alma de blues que quedó en el cielo.

Stevie Ray Vaughan estaba en un período en el cual estaba volviendo al ruedo después de dejar en stand by su carrera debido a serias adicciones a los estupefacientes. El 26 de agosto de 1990 SRV y Double Trouble actuaron en el Alpine Valley Music Theatre de la localidad East Troy (Wisconsin), al terminar el show,  se estrelló en un helicóptero junto a cuatro personas mas que eran parte del equipo de Eric clapton y que se dirigían con rumbo a Chicago. En esta ocasión también el clima y la inexperticia del piloto jugaron la peor de las pasadas.

La muerte del tejano es una de las mas sentidas en el mundo del blues y el rock en general, la destreza e innovación con la cual aportó siempre será inolvidable. Un músico de la herencia directa de la escuela Jimi Hendrix y que para muchos es considerado su mejor alumno.

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4.La maldicíon del rock sureño americano.

A veces se ha pensado que el rock sureño americano está maldito, debido a los trágicos desenlaces tanto como para The Allman Brothers-banda que perdió a dos de sus mas talentosos integrantes en impactantes choques en motocicleta-como también para los Lynyrd Skynyrd, que el 20 de octubre de 1977 en un viaje aéreo a través de  Gillsburg, Mississippi, murieron el cantante, Ronnie Van Zant, el guitarrista, Steve Gaines, su hermana, la corista Cassie Gaines y el mánager Dan Kilpatrick.

Durante la década de los ochenta el hermano menor del fallecido vocalista, Johny Van Zant, revive la banda en un estilo un poco mas hard rock, mas que nada a modo de tributo que de una seria continuidad. que la banda ha seguido adelante, el período de oro siempre quedó en a memorabilia del rock con la formación original que falleció de esta forma tan abrupta.

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5. Una gran voz se apaga

Una de las muertes mas sentidas en pleno período del auge del soul sin duda que fue la de Otis Redding, justo en su mejor momento, había alcanzado el número 1 con la canción ‘Sittin’ the Dock of the Bay’. Una voz extremadamente talentosa que podía cubrir diversos matices.  tan sólo 3 minutos de su destino, el avión que lo llevaba a él  junto a su banda de soporte, los Bar-keys, se estrelló en las afueras de Madison, exactamente en Lake Monona.

Múltiples tributos han ocurrido desde que esta gran voz nos dejó a sus cortos 26 años, entre los cuales se destaca la gran versión para su tema ‘Hard To handle’ grabada por The Black Crowes en su disco debut de 1990.

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