Arctic Monkeys publica su esperado nuevo álbum de estudio: Tranquility Base Hotel & Casino, escúchalo acá

Y llegó el día finalmente de la publicación del nuevo álbum de estudio de los Arctic Monkeys, un álbum que vino precedido de algunas filtraciones y estrenos en vivo, por cierto, que ya han empezado a causar conjeturas con respecto al nuevo sonido de la banda, que si bien no se aleja del todo de su reciente “AM”, esta vez explora más que nunca, la veta crooner de Alex Turner llevándolo a un nivel más intenso aún, en un disco que como se comentó, pudo haber sido perfectamente en solitario del líder de la banda.

El nuevo álbum llega tras un paréntesis de cuatro años. Años en que el vocalista Alex Turner volvió a trabajar su proyecto The Last Shadow Puppets con el álbum “Everything You’ve Come to Expect” de 2016, y el baterista Matt Helders trabajó con Iggy Pop en el “Post Pop Depression” de ese mismo año.

Sin más y esperando tus comentarios ante este singular registro, te lo dejamos completo:

Tranquility Base Hotel & Casino Tracklist:

01. Star Treatment
02. One Point Perspective
03. American Sports
04. Tranquility Base Hotel & Casino
05. Golden Trunks
06. Four Out of Five
07. The World’s First Ever Monster Truck Front Flip
08. Science Fiction
09. She Looks Like Fun
10. Batphone
11. The Ultracheese

Trent Reznor modo singles: el líder de NIN comparte playlist para corazones solitarios en el día de San Valentìn

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En el día que la mayoría celebra el amor de pareja dedicándole canciones de amor a su chica(o), el que se acordó de los corazones solitarios es el gran Trent Reznor, quien se dio el gusto de compartir un playlist con selectas canciones de su autoría a la que ha llamado “Better Alone” (‘Mejor Solo’).

La lista, que se nutre de sus composiciones en Nine Inch Nails, en solitario y de sus soundtracks comparten en todas el concepto de la soledad, desolación y oscuridad, ejemplos como ‘A Warm Place’, ‘Ghosts’ y ‘Four Enclosed Walls’ así nos lo dejan claro.

A disfrutar de 20 maravillosos tracks que calan profundo en las almas solitarias del mundo, cortesìa del maestro en estas lides:

When You’re Gone: Adiós Dolores O’Riordan, las canciones que nos dejó una voz privilegiada

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Esta mañana seguimos muy conmocionados con la muerte tan sorpresiva y prematura de una de las grandes voces del rock alternativo, la gran Dolores O’Riordan, lo cual se informó ayer por la tarde causando impacto a nivel mundial.

Basta escuchar un par de canciones para notar su talento vocal, Dolores siempre será recordada por ese don y por las grandes canciones que inundaron de buena música las radios en los noventa, pero también ella era una mujer muy carismática, poseía un desplante en el escenario bastante potente y un activismo ferviente con las causas humanitarias, como el repudio a la guerra y las matanzas en su natal Irlanda y una fuerte fe católica y sin dejar de mencionar su faceta de “mamá” que siempre la motivó (dejó cuatro hijos).

Pese a que en determinado momento puso el cese a The Cranberries, por sentirse muy expuesta y “en el ojo del huracán”, Dolores en ese período quiso “encontrarse a sí misma” e hizo dos álbumes en solitario, pero volvió con la banda el 2012 con el álbum “Roses” y el año pasado lanzaron un álbum con versiones acústicas llamado “Something Else”. Sin embargo, Dolores quiso experimentar también con un proyecto bastante interesante llamado “D.A.R.K.” junto al fundador de The Smiths Andy Rourke en 2016, siendo este el último trabajo de composiciones originales donde participó.

Una gran voz que se apagó sin duda, demasiado temprano, acá recordamos sus canciones en un playlist dedicado humildemente a su memoria:

Josh Homme modo soundtrack: Revisamos la banda sonora de la película “In the Fade”

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Un inquieto. Siempre buscando otros terrenos que le permitan redescubrir su propia esencia. Muchos creerán que Josh Homme había huido de relacionarse con el ambiente cinematográfico, sin embargo, este lazo parece estar estrechándose con más confianza. Tras colaboraciones puntuales en “End Of Watch” (con el hermoso tema “Nobody To Love”), decidió ocuparse de este flanco no explorado y ha firmado la partitura para la película “In the Fade”, siendo su debut oficial en estas lides.

Su participación en la película es producto de la inspiración que su música provocó en el director Fatih Akin, quien pasó muchas horas escuchando a Queens on the Stone Age mientras redactaba el guion; si la iluminación surgió de allí, era lógico pensar que esa era la música que el director necesitaba para apuntalar ciertas escenas y determinar la atmósfera de la película. En el soundtrack, Homme se ayuda con viejos conocidos, como Troy Van Leeuwen y Michael Shuman, de QOTSA, además de incluir canciones de otros artistas, como “Superhero”, de Faith No More, muy rítmica, rockera y casi violenta, saliendo del esquema del soundtrack, y “Anonymous”, de Courtney Barnett, de aire sencillo y calmado, con un suave movimiento de platillos, mientras una guitarra pasiva acompaña sus fraseos acompasados.

Las otras secuencias son de densidad oscura, muy cortos en duración, con muchas cuerdas, tambores lúgubres y sonidos bajos, los que evocan una introspección; la mayoría de las resonancias van in crescendo, partiendo con tensa calma para explotar casi en una tormenta de sólo 30 segundos, muy acordes al guion del film, el cual trata una terrible historia contada de manera expresiva, presentándole ciertas dudas morales en el espectador; el guion se compone por dos capítulos principales, un prólogo y un epílogo. El personaje principal es interpretado por Diane Kruger y tiene una actitud destructiva, que encaja con ciertas letras y secuencias musicales propias de QOTSA. “The Bronze”, tema de 1998, es parte de esta BSO y es la que quiebra el esquema, gracias a su energía, fuerza rock y movimiento.

Este 2017 Josh Homme tuvo mucho trabajo. No solo editó “Villains”, aplaudido nuevo álbum de Queens of The Stone Age, y se ocupó del lanzamiento del buen documental “American Valhalla”, sino que también trabajó en esta primera experiencia a cargo de la banda sonora de una película que tiene como soportes los conceptos de venganza y autodestrucción.

“In the Fade” está nominada a los Globos de Oro y preseleccionada al Oscar como Mejor Película Extranjera (en ambas, junto a la chilena “Una Mujer Fantástica”).



Por Macarena Polanco G.

Nos preparamos para Anthrax en Chile: 10 insuperables himnos que no pueden faltar

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A seis días de la próxima presentación de Anthrax, te dejamos un ranking con las que, en nuestra opinión son 10 canciones dentro de las mejores de los de New York, considerando por supuesto la época que la banda ha pretendido ocultar (¿alguien puede olvidar los 90′?)

A continuación una selección con 10 grandes e insuperables himnos de Anthrax…

10. Madhouse
Fue el primer video clip grabado por la banda y pertenece a uno de sus más desestimados discos “Spreading The Disease” (1985) el riff protagonista y aniquilador de Scott Ian conduce una de las favoritas de la banda para tocar en vivo.

9. I’m The Man
Perteneciente al segundo EP de la banda “I’m The Man” (1987) acá escuchamos una explícita mezcla de rap y metal a cargo, curiosamente, de los creadores de discos emblema del thrash metal como “Among The Living” (1987) la velocidad de las guitarras fue reemplazadas por samples, las voces de Bello, Benante, Belladonna e Ian se convertirían en las protagonistas de un estilo de rock que se desarrollaría como un hongo en los 90′.

8. A Skeleton in The Closet
Una trituradora de huesos desde su inicio, los apabullantes riffs de Ian nuevamente crean escuela, los bombos de Charlie Benante no dan espacio a improvisaciones y si el metal tuviera que ser etiquetado en una pócima mágica tendría que llevar por nombre A Skeleton in The Closet. Una interesante visión de la banda sobre la literatura de un fundamental del horror; Stephen King.

7. Be All, End All
Después de esa pieza fundamental en la que se transformó “Among The Living” las expectativas sobre todo lo que dijera Anthrax, subieron. Sin liquidar otro piedra sostén del rubro en “State of Euphoria” (1988) la banda supo mantener a punta de buenas canciones su reputación, entre ellas un himno; melodía tétrica en el inicio , lírica inspiradora y un ritmo ya marca de la casa construyeron un nuevo himno de la era Belladonna.

6. Fueled
Los años 90′ cambiaron el mercado de la música popular, y para el heavy metal no habrían excepciones. En Stomp 442 (1995) Anthrax nutre su sonido en discos que rigieron el metal alternativo de la época; la influencia de Helmet, Ministry y Pantera es sustancial y Ian y los suyos las filtran a su sonido que no pierde ningún ápice de intensidad y dinámica.

5. Black Lodge
¿Anthrax tocando baladas? lo más cercano que estuvieron de ello fue en “N.F.B. (Dallabnikufesin)” una sátira maestra sobre las canciones de amor que escribieron bandas como Bon jovi o Poison a finales de los 80′. Tras eso en “Sound of White Noise” (1993) con John Bush como su nuevo vocalista, Anthrax encontró en su voz la opción de ampliar su oferta sonora con melodías y tiempos que enriquecieron un periodo hoy poco valorado por sus integrantes.

4. Inside Out
Los 90′ llegaban a su fin, el sonido del metal en esos días de a poco reconocía en el Nü metal una nueva fuente de energía, sin embargo los de Nueva York se mantenían incólumes a las nuevas modas y el sonido de Pantera era la bebida de la que bebían para mantener su fuerza. En Inside Out, Dimebag Darrell aporta con un vertiginoso solo a una de las canciones emblema del Anthrax noventero.

3. Among The Living
¡Among the living follow me or die! un himno a toda prueba de Anthrax desde 1987 ¿te imaginas un concierto de ellos sin esta canción? Nosotros tampoco.

2. Gung-Ho
Infravalorada, podría ser el “Whiplash” de Benante y compañía, sin embargo no es parte de su setlist regular. Qué tiene de especial, una velocidad y energía contagiantes como un maldito resfrío. Anthrax pasándolo bien (como siempre) Anthrax en su forma natural, vean la presentación de esta canción en Oidivnikufesin Live (1987) un lujo.

1. Caught in a Mosh
Malcom Young debería estar orgulloso de uno de sus más talentosos aprendices. Scott Ian en Among The Living se jugó la vida con un compendio de poderosos y enérgicos riffs que te divertirán de por vida, así de simple. Caught in a Mosh no es la excepción, otro himno a toda prueba que suena en 2017 como si jamás hubieran pasado 30 años. Clásicazo.

Foo Fighters publica en línea su nuevo álbum de estudio, escucha completo “Concrete & Gold”

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Pese a que Foo Fighters ya nos había mostrado varios adelantos, las ansias por escuchar completo su nuevo disco latían en el aire. Pero para calma de todos sus fans hoy es el gran día, pues la banda ya ha publicado en las plataformas de streaming completo su nuevo álbum “Concrete & Gold”, definido por ellos mismos como una cruza entre el “Sgt. Pepper” de The Beatles con la potencia y actitud de Motörhead.

Al escucharlo un poco tiene de sentido, pues están esas canciones con la fórmula melódica clásica infalible de Dave Grohl y los suyos, pero también tenemos unos arranques de fiereza muy punk y explosivos como es ya la tónica en Foo Fighters. Hay canciones bien inspiradas, y otras que no vienen a presentar mayores cambios de lo que ya nos tienen acostumbrados.

Pero ya lo estaremos comentando en extenso y más en detalle. De momento, lo bueno es irlo escuchando y por acá te lo dejamos completo. Esto es Foo Fighters cosecha 2017, “Concrete & Gold”.

Nación Rock en el tiempo Vol. VII: Los discos y canciones que marcaron 1983

1983

En esta séptima entrega de nuestros saltos en el tiempo, esta vez el año elegido es 1983 y vaya que ocurrieron cosas ese año. Pese a que el pop se acaparaba listas con grandes exponentes que harían historia como Madonna o Michael Jackson, el rock y el metal tuvo uno de sus más fructíferos años, en que sendas placas vieron luz ese año, de las que hasta el día de hoy son veneradas y que seguimos escuchando día a día.

La Bay Area de San Francisco estaba en un punto de ebullición máximo y fue una banda llamada Metallica que nos volaba la cabeza con su tremendo debut lleno de speed thrash y adrenalina llamado “Kill’Em All”, sin embargo ese mismo año antes habían expulsado a uno de sus integrantes clave como Dave Mustaine. El destino le deparó otra cosa al colorín guitarrista, quien formaría otra banda llamada Megadeth, que vaya que también supo anotarse en el panteón del olimpo del metal.

Ya con Bruce Dickinson en sus filas y tras haber lanzado esa gran placa como “The Number of The Beast”, Iron Maiden vuelve a la carga con el visionario “Piece of Mind”, incluyendo por primera a vez a un baterista que no los dejaría jamás: el gran Nicko McBrain. Slayer era otra banda que debutaba, con un sucio pero incitador “Show No Mercy”. La voz asesina de este forajido chileno llamado Tom Araya, más las siniestras guitarras de Hanneman y Kerry King nos mostraban un diabólico thrash metal, desatando el más oscuro de los infiernos musicales. Black Sabbath, por su parte, seguía en la constante búsqueda y cambios de integrantes y fue en este “Born Again”, cuando Ian Gillan decidió hacerse cargo de las voces. Sería el único del legendario Deep Purple en la voz del grupo. Definitivamente, no encajaría mucho pese a no ser un mal disco. Siguiendo en la línea, y luego de la salida de Dio de las filas de los de Birmingham, el “enano infernal” debutaba con el clásico “Holy Diver”, donde desde ya empezaría a hacer leyenda con su portentosa voz dejando una gran cantidad de himnos del heavy.

El glam y el hard rock encontraba levantando carreras a grandes exponentes por este año: Mötley Crüe lanzaba el imprescindible “Shout at The Devil” y Quiet Riot hacía lo propio con “Metal Health”. “Pyromania” era lo que dejaba Def Leppard, exitoso disco de los ingleses (un año antes del fatal accidente del batero Rick Allen donde perdería un brazo). Journey ese año con “Frontiers” marcaba el que quizá es su disco más trascendente. El gran Ozzy Osbourne continuaba su carrera en solitario con “Bark At The Moon” (enormes temas como la que tituló al disco, ‘Center of Eternity’, ‘Rock’n’Roll Rebel’ o ‘So Tired’ dejó ese notable registro). Kiss, dejando los maquillajes guardados en los camarines, lanzaban “Lick It Up”, que también aportó con clásicos a su imparable carrera. Thin Lizzy, por su lado lanzaba “Thunder and Lightning” (último de Thin Lizzy como tal y con un capo como Jonh Sykes en la guitarra).

1983 marcó un año de contrastes para The Police con el “Synchronicity”, ya que sería uno de los más exitosos, pero el último de una carrera extraordinariamente ascendente. Otra banda que estaba debatiéndose en la interrogante en cuanto a continuidad fue Pink Floyd, tras tener una abrumadoramente exitosa década en los 70’s, egos e intereses legales marcaron el final de la sociedad Waters/Gilmour con un disco que con su nombre lo dijo todo: “The Final Cut”. Bowie, por su parte, y ya con una entrega más abierta hacia el pop lanzaría el “Let’s Dance”, bajo el alero productor de Nile Rodgers, disco que le dejó grandes dividendos y lo vio renacer con una más de sus incontables facetas, la del ícono pop y todo un personaje para la década. U2, en tanto, lanzaba “War”, disco marcado por temáticas antibélicas y que fue parte de una trilogía de discos de gran factura en su primera etapa, aunque ha quedado un poco subvalorado por sus placas venideras.

El hardcore punk de los de Washington D.C. como Bad Brains nos apabulló con esa actitud y fusión caótica en todo su esplendor con “Rock For Light”, en tanto los californianos de Bad Religion lanzaban un extraño y difuso “Into The Unknown”. Los contestatarios skaters Suicidal Tendencies daban también su primer aviso con el homónimo, liderados por un tipo lleno de carisma y actitud como Mike Muir. De la vereda del garage/noise Sonic Youth debutaba con “Confusion Is Sex”, pieza de culto para una carrera absolutamente influyente en el rock alternativo. R.E.M. lanzaba el notable e introspectivo “Murmur” (también algo eclipsado con sus discos de más adelante).

Por supuesto, no lo fue todo. Y bandas reconocidas también tuvieron sus puntos bajos: Depeche Mode con ‘Construction Time Again’ todavía no lograba meterse de lleno en el reconocimiento masivo y AC/DC lanzaba “Flick On The Switch”, quizá uno de los pocos discos flojos en su carrera.

Chile vivía aún en dictadura así que muchos lanzamientos ese año no hubieron, cabe destacar, eso sí, discos como “Maldito piano” de Los Angeles Negros y “Vida” del cantautor nacional Oscar Andrade, quien justamente fue víctima de la censura del gobierno militar. Desde Argentina, fue el año del mítico Luca Prodán y el resultado de su influencia musical de mundo llevado al español con Sumo y su gran álbum “Corpiños en la Madrugada” (aunque ese año solo lanzado en Casette) y Charly García aportaba con el aclamado “Clics Modernos” (sindicado por la Rolling Stone trasandina como el segundo mejor disco de la historia del rock argentino) y, no dejar de mencionar, que el metal argento veía en V8 con “Luchando por el metal”, el primer disco con todas las de la ley de heavy metal en tierras tras la cordillera.

Un año en que hubo de todo. Como podemos ver y otro más que deja hitos, discazos y grandes canciones para recordar. Adjuntamos el playlist:

Nación Rock en el tiempo Vol. VI: Los discos y canciones que marcaron 2001

2001

Llegamos a la sexta entrega de nuestros viajes musicales y revisión por años y ahora el turno es para 2001. El inicio de un nuevo milenio y donde nuevos sonidos estaban aportando frescura a una escena algo desencantada del prácticamente exterminado grunge y en capa caída rock alternativo, donde había muchas ganas de mostrar nuevas cosas. El año del nu metal se dice, cosa que ya se venía gestando desde mucho antes, pero que tuvo en este año interesantes lanzamientos para reconfirmarlo.

El año en que iTunes entra al mercado además, de la partida de Jason Newsted de Metallica y de la muerte de un insigne del metal como Chuck Schuldiner, lider de Death. También sin duda un año marcado por el devastador ataque a las torres gemelas en EE.UU., cosa que de alguna forma incidió en el devenir de la música tanto en este como en años venideros, pues de partida uno de los más aclamados e innovadores lanzamientos de este año como “Toxicity” de System of A Down-debido a su nacionalidad armenia y sus letras- fue cuestionado y puesto en el ojo de la censura y Anthrax también tuvo que responder a cuestionamientos absurdos debido al nombre de la banda, o Slayer por las temáticas de “God Hate Us All”, entre otros curiosos casos.

Pero lo musical fue lo importante: Ya hablamos de SOAD y ese tremendo bombazo lleno de energía demandante y contestataria que hasta el día de hoy sigue siendo uno de sus lanzamientos más aplaudidos. Slipknot desembolsa “Iowa”, uno de sus más brutales escupitajos de rabia, vehemencia y poder metalero. Contrastando a eso Incubus, banda que también cayó en el nicho de bandas nu metal de finales de los noventa, relajaba las cosas con el inspirado “Morning View” y Tool lanzaba su matemático y magistral “Lateralus”, obra totalmente arrolladora y significante para su carrera. Lleno de enigmas, experimentación, concepto visionario y sobre todo, excelentes composiciones. The Strokes por su parte debutaba, y junto con ellos varias bandas estadounidenses hacían un revival interesante de sonidos garage vintage. “Is This It?” es el insuperable debut de los neoyorquinos lanzado este año, en tanto más o menos por la misma vereda The White Stripes lanzaba “White Blood Cells”, otra banda importantísima para la década o el debut de Black Rabel Motorcycle Club con un sonido rocanrolero y lisérgico al mismo tiempo.

Por su lado Fantomas y este potente proyecto de Mike Patton -tras varios años de haber dejado en stand by a Faith No More- junto con Dave Lombardo, Trevor Dunn y el líder de los Melvins Buzz Osborne, lanzaba “Director’s Cut”, disco innovador y visceral influenciado por grandes obras de culto del séptimo arte. Su otro proyecto más rockero pero no menos enfermizo, Tomahawk, también cobraba vida este año. Weezer y el disco verde dejó huella ese año gracias a singles como ‘Hash Pipe’ o ‘Island in The Sun’. Stone Temple Pilots resistía la decadencia del grunge con “Shangri- La Dee Da”, quizá no su mejor placa, pero un respetable lanzamiento; en tanto Staind, coronados como íconos post grunge ese año llamaron bastante la atención por un discazo de potentes e inspiradas canciones llamado “Break The Cycle”. Otra banda siempre interesante fue Masters of Reality, liderada por un ícono stoner como Chris Goss lanzaba “Deep in the Hole” en 2001.

Desde UK Radiohead nos entregaba “Amnesiac”, un disco que marcaría mucho la senda más experimental de la banda de cara a sus futuros lanzamientos y ese año en Inglaterra también Muse tuvo bastante que decir con el “Origin of Symmetry”, reconfirmando su poderío progresivo mezclado con un indie pop mostrando cartas claras de que iban a meterse de lleno a liderar el rock alternativo en la década. Depeche Mode y “Exciter” nos mostraba a una banda en etapa transición y con Martin Gore como principal artífice. Aparecía esta banda virtual animada Gorillaz, que debutaba con un disco lleno de ingenio pop con actitud y estética callejera sin precedentes, con Damon Albarn de Blur en voz como uno de sus principales atractivos. Desde Islandia la gran Björk arremetía con su cuarto álbum “Vespertine” y desde Alemania Rammstein lanzaba el contundente “Mutter” o Lacrimosa con “Fassade” creaba todo un fenómeno de audiencia pese a ser una banda metalera gótica de nicho underground.

¿Qué pasaba en el metal? Slayer-como mencionábamos lanzaba “God Hates Us All” volviendo un poco al sonido de “Divine Intervention”, pero también con un barniz del metal moderno de bandas como Slipknot o Fear Factory, en tanto Opeth destacó ese año por lanzar un gran disco como “Blackwater Park”, lleno de cuidadas estructuras y potentes melodías afianzadas en un death metal progresivo de primera línea. Casos como Katatonia con el sublime “Last Fair Deal Gone Down” o Anathema con “A Fine Day to Exit” marcaban la senda de sus cada vez más crecientes carreras. Los franceses de Gojira aparecían en el radar con su primal “Terra Incógnita” (en ese año muy poco cotizado). Por su parte Ozzy afrontaba el nuevo milenio con un bien criticado álbum “Down To Earth”, que trajo nuevos himnos a su carrera como “Gets Me Through” o “Dreamer”.

En Latinoamérica la cosa no dictaba cambios muy estructurales en sonidos, pues pese a que Babasónicos con “Jessico” lograba entrar fuerte al mercado con su propuesta rockera fusionada con electrónica (llevándose nominaciones Grammy y siendo elegido por disco del año en muchos medios), sin embargo no mucho más de Argentina fue destacado por la propia crítica en 2001. Por el lado nuestro de la cordillera la resaca del nu metal tenía toda una movida: Rekiem lanzaba el poderoso e insolente “Apgar:0” y bandas como 2x, Boa y Rey Chocolate formaban todo un circuito en el estilo de cepa criolla. La singular propuesta artística rock de González y Los Asistentes llegaba a las radios o Sinergia y el homónimo con su mentado “rock pájaro” dio bastante que hablar, en una excelente década para los nacionales, en un año que además vale mancionar a Criminal y Dogma que daban gran cara en el metal, con la salida de sus discazos “Cancer” y “Superfix” respectivamente el año pasado. También La Floripondio lanza su ecléctico “Dime Qué Pasa!” convirtiéndose en un disco clave de parrillas radiales y de fiestas universitarias y Hielo Negro con su rock’n roll patagónico stonerizado y con una tremenda actitud se destapa como una de las grandes bandas chilenas del nuevo siglo con “Demonio Parlante”. La banda de Pancho Rojas Mandrácula en tanto se anotaba con uno de los grandes discos paridos en la patria como “Sexy”. Todo pasaba mientras Los Tres ponían freno a su carrera después de haber tenido una gran década en los ’90 y Los Jaivas con “Arrebol” vuelven a su sonido de raíz incluyendo nuevamente cuecas y su experticia experimental de siempre.

Fue un año en que hubo de todo. Muchos lo recuerdan como un gran año musical de marca de etapas trascendentales y claro, como es costumbre, toda esa nostalgia como siempre la dejamos en forma de playlist. Que lo disfruten.