La historia detrás de las canciones de “Distance Over Time” de Dream Theater

Vía Nación Progresiva

En este megapost te contaremos muy detalladamente la historia, temática y concepto detras de las 10 canciones que componen “Distance Over Time”el mas reciente álbum de Dream Theater.

Articulo por: Henry Espinal Alvarez.

El decimocuarto álbum de los neoyorquinos, presenta singularidades respecto a la composición literaria, de los 10 nuevos temas (incluyendo el bonus track), 4 letras fueron escritas completamente por John Petrucci, tres letras por James Labrie , una por Mangini y dos por colaboración colectiva de John Myung y John Petrucci.

El proceso de creación de letras para Dream Theater es de una forma recurrente en la mayoría de álbumes, la música viene primero y luego la letra. En una magistral entrevista conducida por Barbara Caserta para “ Linearock”, Petrucci dice: “Cuando tienes esta cantidad de música escrita y te pones a pensar que necesitas ponerle letras a todas esas canciones, usualmente se torna difícil; pero para Distance Over Time, todo fue rápido y las letras salieron con facilidad, probablemente por el entorno en el que estábamos ( Yonderbarn Studio), o la paz que se encontraba en ese espacio. “ En la misma entrevista LaBrie acota: “ Usualmente tengo el tema general de las letras de determinada canción en mente, pero al escuchar la melodía vocal, puede cambiar el giro a las letras que escribiré; me alimento mucho de la melodía vocal.”

El siguiente es un análisis lingüístico y lírico-literario de la letra de las canciones de Distance Over Time, tomando como fuente principal, entrevistas a los miembros de Dream Theater, las traducciones de las canciones están hechas a modo que sean inteligibles y sean relevantes al contexto del álbum y la banda.

 

Distance Over Time:

En una entrevista con el club de fans francés Your Majesty, John Petrucci comenta: “ El título del álbum no tiene nada que ver con las iniciales de Dream Theater ( DT), este viene en tono de broma a la ecuación Velocidad = Distancia / Tiempo; incluso por un tiempo el álbum fue llamado Velocity( Velocidad) pero no sonaba tan poético como Distance over Time (Distancia sobre Tiempo)”

 

1. Untethered Angel:

Letra: John Petrucci

 En la serie de videos ” Track-by-track” publicados por la compañía disquera Inside Out Music, John Petrucci menciona que siempre quiso usar la palabra “Untethered” en alguna canción de Dream Theater, porque le gusta la estética y sonido de esta palabra; la palabra untethered tiene como significado literal desatado o suelto;  y como significado figurativo, ilimitado o sin atadura. Para entender el significado de la canción, es menester referirnos a la etimología de esta palabra, ya que está formada por el prefijo negativo inglés “un-” que denota negación a la raíz de la palabra, que sería “tether”, esta significa atar (usualmente a un animal) con una cuerda o cadena para restringir su movimiento.

Es importante hacer esta explicación porque la canción gira en torno a la idea de superar un miedo que no te permite hacer algo que quieres, o que te deja atascado en el camino a lograr tus objetivos; John Petrucci dice ” … la idea de desatarte , es aprender como liberarte de este miedo y avanzar. Las personas se quedan varadas por cualquier motivo por el que sientan miedo, ya sea miedo al éxito o al fracaso”. Petrucci cuidadosamente escogió la palabra, porque incluye el prefijo un-  y de esa manera da a entender explícitamente que alguien estaba con alguna atadura (tethered), pero con el tiempo se deshace de ella; (un-tethered).

Fonéticamente, la palabra “untethered” cuenta con tres sílabas, un-te-thered; James Labrie se preguntaba cómo iba a poder cantarla cuando originalmente se la presentó Petrucci, pero concluyó con que era una palabra fácil de cantar ; Rudess la describe como una palabra que inspira suavidad y de algún modo da el aire terapéutico que Petrucci plasma en las letras.

Construiste este mundo a tu alrededor, tu universo.
A pesar de las mejores intenciones, las cosas no pueden estar peor.

El caos y el miedo te han dejado colgando de un hilo.1

Mientras discutes con la voz dentro de tu cabeza. 2

Ángel desatado 3.

Cayendo a la oscuridad

No tengas miedo de soltar

Renunciar a ti mismo te hará libre

Dudas y desaliento, pesadillas y días desperdiciados.

No puedes vivir tu vida de esta manera, algo necesita cambiar

Miedo 4, cambio de ideas constantes; enredado, atado en nudos

Evitar a toda costa; algo doloroso de ver 5

 

El miedo puede vivir dentro de ti

Llevarte al extremo 6

Enfrenta el miedo dentro de ti 7.

Despertar de entre los muertos 8

 

Ángel desatado

Cayendo a la oscuridad

No tengas miedo de soltar

Renunciar a ti mismo te hará libre

 

Ángel desatado

Cayendo a la oscuridad

No tengas miedo de soltar

Abre tu corazón

Que seas liberado 9.

 

1. La expresión colgando de un hilo, hace referencia a una situación seria que está propensa a acabar mal rápidamente.
2. Aquí Petrucci, claramente habla de la lucha en la conciencia de una por no saber tomar una decisión; tenemos la motivación pero algo nos impide lograr nuestros objetivos.

3 El coro refuerza el sentido de que tenemos que tener una batalla con nosotros mismos y soltar los prejuicios que nos llevan a la “oscuridad” o fracaso, para poder liberarnos de las ataduras de la vida.

4. La expresión “cold feet” significa, pérdida de coraje o valentía; miedo y temor.
5. Lo doloroso de ver son las dudas, desaliento, pesadillas;etc,
6. Push you to edge, significa llevar a alguien a tomar decisiones trascendentales
7. De nuevo vemos la idea de la batalla interna de uno mismo
8. Renacer, empezar de nuevo; para cumplir nuestras metas.
9. La conclusión de la canción es que seamos liberados de cualquier miedo, para emprender en el camino hacia los sueños que tenemos
   

2. Paralyzed:

Letra: John Petrucci

“La canción es una reflexión introspectiva sobre el impacto negativo que el hecho de ser obstinado o firme en decisiones puede tener en las relaciones importantes.”, así describe John Petrucci la temática de esta canción en una entrevista a Consequence of Sound.

En este tema, la parálisis hace referencia al estado de nerviosismo del protagonista al encontrarse en el dilema sobre si debe dejarse influenciar al momento de tomar decisiones o no. Incluso Petrucci hace una comparación con una historia bíblica que se enfoca en ese mismo tema, el de la presión social.

La ira, la presión.

Estás ahogando tus palabras de nuevo

Sientes los nervios asentados

Frustración no hablada

Ellos ven a través de ti

Fácilmente te pueden ver 1, como un fantasma dentro de ti.

 

Un corazón que no siente dolor.

Adicto al juego

Sucumbiendo a la presión 2

Estoy paralizado 3

La mirada de un extraño.

Es como una herida que sangra de nuevo.

Silencioso como los mueros

La víctima, el mártir.

Como Daniel en el foso de los leones.4

Una y otra vez

 

Un corazón que no siente dolor.

Adicto al juego

Sucumbiendo a la presión

Estoy paralizado

 

Un corazón que no siente dolor.

Adicto al juego

 

Fatiga mental incesante 5

¿Qué puedes ganar?

El ver la vida a través de una lente estrecho y fracturado.

Te asegura que termines perdiendo. 6

Sucumbiendo a la presión

Estoy paralizado

 

 

1. Paper-thin es una expresión que denota una fineza superlativa, o algo muy delgado; en este caso pueden ver nuestro interior de una forma sencilla. El protagonista es una persona firme en su toma de decisiones pero se ve en la necesidad de cuestionar si eso es lo correcto, ya que tiene miedo a ser influenciado.

2. La letra hace un guiño a la locución crack/buckle under the strain que significa, dejar de funcionar debido a la presión ; o tener un colapso mental debido al estrés.
   

3. El narrador se siente paralizado porque cambiará de decisión debido a la presión, esto es la influencia directa o indirecta de la sociedad en la toma de decisiones de uno.
4. En esta historia bíblica, Darío el Medo, un rey de los caldeos en Babilonia; se deja influenciar por habitantes de su reino, y lo fuerzan a castigar a Daniel, el profeta, al cual Darío estimaba; el castigo consistía en aislar a Daniel junto a varios leones, con el fin de que los leones devoren a Daniel. El rey Darío sucumbió a la presión social y castigó a Daniel muy a su pesar. Afortunadamente, Daniel con la ayuda de Dios, no fue herido por los leones. El rey al comprobar la existencia de Dios, y reconocer que cometió un error, decide pedir disculpas a Daniel y enviar a los hombres que incitaron el castigo a la guarida de los leones, y estos fueron asesinados a los segundos.
5. El protagonista aun no puede decidir qué hacer y eso lo consume mentalmente
6. Le recomiendan al protagonista a sucumbir y cambiar su forma obstinada de ver las cosas ya que esta le traerá cosas negativas, es mejor ver la vida de un lente amplio que verla de un lente estrecho con limitadas opciones.

3. Fall Into the Light:

Letra: John Myung y John Petrucci

John Myung fue el que originó la temática del tema, y al ser una canción tan fuerte, no quería debilitar la canción poniendo una temática leve, así que le costó mucho encontrar una idea central para este tema; él indica que la forma fácil de escribir la letra para un tema tan pesado musicalmente, sería hablar de caos u oposición al sistema; pero el decidió centrar la canción en superar dificultades de la vida.

John Petrucci agrega que para él, la canción tiene un matiz de oscuridad y claridad, y esto se puede notar en el coro, ya que intencionalmente las letras en el coro, cambian la perspectiva de oscuridad y luz de la canción. Para Petrucci, los versos escritos por Myung lidian con la oscuridad, mientras las letras del coro dan un aire optimista a la canción con aires a conexiones espirituales.

“Fall Into The Light” trata sobre la búsqueda de la iluminación que existe en la vida “, dijo el bajista John Myung en un comunicado de prensa. “Es más sobre los temas subyacentes del viaje de la vida y menos sobre lo que sucede una vez que llegas allí. Es una canción de introspección; sobre mirar dentro para encontrar tu felicidad individual”.

Esta canción continúa en la serie de temas escritos por Myung cargadas de misticismo, metáforas y comparaciones profundas, que hacen que sean difíciles de interpretar.

Escritos en el agua, los recuerdos se disipan.1

Los ojos comienzan a abrirse, la oscuridad se aleja. 2

El tiempo y espacio, como rosas cuyos pétalos caen y se desvanecen.

Y caen en la luz como si soñara con el ayer.

Demasiado amor no es suficiente para nosotros

Una vez fui demasiado ciego para ver 3.

No hay nada sagrado, solo el cielo sabe.

Así que gira hacia el sol y mira tu alma. 4.

Demasiado amor no es suficiente para nosotros

Una vez fui demasiado ciego para ver

Demasiada esperanza nunca será suficiente

La verdad sea ha vuelto  tan clara para mí. 5.

 

 

1. Los recuerdos son pasajeros, y tienden a ser olvidados con el pasar del tiempo.

2. La oscuridad se aleja, y la iluminación entra en la vida

3. Como Myung indicó, es mejor encontrar la luz en uno mismo, que afuera de uno, entonces por más amor que tengamos de afuera, no servirá de mucho porque lo que importa es amarnos a nosotros mismos primero. La ceguera hace referencia a la oscuridad que nos impedía buscar la felicidad interior y nos obligaba a refugiarnos afuera.

4. El girar hacia el sol hace que nuestro cuerpo esté iluminado y por consiguiente nuestra alma también, de esta forma podemos ver con claridad dentro de uno mismo.

5. Al final de la canción, la claridad posa sobre el narrador; dándole un aire optimista al mismo.
   

4. Barstool Warrior:

Letra por John Petrucci

En Noviembre, Petrucci concedió una entrevista donde cuenta a detalle el significado detrás de la letra de Barstool Warrior : ” Se trata de dos personajes no relacionados: el primero es un hombre alcohólico que vive en una pequeña aldea cerca al mar  y ha puesto excusa toda su vida para no salir de allí. Está atrapado en este lugar y se pregunta por qué. Y la segunda persona es una mujer que está en una relación abusiva y también atrapada, y se pregunta por qué se queda. Así que la canción explora cómo las personas se atascan en situaciones como esa. Y al final se da la vuelta, y sé que esto está empezando a sonar un poco abrumador [risas], pero tengo una perspectiva budista donde digo que todo lo que piensas, lo que sientes, lo que crees , con lo que sueñas, puedes hacer de eso tu realidad. No tienes que quedarte estancado en estas situaciones. Así que hay un giro positivo al final cuando los dos personajes se dan cuenta de eso. Es divertido escribir una canción como esa de vez en cuando, porque es casi como un desafío poético: estás tratando de contar una historia, pero no tienes muchas palabras para decir lo que quieres decir, porque Una canción dura solo unos minutos.”

En una reciente entrevista con Loudwire, Petrucci añade: “Soy un gran admirador de Peter Gabriel y cuando escribimos esa canción, suena a Rush o Génesis, o rock progresivo antiguo.”

Esta es una de las letras más fáciles de entender, porque cuentan una historia linear, cada verso pertenece a un personaje de los mencionados, y el final es un mensaje para ambos ya que comparten una historia similar, aquí Petrucci sigue con la temática de superar obstáculos en la vida.

El título “Barstool Warrior” es un portmanteau (recurso lingüístico para la creación de palabras nuevas) de dos palabras: Bar = Taberna y Stool= silla sin espaldar o taburete; entonces el guerrero del banquillo del bar, es el primer personaje que no tiene sueños grandes y está sumergido en el mundo de las adicciones , en este caso al alcohol; la historia transcurre mientras el guerrero está en un bar ebrio y cuestionando el significado de su vida.

Esta bella historia cuenta con un final feliz, y optimista al que Petrucci nos tiene acostumbrados.

Verso 1 :

Guerrero de la taberna

En un rincón oscuro y solitario.

De una posada,cerca al muelle, desgastada por el tiempo

Se sienta un guerrero de una taberna

Hablando con su ginebra

Buscando el origen a  decisiones pasadas

Él hace un gesto para pedir un trago más.

¿Está condenado a ser un hombre que este mundo olvidó?

Solo un prisionero del monstruo que carga consigo.

 

Llámalo mala suerte, llámalo destino.

Llámalo atrapado aquí el resto de mis días.

Lo merezco

¿Qué salió mal y a dónde pertenezco? 1.

Verso 2 : Mujer en una relación abusiva

En el resplandor de luces intermitentes

En la cuneta de una carretera 2.

Aferrándose a los moretones de su piel.3

Ella intenta señalar el peligro.

Con angustia en sus ojos.

¿Él vera el mundo del dolor en el que ella está?

¿O es demasiado tarde? 4.

¿Fue mala suerte? ¿Fue el destino?

¿O un pasado del que ella no pudo escapar?

No está bien, algo está mal

¿A dónde pertenezco? 5.

Promesas hechas, llorando en vano, todas vacías.

Nunca aceptando la culpa 6.

Y no dejando la vergüenza atrás.7.

Un río de lágrimas con el paso de los años, todos desperdiciados 8.

En alguien que no está dispuesto a cambiar.

Ahora solo queda una sombra

Nadie puede salvarte

Y no hay nadie a quien salvar

Ha sido escrito

Te convertirás en todo lo que pienses.

Todo lo que sientes, todo lo que sueñas.

 

Ahora estoy cortando el ancla 10

Y no mirare atrás

Estoy empezando una nueva vida hoy

Ahora veo a donde pertenezco 11

 

 

1. El coro es cantado por el alcohólico que está en el bar, podemos verlo por el uso de adjetivos posesivos y conjugación de verbos en primera persona; en este sentido, entendemos que él quiere cambiar pero su vida ya hecha no le permite liberarse de sus problemas. La pregunta : ¿A dónde pertenezco? es un tema recurrente en la canción.

2. Podemos creer que la mujer se encuentra manejando hacia un destino opuesto al de su pareja para liberarse de la relación tóxica y abusiva, y se detiene un momento en plena autopista, detiene el carro en el borde de la pista y cuestiona su vida actual. Las luces intermitentes pueden hacer referencia a los carros que pasan al lado de ella.

3. Ella ve y toma como motivación para escapar, a los moretones físicos que su pareja le dejó, producto de constantes agresiones físicas.

4. Petrucci da a entender que podría existir la posibilidad de que su pareja se de cuenta de todo el daño que le está causando a la protagonista, y arreglen sus problemas para poder vivir felices.

5. Esta última línea es cantada por la víctima. Vuelve la pregunta hecha por el alcohólico en el primer verso.

6. A partir de aquí las letras están dirigidas a ambos personajes que comparten similitudes, las promesas mencionadas son las personales por parte del Barstool Warrior, y las promesas hechas por la pareja de la mujer, las típicas promesas de un agresor. La culpa es del guerrero y del esposo.

7. Uno de los motivos por los cuales ninguno de los dos acepta la culpa, es porque al admitirla, sentirían vergüenza al reconocer sus errores frente a él mismo ( Warrior) y a su esposa.

8. Literalmente se traduce como “meses que se vuelven años”, esto indica que los abusos y problemas de cada uno son constantes, y todos esos años sufriendo eso, han sido desperdiciados.

9. Cada uno es hacedor de su propio destino, por más que uno se encuentre sumergido en problemas, la única persona que puede ayudar a salvarnos es uno mismo.

10. El cambio empezará, el ancla representa todo los problemas; también es un guiño a la geografía de la canción, un pueblo cerca al muelle.

11. Finalmente ambos personajes encuentran respuesta a la pregunta “¿ A dónde pertenezco? “, esto indica que decidieron enderezar sus vidas y empezar el cambio a pesar de todo.

5. Room 137:

Letra por Mike Mangini

Mike Mangini hace su debut en el área literaria, en su cuarto esfuerzo con la banda; musicalmente escuchamos a un Mangini asentado y espectacular. Como es sabido Mangini estudió Ciencias de la Computación y se vio inmerso en un mundo donde los algoritmos matemáticos eran la piedra angular de la materia.

El número “137” es un número cargado de misticismo en el área de la física, siendo catalogado como el número que fue escrito por Dios. Varias son las teorías sobre la importancia de este número, algunos sostienen que este número podría estar en el centro de una gran teoría unificada, relacionando las teorías del electromagnetismo, la mecánica cuántica y, especialmente, la gravedad, según algunos físicos. Y otros que,137 se refiere a los electrones y las probabilidades de que un electrón absorba a un solo fotón.

Wolfgang Pauli estaba obsesionado con el 137.  Pauli y otros físicos estaban convencidos de que el 137 era un número con un significado secreto más allá de la física. Lo curioso es que Pauli murió en el cuarto 137 ( Room 137) dando paso a más leyendas respecto a este número.

John Petrucci cuenta en una entrevista a Pablo Abarca para Metal Hammer España: “ Cuando estábamos componiendo la canción, Mangini dijo que pondría el tempo a 137 bpm (golpes por minuto) y le preguntamos por qué ese número y nos contó la historia de Wolfgang Pauli.”

La canción trata sobre alguien obsesionado con encontrar el significado al número en mención y al no poder hacerlo, se asoma a la locura, incluso dispuesto a intercambiar su vida con la respuesta a la interrogante planteada.

 

Alguien, alguien está tratando

De decirle algo, ¿lo escuchará? ¿Debería él escuchar?

Alguien, alguien está muriendo.

Para averiguar algo, ¿razonará? ¿Cuál es la razón? 1

 

¿Lo ves allí en la puerta? 2

La muerte se acerca, la vida nunca más.

La obsesión me motiva, nublando mi mente.

¿Cuál es el mensaje, me estoy quedando sin tiempo? 3

 

Alguien, alguien está intentando

En busca de algo, muerte a causa de números, acercándose.

Alguien, alguien está muriendo.

Para conocer la respuesta, la clave del cielo (137).

 

¿Lo ves allí en la puerta? 2

La muerte se acerca, la vida nunca más.

La obsesión me motiva, nublando mi mente.

¿Cuál es el mensaje, me estoy quedando sin tiempo?

 

Llévame al otro lado

Muéstrame lo que no puedo encontrar 4

Recta numérica infinita

Oculto a propósito.

 

Puedo verlo aquí en la puerta.

Uno-tres-siete por siempre

Entre dimensiones

La línea de límite  5

Uno-tres-siete

Me estoy quedando sin tiempo

 

Llévame al otro lado

Muéstrame lo que no puedo encontrar

Línea de números sin fin

Déjame verlo antes de morir 6

 

Llévame al otro lado

Muéstrame lo que no puedo encontrar

Recta numérica infinita

 

 

1. Alguien necesita encontrar solución a un misterio, pero ¿Es necesario tanto sacrificio para absolver una duda?

2. Esta es una clara referencia a Pauli, el cual estaba obsesionado con el número 137 y coincidentemente falleció en la habitación 137, el número estaba en la puerta del cuarto.

3. El narrador es consciente de su obsesión y sabe que el poder místico del número podría acabar con su vida.

4. El protagonista se rinde, y desea satisfacer su sed de duda, y le ofrece su propia vida, con el fin de obtener la respuesta que busca.

5. La línea de límite es un término matemática que indica la demarcación de una figura, en este sentido indica que el protagonista debe mantenerse en el límite y no pasarse de este para no sufrir consecuencias graves como la muerte, solo para satisfacer su duda.

6. El pacto ya está hecho, y solo desea saber la respuesta.

6. S2N:

Letra por John Myung y John Petrucci:

 

En la entrevista con el club de fans francés Your Majesty, John Petrucci dice: “El tema de la canción es una observación espiritual de John Myung donde la señal es uno mismo y su claridad y que puede ser entendido como la pureza de uno mismo en contraste al ruido que es la negatividad en el mundo . el constante bombardeo de malas noticias,  periódicos con titulares negativos,  hambruna, epidemia de drogas terremotos,huracanes, distracciones como las que tenemos ahora en esta entrevista cámaras,  celulares . En el mundo del sonido uno quiere que la relación señal ruido el ruido sea muy bajo y el sonido muy claro el usar esto como una metáfora espiritual sobre suprimir el ruido.”

S2N es el acrónimo de Signal To Noise, que es la relación entre la señal y el ruido; que es el margen que hay entre la potencia de la señal que se transmite y la potencia de ruido que la corrompe.

¿Estamos prestando atención?

¿O nos movemos sin rumbo?

Demasiada acción negativa

No hay suficiente reacción positiva 1

¿Cuál es el estado de la humanidad?

¿Dónde está la paz y la armonía?

Libera la señal, tu voz interior.

Es tiempo de trascender,  bloquear el ruido.2

 

La señal sobre el  ruido 3

Se convierte en la respuesta

El mundo sigue girando.

Mientras nos aferramos al timón. 4

 

¿Has oído las noticias?

Un mar creciente de circunstancias.

Dolor, hambre, guerra, abuso.

Guantes estériles ocultan manos sucias. 5

 

Verdad impactante

Cambio climático

Inundaciones e incendios

Huracanes

Sobredosis

Suicidio

Inocentes mueren

Miedo y raza

Mentiras sin fin

Sexo y fe

Aterrorizan

Drogas y armas

Tomando vidas 6

Inocentes mueren 7

 

La señal sobre el  ruido

Se convierte en la respuesta

El mundo sigue girando.

Mientras nos aferramos al timón

 

La señal sobre el ruido

Define la razón

El mundo sigue girando.

Mientras nos aferramos al timón.

Nuestras heridas comienzan a sanar 8

 

Wow * 9

 

La señal sobre el  ruido

Se convierte en la respuesta

El mundo sigue girando.

Mientras nos aferramos al timón

 

La señal sobre el ruido

Define la razón

El mundo sigue girando.

Mientras nos aferramos al timón.

Nuestras heridas comienzan a sanar

La charloteo desaparece. 10

Y el mensaje es revelado 11

 

 

1. Myung cuestiona el hecho que el mundo está cada vez cargado de más cosas negativas que positivas.

2. Es hora de cambiar el rumbo del mundo y hacer de este, uno mejor.

3. La letra original es “Signal to Noise” que se refiere a que la señal o sonido tiene que ganarle al ruido, para que esta sea inteligible; acá nos basamos en la explicación que da Petrucci en la cual el sonido ( claridad) debe estar siempre sobre el ruido (oscuridad).

4. Esta es una metáfora donde Myung nos dice que el mundo sigue su curso y nosotros vamos a donde el mundo nos lleve, no hacemos nada por cambiar la dirección de este.–

5. La maldad está encubierta o disfrazada; los causantes de la maldad en el mundo no se hacen responsables; a su vez puede ser una referencia a los “délitos de guante blanco” que se refiere a crímenes no violentos cometidos por profesionales de negocios y gobierno con motivos financieros.

6. Estos son ejemplos del “ruido” del mundo (Noise}

7. Esta frase se repite en la canción, es relevante el hecho que gente que no tiene nada que ver en los problemas, salgan perjudicadas.

8. Ya empieza el cambio perceptible en el mundo.

9. El ya famoso “wow” no está incluido en las letras oficiales del álbum, pero debido a la relevancia y el impacto que ha tenido es importante dedicarle unas líneas; la banda subió un post donde se ve al famoso actor Owen Wilson diciendo esa interjección de asombro; entonces así podemos confirmar que el sample escuchado en la canción es de Wilson. En una entrevista a LoudWire, Petrucci se negó a confirmar si el cameo era de Wilson o no : “ Yo no vi a Owen Wilson en el esudio donde grabamos el álbum, …, es un secreto, no puedo decir quién es, o alguien estaba impresionado por lo que hacíamos en esa canción, o simplemente lo odiaron y es un wow de “¿En serio chicos, es todo lo que tienen? “ “ . Cabe resaltar que el nombre de Owen Wilson ya apareció en las letras de una canción de Dream Theater, Octavarium , esta sección fue escrita por Portnoy, donde nombra a íconos personales del espectáculo, él entrelaza el nombre con Ripper Owens ( ex – cantante de Judas Priest) y Wilson Phillips ( banda americana).

10. Chatter es el “ruido” al hablar.

11. Nos damos cuenta al fin que para que el mundo cambie, debemos empezar a hacer cosas nosotros mismos para hacer del mundo, un lugar más positivo y optimista.

7. At Wit’s End
   

Letra por James LaBrie

James Labrie explica: “Parece que esta canción tiene un carácter muy oscuro. Parece que se entrelazan la tragedia con la belleza.  Y es por eso que quería escribir sobre lo que escribí, básicamente una chica que está siendo humillada, básicamente violada sexualmente. Cómo varias relaciones, desafortunadamente, nunca superan  una situación tan horrible. También fui influenciado por el hecho de estar inundado hoy en día con el movimiento MeToo y eso, creo que inconscientemente, fue algo así como un vehículo para que quisiera escribir sobre tales cosas, el cómo las mujeres siguen siendo vistas como objetos en lugar de seres humanos inteligentes.”

Él añade: “Es del punto de vista de la pareja de una víctima de abuso sexual, él la apoya; él  leyó un artículo sobre cómo estas mujeres nunca se recuperan nuevamente, y afecta su relación, se sienten dañadas. Su compañero le dice que tienes que seguir adelante, que sigue siendo la misma y nada ha cambiado.”

En otra entrevista para Songfacts, él dice: “Es un tema muy oscuro. Es el efecto posterior de una experiencia muy traumática y horrible, que es ser víctima de una violación. Leí un artículo y luego vi un documental sobre las víctimas de un acto tan atroz, y es muy difícil para las parejas llevar esto. Entonces, esta letra dice que él le dice a su esposa que no importa lo que haya sucedido, ella tiene que recordar que él todavía la ama como siempre lo ha hecho, que nada se ha perdido, y que ella necesita ver que él sigue siendo el hombre del que se enamoró, él no piensa nada diferente. Él está allí para ella, y necesita que ella redescubra que sí, que ha sido cambiada por este acto, pero al mismo tiempo, tiene que darse cuenta de que hay más en ella que lo que dicta este acto. Entonces, de eso se trata básicamente esa letra: ella intenta salvar la relación debido a eso.”

 

Deja que te ayude

¿Cuánto tiempo más hasta que te das cuenta?

Te estás poniendo peor

Te está matando por dentro 2

 

No puedo avanzar 3.

Siento que tienes que enfrentar esto por tu cuenta

Quieres quedarte sola 4

 

No me dejes ahora

No me dejes ahora

Sé que te está destrozando

 

No me dejes ahora

No me dejes ahora

Vuelve a cobrar vida 5

 

Sientes que te estoy pidiendo demasiado

Pero no puedo dejarlo pasar 6

El miedo forma el odio y tu apatía.

Te sientes vacía y hueca. 7

 

Perdiste tu fe

No hay manera de pasar 8

¿Por qué me excluyes?

Frenética, perturbada, llena de miseria.

No puedo encontrar una solución

 

 

Sin poder dormir,  demacrada.

Mirando al techo

Entumecida

Sedada

Intoxicada 9

 

Ensordecedor

Grítalo, grítalo. 10

Quémalo, quémalo

No hay salida, No hay salida.

 

No me dejes ahora

No me dejes ahora

Sé que te está destrozando

 

No me dejes ahora

No me dejes ahora

Vuelve a cobrar vida

 

(Verso cantado por la víctima de abuso sexual)

Me pidió que lo escuche

No puedo seguir y enfrentar otro día.

Mentí sin admitir

Que lo que perdí todavía está en ti 11.

 

Algo me falta

Ves la oscuridad en mis ojos

Manchada

No hay una cura 12

Viendo todo de nuevo, dejaré de fingir 13.

Deformada dentro de esta marea sin fin 14

No me dejes ahora, no me dejes ahora 15

 

 

1. At Wi’ts end es una expresión inglesa que significa “desesperado”, que alguien está en el límite de sus emociones, y está a punto de tener un colapso mental.

2. La pareja de la chica abusada sexualmente le pide que la deje ayudarla, que esto la está dañando a ella misma, mucho más de lo que ella cree.

3. No puedo ayudarte a la fuerza, necesito que pongas de tu parte para que yo te pueda ayudar.

4. Aquí la pareja explica su frustración, porque el daño marcó mucho en la vida de la víctima, y ella se siente sola, siente que nadie puede ayudarla.

5. La pareja le implora que la deje ayudar, que resucite, que su vida siga.

6. La pareja le dice que ella es muy importante para él y no la dejará sola.

7. El miedo bloquea completamente a la víctima.

8. No puedo ayudarte.

9. Así se encuentra la víctima.

10. La pareja le pide que rompa el silencio.

11. Lo que ella perdió es la imagen de ella misma, ella se ve como un ser dañado, sucio, y sin arreglos; por otro lado él no la ve como algo dañado, él la sigue viendo como antes de la violación.

12. Ella se siente así.

13. Play over es reproducir una imagen de nuevo, ella se acuerda de la violación y eso le sigue afectando demasiado, y decide abrirse a la ayuda que ofrece su pareja.

14. La marea sin fin, son las sugestiones que ella tiene y que la tienen deformada ( lo opuesto al estado natural de alguien)

15. Ahora ella entra en razón y le pide a él que no la deje y que la ayude

 

8. Out of Reach

Letra por James LaBrie

James Labrie explica: “Esta canción es sobre una chica que intenta redescubrir el significado del amor, ella ha pasado            por una situación que marcó su vida, su pareja murió, y quiere volver a amar. Se siente culpable y asustada, no quiere ser dañada de nuevo, porque la muerte de su pareja la marcó; la canción la canta un hombre que desea ayudar a la mujer, y se pregunta qué debe hacer él para ayudarla e inspirarla a enamorarse de nuevo.”

En una entrevista por Greg Prato para Songfacts, Labrie añade: “Quería escribir una canción sobre cómo las personas se ven afectadas cuando pierden a un ser querido. Y en este caso, fue la perspectiva de un chico que presencia o nota a una chica. Utilicé una cafetería como fondo. Ahí es donde muchas personas tienden a ir solo para relajarse, tienen un momento para reflexionar sobre lo que está sucediendo en sus vidas. Este chico se da cuenta de una chica absolutamente hermosa, y al principio piensa que ella tiene todo a su favor: es hermosa, está bien vestida y parece ser financieramente estable. Pero cuando la ve día tras día, sentada en su mesa, se da cuenta de que hay una tristeza en ella. Por lo tanto, la letra trata de que él intenta comunicarse con ella para redescubrir el amor, porque ve que en su vida le falta algo debido a una pérdida.”

No queda claro si el protagonista solo quiere ayudar a la mujer, o si tiene algún interés amoroso por ella.

Hay algo acerca de esta chica

Algún tipo de magia

Juro que ella me hechizó 1

 

No es la primera vez

Podría ser la última vez

No puedo dejar pasar este momento. 2

 

Trato de encontrar las palabras

Ninguna palabra parece la correcta

Aire de confianza

Pero apenas puedo respirar 3

 

Ya no le importa nada

Electrificada y congelada. 4

Mil voltios me motivan.

 

Sus olas rompen sobre mí 5

Muy abajo, fuera de alcance

La resaca, mi ensueño.6.

 

Tristeza en su sonrisa

Amor ha pasado un tiempo 7

Cerca pero lejos

Ella persigue ese pensamiento cada día. 8.

 

Una promesa de volver

Todo el tiempo ella sigue esperando

Parece que perdió su camino

 

Fuera de alcance

Demasiado difícil de alcanzar

Estás dejando que tu vida se te escape.

 

Fuera de alcance

Sí, es difícil de alcanzar

Hay otro día

 

Aunque te duele y tienes miedo.

Eres más fuerte que ayer 9.

 

 

1. En una cafetería, un hombre ve a la mujer; y le parece demasiado interesante.

2. Él necesita decirle algo a ella

3. Le es difícil saber qué decirle.

4. Suspendida en el tiempo.

5. Su tristeza me afecta de sobremanera.

6. Una resaca es una corriente de agua fuerte en una dirección opuesta a la dirección del agua. El ensueño es el soñar despierto; él no deja de pensar en ella.

7. Ya pasó mucho tiempo de la pérdida de su anterior pareja.

8. Ella no deja de pensar en la muerte, se siente algo culpable.

9. Él la sigue motivando a olvidar lo que pasó y vivir de nuevo.

 

9. Pale Blue Dot

Letra por John Petrucci

La letra está influenciada por Carl Sagan, Petrucci explica para Loudwire: “El discurso que dio Carl Sagan sobre la tierra como un punto azul pálido, su reflexión fue como que, deberíamos ser mucho más amables el uno con el otro, porque solo somos este pequeño punto flotando en el universo.”. Añade que de una manera curiosa, el tema del Voyager se le presentó de diversas formas: el papá de Petrucci era admirador de Sagan, la tripulación del Voyager estaba siendo homenajeada, vio un documental con su hija, al ver Star Wars piensa en Carl Sagan, y piensa que debemos ser unas buenas personas, porque si nosotros no salvamos el mundo, nadie más lo hará.

El “punto azul pálido” es la tierra. La frase proviene de una fotografía tomada en 1990 por la sonda espacial Voyager 1 que muestra al Planeta Tierra como una pequeña mancha. El astrónomo Carl Sagan encontró la imagen bastante profunda, y en 1994 publicó un libro llamado Punto azul pálido: Una visión del futuro humano en el espacio, donde habló de nuestro lugar en el Universo.

El arte conceptual de esta canción, es el mismo que el Disco de Oro del Voyager que incluye “Los Sonidos de la Tierra”

En una entrevista para Your Majesty, dice: “La canción tiene una introducción planetaria, y suena a  Star Wars o Interstellar, suena a “espacio exterior”, las letras hablan sobre la filosofía de Sagan y el Voyager, todo  encaja con el humor de la canción.”

Tan lejos de casa

Más allá de un alcance lejano

Distantes susurros desde el borde.

Volviendo poco a poco 1

 

Un punto de luz solitario.

Capturado en un lugar final.

Un indicio solitario de la vida.

Descubierto si por casualidad 2

 

Creadores de Dios

Destructores de sueños

Cobardes sin carácter y guerreros valientes.

Niños esperanzados

Madres y padres

Nuestros ríos llenos de sangre alimentados por el odio.

Adoramos héroes, reyes y santos.

Pero quien esta ahi

¿Para salvarnos de nosotros mismos? 3

 

Todo lo que sabrás

Toda la vida que alguna vez fue

Todo lo que desprecies o ames.

Viviendo sus vidas 4

 

Este punto aislado

Atravesando la oscuridad cósmica.

Parece que se extravía

Si nos eliminan 5

 

Creadores de Dios

Destructores de sueños

Buscadores de conocimiento y exploradores audaces.

Niños esperanzados

Madres y padres

 

Todo en este lugar, lo llamamos nuestro hogar.

Sin rumbo  en el espacio,  estamos solos en esto.

Pero quien está ahí

¿Para salvarnos de nosotros mismos? 6.

 

 

1. Es una referencia a como se ve la Tierra desde el espacio exterior.

2. Otra descripción de nuestro planeta.

3. Es una descripción de todos los que habitamos el planeta, y nos dice que si nosotros no nos salvamos, nadie más lo hará.

4. Petrucci comenta en una entrevista que el comparar al planeta Tierra como un “punto azúl pálido” , nos demuestra lo insignificantes que somos para el universo, y que toda la creación e historia humana( guerra, eventos importantes, celebridades, descubrimientos) se resume en que solo somos un pedazo minúsculo en este universo gigante.

5. Somos tan insignificantes que si la Tierra desaparece, nadie lo notaría.

6. Vuelve el tema que explica John en las entrevistas “ Si la humanidad no se salva a ella misma, ¿Quién lo hará?”

10. Viper King ( Bonus Track)

Letra por James LaBrie

 

 

Esta canción , es el bonus track del álbum, esto debido a que es una canción alejada de las composiciones tradicionales de Dream Theater; no solo en ritmo sino en la letra también; cuenta con una letra divertida y llena de energía.

El álbum contiene la advertencia de contener “Letras explícitas” que usualmente se refieren a letras de carácter sexual o grotesco; esta es la canción que estimula la mencionada advertencia.

En una entrevista con Songfacts, LaBrie comenta: “ “”Viper King” es una canción muy divertida. Se trata de un coche grande, el Dodge Viper. Se trata del espíritu de tener amor por algo, ya sea un pasatiempo o un deporte. Y en este sentido, es un amor por los cochesgrandes. Es una descarga de adrenalina, y las personas tienen diferentes maneras de obtener su adrenalina. A mí me encantan los autos, pero en realidad mi adrenalina es el esquí (deporte sobre nieve). Me encanta esquiar montañas y cosas así. Pero también me encantan los vehículos. Cuando estaba escribiendo esta letra, debido a la naturaleza de la canción, me recordó un poco a “Red Barchetta” de Rush o “Highway Star” de Deep Purple. Tenía ese tipo de sensación, especialmente “Highway Star”. Es una canción de blues rock.”Viper King” tiene un poco de esos matices y también una sensación de Van Halen. Solo quería escribir sobre la emoción de conducir por la carretera y liberar tu espíritu, disfrutando del viaje.”

Venenoso 1

A propósito

Tumbado ocioso

Esperando el momento 2

 

Apretando el embrague

Destrozando la carretera

600 caballos

Código genético 3

 

Velocidad de la luz

El camino que ella destruye 4

Golpeo  los frenos

Perdiendo la raya de mi culo 5

 

Conducir

hasta el límite

Mi rey víbora 6

Estamos volando alto

 

Conducir

Lleno de deseo

Nada que temer

Me siento vivo

 

Mi rey víbora

 

Demonio de la velocidad

Tentando al destino

Haz o muere

En un parpadeo 7

 

Conducir

hasta el límite

Mi rey víbora

Estamos volando alto

 

Conducir

Lleno de deseo

Nada que temer

Me siento vivo

 

 

1.El Dodge Viper es el carro de la canción, Viper significa víbora, es una referencia el veneno  de esta.

2. El protagonista espera el momento para encender su Dodge Viper.

3. El amor por los autos está en el ADN del protagonista

4. “Ella” es su Dodge Viper

5. Esta es la línea que le da el carácter de “Explicit Lyrics “ al álbum; el perder la raya del culo, hace referencia al hecho de permanecer sentado por mucho tiempo, en este contexto, el conductor ama tanto manejar su Dodge Viper, que pasa interminables horas en él.

6. El nombre para su Dodge Viper es Viper King o Rey Víbora.

7. Al protagonista le encanta la velocidad y la adrenalina; y es consciente que se expone a peligro inminente al conducir así –

Conclusión:  

La mayoría de letras del Distance Over Time son del balance entre la oscuridad y la luz, se presenta un problema y una solución o final feliz.

John Petrucci nos acostumbra a unas letras yuxtapuestas, con metáforas y separadas por comas, como referencia a sinónimo de igualdad.

John Myung hace las letras más difíciles de decodificar, con metáforas existencialistas, y llenas de comparaciones etéreas.

James Labrie opta por la narrativa tradicional, contando una historia lineal.

Mike Mangini en su primer esfuerzo, nos da unas letras llenas de misticismo, pero simples en contenido.

Ojalá en este análisis hayan encontrado respuestas a preguntas formuladas al escuchar el álbum o leer el booklet adjunto.

Agradecimientos:  

A Esteban Zamorano, director de Nación Progresiva,  por el review que hizo del disco, el cual me ayudó a interpretar los temas con mayor claridad.

A Ana Sol Lazo Pinto José, experta en Traducción e Interpretación de Textos,  por su gran ayuda al decodificar las intrincadas letras de S2N, At Wit’s End y Out of Reach.

Henry Espinal Alvarez

Lingüista especialista en Lingüística Comparada Inglés- Español

Perú.