The Vaselines

El único disco de esta mítica banda Oriunda de Edimburgo, Escocia y toda una gema digna de comentar.
El disco se grabó entre 1988 y 1989 y fue publicado por el sello 53rd & 3rd Records justo antes que este desapareciera.
Los escoceses para este disco impusieron el estilo mas garage punk rock que sus singles publicados anteriormente en que la tendencia era mas folk.
Cabe decir que una de las principales importancias de este disco es lo que iba a influenciar notablemente en el sonido inicial de Nirvana y de ahí su trascendencia. Sin ir mas lejos Kurt Cobain comentó en algún momento que era su banda fetiche y la consideraba la segunda mejor de la historia del rock, tras la primera: The Beatles. Y su hija Frances fue bautizada a modo de homenaje a la vocalista de la banda Frances McKee.
El disco abre con ‘Sex Sux’ sonando a The Stooges con una onda indie-noise brillante bailable totalmente, en ‘Slushy’ y ‘No Hope’ se recaptura el sonido Velvet Underground y los juegos vocales entre McKee y Eugene Kelly evocan esa esencia casi en todo momento de la placa.
Se siguen sucediendo geniales canciones que prenden al primer contacto como ‘Monsterpussy’ y ‘Teenage Superstar’. En ‘Oliver Twisted’, juego de palabras haciendo guiños al libro del famoso escritor Charles Dickens vuelve el folk de canciones realizadas  en sus inicios y con un violín invitado otorgándole un buen plus.
Por esos años la banda tuvo serios problemas por el contenido polémico anti-católico de sus letras, incluso llegaron a ser censurados en varias ocasiones. En canciones como ‘Dum Dum’ hasta invocan a  Satanás en el mejor sentido irónico de la palabra.
Es una verdadera lástima la escueta existencia de esta banda, pero lo mismo es lo que los ha llevado a convertirse en una banda de culto.
Para el amante del sonido indie, garage rock y post punk y amante de las guitarras sucias y sonidos con mucha onda dentro del contexto alternativo esta producción es fundamental y sobretodo para entender el sonido que se vivió a principios de los 90 en Seattle. Todo un clásico inmortal.

Dream Theater y su nuevo disco: El fin de la teleserie Mike Portnoy

Nos vamos a remontar a septiembre del año pasado, cuando para sorpresa y/o estupor de muchos fans de la banda de metal progresivo Dream Theater, su emblemático baterista Mike Portnoy decidió abandonar de forma permanente la agrupación dada la no aceptación de parte de los demás integrantes por una petición de descanso de parte de Portnoy durante el período 2011. En una muy emotiva carta el baterista se despide oficialmente de sus fans y da el tema por cerrado.

Ante este quiebre- porque eso es lo que fue, prescindir del miembro fundador y compositor activo de la mayoría de las canciones-la banda no tuvo mas remedio que convocar a un concurso para reclutar al que sería el nuevo baterista, una misión mas que particular por todo lo que representó Mike Portnoy. Sobretodo desde el plano técnico de la utilización del instrumento, es decir, no cualquiera podía sustituirlo.

Y para darle una especie de espectacularidad al asunto, las audiciones fueron grabadas por el sello Roadrunner Records en una suerte de reality show, donde todos los postulantes hicieron mella de su talento y técnica al máximo grado de exigencia, teniendo que tocar grandes clásicos de la banda supervisados en el acompañamiento en tiempo real de los experimentados integrantes de esta superbanda, lo cual no fue  para nada menor.

De los postulantes podemos decir que todos estuvieron a la altura de las circunstancias, unos mas que otros , he aquí la lista, como podemos ver cual mejor dotado y experimetado que el otro:

*Aquiles Priester         ( 39)      (Angra, Paul Di’Anno)

* Peter Wildoer             ( 36)     (Darkane)

* Marco Minnemann   ( 40)       (Kreator, Necrophagist, Ephelduat, Joe Satriani)

* Virgil Donati                ( 52)       (Planet X, Seven The Hardway)

* Derek Roddy                ( 38)      (Hate Eternal, Nile, Today Is The Day)

* Mike Mangini                ( 48)       (Steve Vai, Extreme, Annihilator)

* Thomas Lang                ( 43)      (John Wetton, Robert Fripp, Glenn Hughes)

Y el elegido fue Mike Mangini. La decision de la banda como queda plasmada en este reality/audición que será editado en DVD, nos deja la sensación que el carisma fue lo que primó en la banda al momento de tomar esta importantísima decisión. Mangini, aparte de conocer y tocar magistralente cada uno de los temas de la banda , requisito que era mas que fundamental para superar la prueba, fue lejos el mas carismático, sonreía, bromeaba , hizo alarde de su experiencia con piruetas con las baquetas y derrochó técnica con una soltura que terminó por encantar a la banda. Cabe decir también que su humildad fue factor primo para recibir el cetro, incluso al ser notificado telefónicamente soltó muchas lágrimas y su felicidad no esperó para hacerse notar.

Es el comienzo de un nuevo ciclo para una banda que ha estado en continuo ritmo, lo cual terminó por ser una de las razones de peso para que Mike Portnoy abandonara. Como él mismo declaró: “no puedo seguir, la máquina DT me quema y necesito descansar”. Portnoy después de Dream Theater ha seguido con su carrera de todas maneras, inmediatamente después de su ruptura ingreso a grabar el disco Nightmare, junto a sus amigos de Avenged Sevenfold, banda en la que se pensó se quedaría estable pero no fue así. La banda decidió que no sería de la partida para su gira, según lo preestablecido en común acuerdo. El músico actualmente se encuentra trabajando con Russel Allen (Symphony X) en una nueva banda llamada Adrenaline Mob.

En tanto Dream Theater está lanzando su disco A Dramatic Turn Of Events, del cual ya han mostrado su primer single titulado ‘On The Backs Of Angels’.

Puedes ver aquí el documental The Spirit carries On , el cual trata del proceso de selección del nuevo baterista:

Parte 1

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Parte 2

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Helmet: Radiografía del sonido de toda una generación

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Formados en Nueva York con el baterista John Stainer, Pete Mengede en la guitarra y Henry Bogdan en el bajo y  siempre bajo la total tutela de Page Hamilton, líder indiscutido, Helmet logró imponer un nuevo estilo en el metal a partir de la década de los noventa, fusionando el post-hardcore con algo de grunge para derivar a un metal de riffs cortantes, cambios de ritmo constantes y que de alguna manera se iba a patentar desde esa década en adelante con bandas símiles como Pantera, White Zombie y Prong, entre otras.

Debutan en 1990 con Strap it On, un disco autoproducido bajo la etiqueta independiente Amphetamine Records, un disco lleno de riffs agresivos y voces llenas de furia gentileza de la portentosa garganta de Hamilton. Esta fórmula tan innovadora captó la atención de la multinacional Interscope, la cual concreta un contrato con la banda en 1992 y se edita In The Meantime, quizá hasta el día de hoy fundamental en la escena del metal alternativo americano y mundial. La producción que estuvo a cargo de  Steve Albini (In Utero, Nevermind), y remezclado por Andy Wallace, que ha trabajado con innumerables grupos de la camada alternativa noventera, alcanza un sonido notablemente mucho mejor que el del primer disco. Aquí los riffs machacantes y la voz desgarradora de Hamilton se perfeccionan hasta llegar a su total porcentaje de efectividad. Tracks simplemente demoledores como ‘In the Meantime’, ‘Iron head’ la cual cuenta con un riff incesante que no hace mas que incitar al headbanger una y otra vez, la impecable ‘Unsung’ marcada por una intro con una notable linea de bajo para derivar a los mismos riffs que se esparcieron por todo el disco cual bombardeo atómico. Es un disco de metal, de un nuevo metal, entretenido, fácil de digerir pero por sobre todo potente, una marca registrada que dio pie para toda una seguidilla de discos del estilo de aquí en adelante.

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Los cambios de formación iban a ser constantes en la banda, partiendo en 1993 con la salida del guitarrista Peter Mengeda y la inclusión de Rob Echeverría en su reemplazo. Colaboran para la banda sonora de la película Judgment Night con el single ‘Just Another Victim’, que graban junto a  House Of Pain en una especie de cruza de bandas metal con hip-hop.

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El debut entonces de Echeverría sería en Betty de 1994 , un disco que alternó mas con sonidos jazz e incluso blues, por ende la parte mas purista de Helmet no recibió muy bien el disco llegando a vender solo alrededor de 275.000 copias en USA, bastante escueta la venta considerando que Meantime ya a estas alturas era disco de oro.

Despues de la gira de Betty, Echeverría deja la banda para unirse a los también neoyorkinos Biohazard, quedando Helmet en formato de powertrío y así graban en 1997 Aftertaste, donde tratan de volver a sonar como en Meantime pero sin el éxito estimado logrado con aquella placa. Aún así destaca el potente single ‘Exactly What You Wanted’. Para la gira de promoción del disco se les une Chris Traynor en la guitarra rítmica. Su relación para con su casa discográfica Interscope se estaba poniendo tensa y ya la popularidad del grupo empezó a decaer por lo cual se disuelven tras la gira de Aftertaste.

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De alguna manera a Hamilton siempre le atrajo colaborar con soundtracks para películas hollywoodenses y en los siguientes años se dedica a aquello, trabajó para las bandas sonoras de  Catwoman, S.W.A.T., Titus, Saw entre otras. También editan el single ‘Milktoast’, que fue incluído en la primera entrega de la película The Crow junto a Helmet en 1994.

Siempre inquieto musicalmente Hamilton aprovechó de pulir sus dotes lo que lo llevó incluso a tocar la guitarra junto al gran David Bowie en su gira solista.Hecho esta serie de colaboraciones y proyectos finalmente decide reunificar a Helmet para el 2004, aunque al momento de convocar a los originales John Stainer y Henry Bogdan no obtuvo respuesta positiva, dado que ambos se encontraban inmersos en proyectos propios, Stainer junto a Tomahawk y The Mark Of Cain y Bogdan por esos años se embarcó en gira junto a los británicos Bush, en el marco del tour promocional del disco Golden State. Ante esto Hamilton recurre a John Tempesta (White Zombie, Testament), para encargarse de la batería y mantiene a Chris Traynor en la guitarra. Es así como entran a los estudios a grabar Size Matters el año 2004. Para la gira se incorpora también Frank Bello (Anthrax), aunque a mitad de esta los deja y en su reemplazo entra Jeremy Chatelain. El disco en sí, si bien mantiene la potencia de los germinales discos de la banda, tampoco logra superar las expectativas de algo que supere a sus placas de principios de los noventa.

Al año siguiente Tempesta deja la plaza de batero y en su reemplazo entra Mike Jost y en la guitarra entra Anthony Truglio dejando a Chris Taynor en el puesto de bajista dejado por Bello, es así como graban Monochrome con Waccon Records, dejando a Interscope debido a serias desaveniencias y problemas legales. Con esta placa giran en el denominado Warped Tour 2006 junto a bandas como Rise Against, NOFX o Every Time I Die entre muchas otras.

En el 2010 vuelven con otra formación y la final deserción después de 10 años de Chris Taynor, la banda quedaría así: con John Fuller (bajo), Kyle Stevenson (batería) y Jimmy Thompson (guitarra).

Finalmente Hamilton logra zafar de sus impases con la discográficas y edita Seeing Eye Dog con Work Song Records que, al parecer le ha otorgado muchas mas libertad de composición y manejo de los negocios relacionados con la banda. El disco es brutal de principio a fin ,como es el común de las obras de los neoyorkinos, la voz de Hamilton peca de desgastada (de alguna manera los años de circo pasan la cuenta), pero de todas maneras canciones como ‘Seeing Eye Dog’ o ‘In Person’, quizá como nunca logran recuperar el espíritu de su aclamado Meantime de 1992. Mas aún inclusive como en el tema ‘LA Water’, arremetiendo en terrenos poco explorados como la sicodelia, algo de alguna manera inexplorado por la banda.

Lo que queda claro es que Helmet es Page Hamilton y Page Hamilton es Helmet, un hombre que a fuerza de tropiezos y autocrítica ha sabido mantener en pie su engendro mas preciado. Siete discos de estudio y una importante reputación en el medio finalmente saca cuentas alegres para el neoyorkino y el orgullo de haber sentado las bases del metal alternativo hace 20 años atrás lo avalan.

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Helmet al fin estará en nuestro país, luego de una fallida y demasiado lamentable caída de show de hace un par de años. Insertos en Festival Rockout será una de las más grandes bandas incluídas en el evento. ¿Perderselos? sería una tontera.

Por Patricio Avendaño R.

Disco Inmortal: Faith No More “Angel Dust” (1992)

Dejando las discrepancias de lado, elegimos este disco de Faith No More como el más inmortal de los inmortales debido a su causa y consecuencia. Es un disco muy distinto a su antecesor The Real Thing, donde vemos al talentoso Mike Patton por primera vez colaborando musicalmente y dicho sea de paso, ¡como le cambio la cara al conjunto! Si bien ya el horizonte musical  estaba en apertura de miras, es acá donde realmente empiezan a experimentar con diversos estilos, llámese pop, soul, rock progresivo, coros gospel, distorsionadores de voz y samplers, entre otras cosas.

Arranca, o más bien irrumpe con un amenazante riff de guitarra y un bajo a cargo de Mr. Gould con ‘Land Of Sunshine’, una canción llena de matices, cambios drásticos de ritmo, voces en primer y segundo plano y un teclado que cumple un papel preponderante. Uno de los arranques mas demoledores e impresionantes para un disco del género. Acto seguido los ladridos y aullidos de perros y un riff machacante que nos lleva directo al headbanger para ‘Caffeine’, la voz de Patton en distintos tópicos, al borde de lo gutural, en los coros con un estilo semigangoso, y una batería que extrema su fuerza casi al borde de la destrucción de la caja, un muy rítmico beat de batería mas la ensombrecida voz de Patton, que actúa nuevamente en distintos matices consiguen prácticamente la perfección, el coro “you’re Perfect, yes, it’s true, but without me it’s only you” seguramente uno de los más cantados a todo pulmón en sus presentaciones, todo un hit, oscurísmo pero hit indiscutido. El hermoso y angelical piano que se repetirá constantemente en ‘RV’ más el speech casi esquizofrénico de Patton nos da pie como para comentar que esta es una de las canciones más bizarras, incluso hasta el día de hoy compuestas por el cuarteto.

La cantidad de canciones innovadoras es increíble, en ‘Everything’s Ruined’, la combinación de pianos, marca del bajo, juegos vocales de Patton y riffs completamente heavymetaleros es notable. Para ‘Malpractice’, nos encontramos con una canción delirante, industrial, donde el desenfreno y la locura es total, la mano de Patton en la manufactura de este tema pesa, lo ecléctico de la escuela Mr. Bungle recae aquí con todas sus letras. Otra obra de alta factura se nos deja caer con ‘Kindergarten’, un rapeo de Patton se entrecruza con potentes riffs y un coro con una melodía totalmente coreable e inolvidable.

El disco gusta por sus melodías, eso está claro, y todo un sinfín de experimentaciones sonoras logran el cometido; digamos que esa es la gran gracia de la placa. La tenebrosa intro de órgano sólo es la antesala para un tema funky muy groovie como ‘Be Aggresive’, dotado de ese particular coro con voces femeninas deletreado tal cual “B-E A-G-G-R-E-S-I-V-E”, otro hitazo por donde se le mire.

Como si esto fuera poco y ya adentrándonos en las tres cuartas partes de la placa aparece ‘A Small Victory’, casi con una tierna vocalización de Patton al comienzo y una letra implacable, un show de scraths y una intensa cúspide de riffs para un final de antología con la empecinada frase “you still Won’t Hear” (sigues sin escuchar). Nuevamente el vigoroso bajo de Gould marca la sentencia en ‘Crack Hitler’, la distorsión de voz otorga un lúgubre encuentro con el característico “hail” de los soldados de la Alemania Nazi en son de saludo al temible führer, coros gospel por doquier, un hermoso caos que finiquita de sopetón. La pesadísima ‘Jizzlober’ nos aguarda casi para el final  con los gritos viscerales de Patton que, cual pulga en el oído, no dan respiro alguno alrededor de toda la placa. Un órgano de iglesia da un punto final a una obra maestra y un disco que se hace cada vez mas inmortal.

Hablar de los bonus nunca está demás, la bella melodía instrumental de ‘Midnight Cowboy’ nos remonta a una noche cálida en el viejo oeste, de esas de las películas de Clint Eastwood, casi al borde de lo onírico.

También la reedición japonesa contó con ‘Easy’, la canción original de Lionel Richie que ya a estas alturas emitir cualquier tipo de comentario sobraría, una belleza de cover. Además se incluyó la regrabación del gran tema ‘As The Worm Turns’, del disco debut de la banda donde la interpretación correría por cuenta de Chuck Mosely, esta vez con la voz de Patton y con una ingeniería de sonido con creces mejorada gracias al trabajo de  Matt Wallace, la canción recobra vida y con un plus formidable.

Curiosamente este disco marcó la salida del guitarrista Jim Martin, quien no estuvo de acuerdo con el giro musical que estaba llevando la banda, apelando a que estaban dejando el heavy metal (seguro lo pensó en el sentido más purista), pero FNM tomó este camino y no importaron las consecuencias que podría traer y eso es algo que se agradece hasta el día de hoy.

No es extraño que hoy en día la banda en sus setlists en vivo compongan por mas del cincuenta por ciento de esta placa, donde la creatividad e innovación musical fluyó en demasía, es quizá el mejor disco de rock alternativo de los noventas y su influencia marcó tendencia en lo que se iba a hacer de ahí en adelante, sin ninguna duda.

Patricio Avendaño R.

 

Creedence Clearwater Revival

La verdad  costó diferir  cual es el disco mas clásico o el mas inmortal de esta tremenda banda oriunda de la localidad de El Cerrito, California.

1969 fue un año extremadamente productivo para los CCR, la cantidad de canciones compuestas en esa temporada fue impresionante , predecedidos por dos álbumes de excelente factura como Green River y Bayou Country. Perfectamente pudieron haber hecho algo mas ambicioso como unir el sinfín de composiciones en un gran disco doble, pero la calidad y, bueno, la discográfica Fantasy Records tambíen comercialmente así lo prefirió,para no pecar de bobos.
La elección tiene que ver mas que nada por el sencillo hecho que de estas tres joyas esta fue de gran manera una de  las mejores trabajadas, los americanos estaban en la cúspide de su lucidez compositiva y revisando los tracks queda mas que demostrado.

Vamos al disco en cuestión, y que mejor canción para abrir que ‘Down On The Corner’, dando cuenta desde el inicio del espíritu de conciencia sociopolítica de la cual se nutriría este disco, una apacible melodía infestada de rock sureño. Hitazo y pieza fundamental a través de décadas para la banda y el rock clásico en general.
Si la banda termina su nombre con la palabra ‘revival’ no es por nada, la concepción del grupo siempre estuvo centrada en rememorar lo mejor del rock n’ roll de los cincuentas y en ‘It Come Out Of The Sky’ se hace mas latente que nunca. En ‘Cotton Fields’, original del mítico blusero Leadbelly hacen una suerte de canción playera que ya se la querrían los Beach Boys. El solo de harmónicade John Fogerty  junto a la rítmica  guitarra de su hermano Tom nos sirve de buen preludio para esa bateria que entra anunciando algo espeluznante, se trata de la oscura ‘Feelin Blue’, que se toma todo el tiempo del mundo para ir avanzando a un sigiloso paso hasta encontrarse con su fadeout final correspondiente.

La fusión de folk, country , blues y rock & roll que nos regala este disco se hace mágica en la ejecución de estos genios, ‘Fortunate Son’, una de las canciones de protesta mas comentadas de la historia.En sus cortos dos minutos y fracción cala hondo los huesos y de pasada abofetea al Tio Sam en el rostro, a la burguesía y el abuso de poder ejercido por el gobierno y la milicia norteamericana de aquel entonces.
La sureña ‘Don’t Look Now’ suena de  entrada con Fogerty con un falsete donde nos recuerda fácilmente a Elvis Presley. A continuación otro de los aclamados grandes clásicos de la banda: ‘The Midnight Special’, sin ser una canción que apele alos dotes virtuosos de los californianos, cumple su cometido gracias a sus pegajosos coros y estribillos. No así el caso del instrumental ‘Side Of The Road’, donde la mano de John Fogerty se reencuentra con el blues y de paso enciende una de las luces mas altas del disco, con unos solos de antología como solo el supo hacerlos durante toda su carrera.

Para el final cerramos esta obra magna con ‘Effigly’, un tema de otra dimensión, para los que no nos conformamos con los hits de la banda, caemos en cuenta que aquí es donde están las verdaderas gemas, una intro de melodía sombría y una guitarra blusera que persiste jugando con los estribillos y que encuentra en el final su total clímax con un alucinante solo que es apagado nuevamente por un fade out que quizá nunca quisieramos que apareciera. Este es un broche de oro con todas sus letras.

Como dijimos, es muy probable que no estemos de acuerdo con cual es el mejor disco de la banda, pero en esta obra encontramos a unos Creedence mas que inspirados. Quizá sea el año , el otoño o el fiato inmenso que lamentablemente después se diluiría, pero este conjunto de canciones brillantes , sin duda, lo hace un clásico inmortal.

Accidentes aéreos en la historia del rock: Vuelo sin Retorno


1. El Día Que Murió la Música:

El fatídico día 3 de febrero de 1959, y en medio de una gira que reunía superestrellas del Rock and Roll  de aquel entonces, los ídolos Ritchie Valens de 17 años, Buddy Holly de 22, Jiles Perry Richardson, más conocido como”The Big Bopper” de 28, no pudieron zafar de una noche de tormenta sobre Iowa en una avioneta maniobrada por un inexperto piloto como Roger Peterson, quien tampoco logró sobrevivir.

El destino jugó su peor pasada, ya que la idea de alquilar un avión se le ocurríó a Buddy Holly, en un tour que estaban llevando por tierra a través de un bus, pero debido a las malas condiciones que este ofrecía (no contaba con calefacción adecuada lo cual provocó el resfrío de varios integrantes del tour), se recurrió a este fatal “plan B”.

El hecho quedó marcado como “El día en que murió la música” y el cantautor folk norteamericano Don McLean dedicó su canción ‘American Pie’ en honor a los fallecidos. Ritchie Valens pese a su corta edad alcanzó a tener varios éxitos destacando ‘La Bamba’, que mas tarde inmortalizarían Los Lobos. Por lo demás el cantante logró impulsar la iniciativa para artistas nuevos y el Rock and Roll cantado en español.

Por su parte Buddy Holly es considerado como uno de los pioneros y precursores del Rock and Roll durante la década de los 50, e influencia reconocida de muchos artistas de la talla de The Beatles, Bob Dylan o The Rolling Stones entre muchos otros.

2. Juegos Fatales.

Uno de los accidentes mas absurdos de la historia del rock. El 19 de marzo de 1982, en medio de una gira junto a Ozzy Osbourne y mientras se dirigían a un Festival en Orlando, Florida, el talentoso guitarrista Rhandy Rhoads pierde la vida al estrellarse con una casa.

Al parecer todo se debió a una especie de “juego” que empezó a realizar el piloto Andrew Aycock, quien sobrevolaba el bus donde se encontraba el resto del personal de la gira, el piloto pasó volando tan cerca del bus con el propósito de asustar a los  que se encontraban en él, pero la suerte no lo acompañó y en una pasada le pegó con el ala , lo cual hizo que la avioneta se desviara hacia una morada, que terminó  por estrellarlos y no dejar a nadie con vida. También dentro de la avioneta se encontraba la maquilladora Rachel Youngblood.

3. El alma de blues que quedó en el cielo.

Stevie Ray Vaughan estaba en un período en el cual estaba volviendo al ruedo después de dejar en stand by su carrera debido a serias adicciones a los estupefacientes. El 26 de agosto de 1990 SRV y Double Trouble actuaron en el Alpine Valley Music Theatre de la localidad East Troy (Wisconsin), al terminar el show,  se estrelló en un helicóptero junto a cuatro personas mas que eran parte del equipo de Eric clapton y que se dirigían con rumbo a Chicago. En esta ocasión también el clima y la inexperticia del piloto jugaron la peor de las pasadas.

La muerte del tejano es una de las mas sentidas en el mundo del blues y el rock en general, la destreza e innovación con la cual aportó siempre será inolvidable. Un músico de la herencia directa de la escuela Jimi Hendrix y que para muchos es considerado su mejor alumno.

4. La maldicíon del rock sureño americano.

A veces se ha pensado que el rock sureño americano está maldito, debido a los trágicos desenlaces tanto como para The Allman Brothers-banda que perdió a dos de sus mas talentosos integrantes en impactantes choques en motocicleta-como también para los Lynyrd Skynyrd, que el 20 de octubre de 1977 en un viaje aéreo a través de  Gillsburg, Mississippi, murieron el cantante, Ronnie Van Zant, el guitarrista, Steve Gaines, su hermana, la corista Cassie Gaines y el mánager Dan Kilpatrick.

Durante la década de los ochenta el hermano menor del fallecido vocalista, Johny Van Zant, revive la banda en un estilo un poco mas hard rock, mas que nada a modo de tributo que de una seria continuidad. que la banda ha seguido adelante, el período de oro siempre quedó en a memorabilia del rock con la formación original que falleció de esta forma tan abrupta.

5. Una gran voz se apaga

Una de las muertes mas sentidas en pleno período del auge del soul sin duda que fue la de Otis Redding, justo en su mejor momento, había alcanzado el número 1 con la canción ‘Sittin’ the Dock of the Bay’. Una voz extremadamente talentosa que podía cubrir diversos matices.  tan sólo 3 minutos de su destino, el avión que lo llevaba a él  junto a su banda de soporte, los Bar-keys, se estrelló en las afueras de Madison, exactamente en Lake Monona.

Múltiples tributos han ocurrido desde que esta gran voz nos dejó a sus cortos 26 años, entre los cuales se destaca la gran versión para su tema ‘Hard To handle’ grabada por The Black Crowes en su disco debut de 1990.

Disco Inmortal: The Black Crowes -“Shake Your Money Maker” (1990)

Fue el sorprendente debut de estos desconocidos cuervos negros. El disco se editó en 1990, un año en que la explosión del grunge lo sacudía todo y las miradas de los medios y fans iban en esa dirección.

Los ochenta nos habían dejado huellas que se iban desvaneciendo cada vez mas del sonido mas puro y clásico del hardrock blusero, sucio y fiel a las raíces como se dió en los setenta con grandes como The Rolling Stones o Led Zeppelin.

Casi como salvavidas de aquel espíritu llega The Black Crowes y este mucho mas que enorme debut. Desde la apertura damos cuenta de inmediato del énfasis en recapturar ese sonido con dos joyas como ‘Twice As A Hard’ y ‘Jeaulous Again’, donde la guitarra heavy blues y los slide guitars están ala orden del día, sumado a la sucia pero efectiva voz de Chris Robinson y unos impecables pianos boogie nos remontan de inmediato a la volátil era setentera, en ‘Could I’ve Been So Blind’ pasa exactamente lo mismo.

Y es que el estilo revival era total , los hermanos Robinson con sendos atuendos hippies incluidos  pantalones pata de elefante, irrumpieron en esta época noventera zona cero ya casi del estilo. Las baladas del disco son tremendas: ‘Sister Luck’, preciosa en sus arreglos y composición; y punto aparte con ‘She Talk To Angels’, estremecedora lírica y musicalmente contando  una conmovedora historia de una chica adicta que se refugia en las drogas para mitigar el dolor de la pérdida de su hijo. Probablemente lo mejor del disco y clímax emocional de la placa.

También para este glorioso debut se despachan un cover del clásico de Othis Redding ‘Hard To Handle’, con una dosis energética y frescura en este caso para sacudir  en su tumba hasta al mismo Redding. Esta canción fue el punto de entrada a las radios y a las miradas de los medios y fans, y de forma muy merecida, por lo demás.
Hay mas gemas por revisar, el gospel y los coros femeninos fue otro concepto que trajeron nuevamente a colación los hermanos Robinson, y que con el paso de los años iba a marcar un sello característico en la banda; ‘Seeing Things’ claro ejemplo de aquello. El rock ‘n’ roll en su mas puro extracto vuelve a la vida también con ‘Struttin Blues’ o ‘Stare It Cold’, con un cierre vertiginosamente intenso, por cierto.

Para no quedarnos cortos de elogios, cabe destacar el tan bien logrado sonido de la placa, y es que el “‘dream team” con que contó el equipo de producción estuvo dotado con genios de las perillas de la talla como Rick Rubin, Brendan O’Brien y Kevin Shirley , que iban a ser tan relevantes en sus trabajos independientes desde aquí en adelante.
The Black Crowes cumplió a total cabalidad su cometido de revivir los sonidos vintage del rock ‘n’ roll y mas que eso, llenó de vigor el estilo. Quizá la calidad de este álbum le penó mucho en su carrera ya que para muchos nunca pudieron superar la tremenda vara que dejó. Por todo eso y lo que significó para la historia guardamos este disco en la sección de discos inmortales.

Bad Religion:

Con 17 discos de estudio a cuestas que datan desde 1981 casi en forma ininterrumpida, los californianos de Bad Religion regresan a nuestro país a mostrar su nuevo material incluído en The Dissident Of a Man, disco editado el año pasado, mas una avalancha de clásicos que han cosechado durante toda su carrera.

Y no es menor esta pasada ya que la banda se encuentra celebrando sus 30 años de carrera, la cual a punta de perseverancia, actitud y un tezón impresionante de parte de su líder y principal compositor, el profesor de ciencias de la UCLA Greg Graffin, se mantiene totalmente vigente.
Cabe decir que desde el 2001 con el lanzamiento de The Process Of Belief que la banda cuenta con un tándem de guitarras triple a cargo de Brian Baker, Greg Hetson y el ya legendario Mr. Brett (Brett Gurewitz), dueño del mítico sello Epitaph y que a pesar de haber tenido sus desaveniencias con el resto en el período de los 90’s hoy mas que nunca se le aprecia como parte fundamental de la estabilidad y solidez actual.
Un show imperdible, una banda de mucha fuerza y dominio escénico. A diferencia de su anterior pasada en el 2007, esta vez vienen a dar un show completamente solos y no en calidad de teloneros  , presentación en la cual estuvieron precediendo al show de Velvet Revolver y donde una hora de show se hace demasiado poco para la cantidad de himnos de este quinteto. Esperemos que la banda nos brinde cerca de dos horas de show , que es el promedio de duración cuando se presentan como cabezas de cartel o simplemente en un show único.

 

 

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