Titulado simplemente Rammstein e ilustrado con un solo fósforo (pero con muchas ganas de incendiar todo), ya hay detalles importantes sobre el regreso de los alemanes industriales. La banda ha publicado la portada y la lista de temas de su esperado nuevo álbum de estudio que llega casi después de 10 años de “Liebe Ist Für Alle Da” (2009)
El LP sale el 17 de mayo a través de UME /Spinefarm en Europa y Caroline Records en los EE. UU.
En cuanto a la dirección musical del disco y cómo se compara con los trabajos previos de la banda, el guitarrista Richard Kruspe dijo: “Es muy difícil decirlo, porque llevo trabajando cuatro años en el disco, y ahora estamosdy tan cerca. Creo que cuando escucho el registro, todavía estamos en el proceso, pero es casi como un ‘Rammstein 3D’, así lo describo. Hemos escrito muchas cosas, pero grabamos, creo, 16 canciones en este momento. Probablemente vamos a mezclar 11 canciones porque nos estamos quedando sin tiempo ahora. Creo que saldrá en abril, que será la fecha de lanzamiento. Luego, estaremos en nuestra primera gira de estadios, lo que es muy emocionante”.
También anunciaron recientemente un lote de fechas de la gira europea de verano 2019. La gira de estadios comenzará el 27 de mayo en Gelsenkirchen, Alemania, y finalizará el 23 de agosto en Viena, Austria.
Portada y tracklist:
01. Deutschland (05:26) 02. Radio (04:37) 03. Zeig Dich (04:16) 04. Ausländer (03:52) 05. Sex (03:56) 06. Puppe (04:33) 07. Was Ich Liebe (04:30) 08. Diamant (02:33) 09. Weit Weg (04:19) 10. Tattoo (04:10) 11. Hallomann (04:09)
Es una de las más veneradas canciones no solo de “Doolittle”, disco elemental de los Pixies y para entender todo el rock alternativo, sino que de la historia del rock. La banda, la verdad, es que estaba mucho más que inspirada en la construcción de todo lo que significó “Dollittle”.
De corta letra pero donde expresan mucha alma, ha convertido esto en momento sagrado para los shows en vivo, gracias a la desgarradora forma de cantar de Frank Black y a esa marca de bajo entrañable de Kim Deal.
Esta canción, que tiene una doble lectura, se refiere a la historia bíblica de Sansón, a quien sus enemigos sacaron los ojos y finalmente los mató a todos cuando fue encadenado a dos pilares en su fortaleza. Bajó los pilares, derribó el edificio y se mató a sí mismo y a sus enemigos, pero también posa su significado en las drogas, a la heroína y marihuana específicamente, y muchos lo consolidaron como un himno a ello.
Encadenado a los pilares
A 3 day party, I break the walls
Una fiesta de tres días, rompo las paredes
And kill us all with holy fingers
Y matarnos a todos con sus gloriosos dedos
Gouge away, you can gouge away
Picarte, tú puedes picarte
Stay all day if you want to
Quédate todo el día si tú quieres
El baterista de Pixes, David Lovering, le dijo a MusicRadar: “Es el ejemplo perfecto de una verdadera canción de los Pixies. Tiene el verso tranquilo y luego se hace todo lo desgarrador posible para el coro. La forma en que está estructurada, es de dos capas opuestas. Recuerdo cuando la grabamos ‘Pensé que era la cosa más convincente que hemos hecho’, dijo el batero.
Todo un clásico a 30 años de una de las obras más fundamentales del rock alternativo
Para los fans de Iron Maiden y Bruce Dickinson 1993 no fue un muy buen año que digamos. La gran voz de la doncella en esa fecha anunció su intención de dejar la banda, y Harris se encargó de la difícil tarea de reemplazar a uno de los mejores líderes vocales del heavy metal. Finalmente, eligieron a Blaze Bayley de Wolfsbane, quien recientemente habló sobre su audición como uno de los 12 finalistas después de que la banda audicionó a más de 1,000 presentaciones de demostración.
Bayley, quien cantó en los álbumes de The X Factor y Virtual XI de Maiden, recordó haber pensado “lo intentaré” al enterarme de que las leyendas del metal realizaban audiciones para el reemplazo de Dickinson. Hablando de la experiencia con Rockfiend Publications Scotland (video abajo), el cantante continuó: “Creo que tenían 1.500 demos que habían escuchado, y luego hubo, como una especie de 12 discípulos que fueron elegidos para la audición. Y tuve la suerte de ser uno de esos 12 “.
Nunca se supo mucho sobre los detalles tras bambalinas de estas audiciones y los fanáticos han especulado durante mucho tiempo sobre qué otros cantantes fueron considerados seriamente para el rol, haciendo de la nota de una docena de potenciales una pequeña revelación.
Sin dar nombres, más detalladamente hablando del proceso, Bayley continuó: “Fui al estudio a cantar en vivo. Había 10 canciones en el set en ese momento, 10 de los clásicos que tenías que aprender, y fui y terminé como el mejor.” Mencionó estar “muy, muy sorprendido” de que lo hayan elegido, especialmente porque su voz es “muy diferente a Bruce”.
“Nos parecíamos un poco, pero nuestras voces eran radicalmente diferentes”, dijo Bayley, quien explicó: “Pero creo que lo que querían era un cambio, y los álbumes que hice, The X Factor y Virtual XI, que Fue el verdadero comienzo de la era progresiva de Iron Maiden y aprendí mucho sobre la composición de canciones y sobre mi voz. Y fue una experiencia increíble. Creo que la música que creamos fue simplemente fantástica”.
Maiden no tenía material preescrito antes de que Bayley se instalara, pero indicó que le dijeron que tenía libertad para participar sobre el proceso de composición. Orgulloso de haber contribuido, el cantante sonrió: “Así que tuve algunas canciones en el álbum. ‘Man on the Edge’ fue algo que co-escribí con Janick Gers, y que fue Top 10 en todo el mundo en las listas de rock. Fue una cosa fantástica, absolutamente fantástica, con un gran video y todo. Fue increíble”.
Todo lo que refleja este disco es sentimiento, porque nació a partir de la pérdida, la tristeza y oscuridad que causó la muerte de Andrew Wood de Mother Love Bone a causa de una sobredosis. Factores tan intrínsecos en la personalidad del grunge que para muchos esta placa lleva a material orgánico todo este espíritu melancólico concentrado. El álbum, que unió a miembros de Pearl Jam y Soundgarden en sus nacientes carreras, se ha transformado en una obra de culto del estilo, y qué duda cabe, más aún con la reciente pérdida de una de sus voces en que ha resucitado esta aura como si la historia se repitiera una y otra vez.
Hay datos bien interesantes: la banda grabó la canción el mismo día en que Vedder voló desde San Diego para reunirse con sus nuevos compañeros de banda en lo que se convertiría en Pearl Jam: ese 8 de octubre de 1990. Era la primera vez que se encontraba con algunos de sus nuevos compañeros (Vedder fue elegido como vocalista de PJ en base a una cinta que envió a la banda donde agregó voces a algunas de sus canciones, donde se inspiró en las letras surfeando). Este era además otro histórico momento de encuentro en un estudio.
Chris Cornell, por su parte, planeó cantar las partes altas y bajas del coro que reza “Going Hungry” por sí mismo con la ayuda de overdubs, pero estaba luchando con el registro bajo. En un momento decisivo, Vedder se acercó al micrófono y cantó las partes bajas del coro, lo que hizo que la canción se escuchara para Cornell. He ahí donde nace la magia, no tan solo del tema, sino para el descubrimiento de una de las grandes voces del rock y que en este tema tuvo su primera oportunidad para convencer de ello al mundo.
Con dos voces distintas, Cornell ahora pudo cantar las letras del verso al principio de la canción, y Vedder podría seguir con la misma letra, dándole un sonido diferente. Fue un momento enorme para el tema y para Eddie, ya que de alguna manera “se entrometió” en la canción de Cornell, pero sin parecer arrogante, y se ganó el respeto de sus nuevos compañeros de banda en el proceso. Fue la primera voz grabada de Vedder para un disco importante, y demostró a todos los que estaban en la sala que él entendía su sonido y estaba dispuesto a contribuir de la mejor manera que pudiera al propósito del disco.
El video de la canción fue filmado y dirigido por Paul Rachman en Discovery Park en Seattle. La vista de un atardecer, con la espalda de los miembros de la banda a la cámara frente a la isla de Bainbridge, hogar de Andrew Wood, fue un adiós simbólico para su gran amigo y el principal leit motiv de aquel gran disco.
En los términos de música popular “suite” se le llama a una forma musical compuesta por distintos matices, movimientos y estilos en una sola armazón musical. Muchas canciones del progresivo estructuradas por piezas son denominadas así porque es la esencia de la soberbia forma de componer del estilo, aunque la reminiscencia de este término viene de las piezas clásicas del barroco de los maestros sinfónicos como Mozart, Bach o Beethoven, como la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de “contraposición”, tomar una idea que represente distintos estados mentales.
Sin duda, es así como a esta canción de Porcupine Tree se le podría aplicar muy bien. Su belleza viajera y onírica contrasta con el peso de las guitarras y densidad cargando un drástico mensaje que está rociado de aburrimiento y crítica a lo cotidiano, las píldoras y los efectos hipnotizantes de una sociedad moderna de principios de milenio.
Steven Wilson escribió “Anesthetize”, junto con el resto del álbum “Fear of a Blank Planet”, durante febrero de 2006 en Tel Aviv y para ello tuvo una idea mucho más ambiciosa que todas sus formas y mecánicas experimentales space rock que estuvo haciendo en los inicios de la banda (que por cierto, fueron bastante complejas y dignas de repaso). La canción se puede dividir en tres secciones, y en el folleto del álbum, las marcas de asterisco separan las letras de cada una de las secciones. Estas secciones no se mencionan específicamente en el folleto, aunque ha sido el guitarrista Gavin Harrison quien reveló que la segunda parte se llama “The Pills I’m Taking” y más tarde el propio músico agregó en una entrevista que las partes primera y tercera se llaman “Anesthetize”” y “Surfer”, respectivamente.
Como los más cercanos a “Fear of A Blank Planet” sabrán, esta inmersa en todo un álbum conceptual sobre un niño/adolescente que no puede lidiar con el mundo moderno. Comenzando con una descripción de la vida, terminando con el posible suicidio o la entrega “a los brazos de Dios o una entidad divina” (“Sleep Together”).
“Anesthetize” es la gran obra maestra del disco. En la primera parte el adolescente describe la falta de sentido de su existencia. En el coro, primero comienza a caer en una depresión al darse cuenta de que en realidad es más un fantasma que un humano. Realmente no viviendo en este mundo, solo existiendo. Sin ningún sentido, sin atención de nadie. Pero justo cuando comienza con estos pensamientos, se detiene diciendo: “Cállate, sé feliz, deja de quejarte, por favor”. Trata de no dejar que estos pensamientos tomen la delantera.
A good impression of myself Not much to conceal I’m saying nothing But I’m saying nothing revealed
I simply am not here No way I should appear happy Stop whining please
En la parte dos tenemos una descripción de la vida que tienes cuando detuviste exitosamente estos pensamientos. Una vida vacía y aburrida como consumidor. Sin nada que realmente puedas esperar, tu mente está apagada o dejada a la intemperie de la realidad que te quieren mostrar los medios y sociedad.
Only apathy from the pills in me Its all in me, all in you Electricity from the pills in me Its all in me, all in you Only eMpTV, cult philosophy
En la parte tres es donde cae toda la belleza poética de esta canción, aunque con un final tan ambiguo que es difícil interpretarlo
Primero es solo una imagen que él describe. Cómo se ve el mar y las olas. En combinación con la increíble música que apaga la marcha de toda ese mundanal ruido de antes, él está ahí para alejarse de la realidad. Tener algún espacio para soñar un poco. También puedes comparar este corto camino de las olas con su propia vida, tal vez es por eso que está sonriendo al sol. Un pequeño camino hacia la costa y todo ha terminado. No hay signos de dolor. La idea de que la muerte es lo que le pasa es inevitable.
Mientras hace esto, ve a su (primer) amor (tal vez aquel túnel del final de tu vida donde ves muchas imágenes en un segundo). Él solo la está mirando y se da cuenta de que ella no comparte este sentimiento con él cuando se está alejando. Es por eso que dice “is black across the sun”, el sol, la luz, la esperanza, pero que no llega, se le hace mezquina, se va diluyendo ese pequeño rayo tornando todo negro al final.
You were holding your hat in the breeze Turning away from me in this moment You were stolen as black across the sun
Hay mucha poesía y metáfora en ella, sobre todo en la última parte, es por eso que con los años se ha transformada más que en una “suite”, en una verdadera obra de arte de difícil interpretación. Los ingleses con esto se anotaron otra de las grandes canciones al estilo “Bohemian Rhapsody” que seguramente serán estudiadas más y más en el futuro, dejando para una eternidad los casi 18 minutos más notables de una canción en la historia del rock.
Joey Ramone hace tiempo que se ha ganado su carácter de figura de culto en la historia del rock, mucho más allá del punk mismo que lo vio nacer, y una de sus anécdotas más sabrosas contadas en televisión ocurrió en 1999, casi dos años antes de que falleciera, por lo cual fue una de sus últimas entrevistas públicas.
En la entrevista, que ocurrió en el popular programa de Conan O Brien, el vocalista emblemático de los Ramones se ve de muy buen humor y habla, entre otras cosas, como cuando abrieron shows a Toto, de la rivalidad entre ellos y los Sex Pistols (tema que ha sido recurrente en la historia y conversaciones de la banda) y luego de que tuviera un divertido cambio de palabras con el conductor por las fechas en que ambas bandas se originaron, el vocalista cuenta aquel día en que se juntaron en gira y cuando él y Johnny Ramone “como que le meamos la cerveza” y se la dieron a Johnny Rotten, causando las carcajadas de los espectadores.
En el video también habla de la influencia de la banda y los divertidos nombres de algunas canciones, por cierto
Fans de Iron Maiden en Chile hay de sobra, por lo cual hacer una actividad como esta se necesitaba casi de forma imperiosa. Ahora, en una iniciativa conjunta entre el Instituto Chileno Británico de Cultura (ICBC), el centro de eventos Baleduc y fans de la banda, es que el próximo 1 de junio de 2019 se realizará por primera vez en Chile la “Expo Iron Maiden”, actividad que busca reunir a fanáticos de todas las edades de la legendaria banda que llegará a Chile, para brindar dos shows, en Octubre.
El inédito encuentro, que tendrá una duración que se extiende desde las 13:00 hasta las 22:00 horas y contará con expositores, charlas de expertos, proyecciones audiovisuales y bandas tributos, será de caracter gratuito y se desarrollará en una sola jornada.
“Todos los conciertos de Iron Maiden generan una gran expectación y esperamos que sea la previa ideal para los dos shows que tienen agendados en octubre”, indicó el encargado de comunicaciones del ICBC, Jorge Ahués, en tanto la representante del grupo organizador, Sandra Ruiz, enfatiza que “este será un encuentro sin precedentes y esperan poder repetirlo año a año. Abrir un espacio para los fanáticos permitirá crear más instancias en común para los seguidores de la banda”, destacó.
El evento se llevará acabo el 1 de junio en el Centro de Eventos Bal le Duc (Av. Matta #129).
Tal como nuestra vía láctea lleva su nombre derivado del mito del chorro de leche que salta del seno de la Diosa Hera mientras amamanta a Heracles —creando las estrellas y galaxias— muchas cosas que hay en el cosmos están inspiradas en la mitología griega. Rocinante es el nombre del caballo que Zeus monta, así como el nombre del caballo de Don Quijote y en este tema lleno de fulgor progresivo los canadienses eligieron bautizar así también a la nave que viaja por los confines del espacio en busca de este Agujero Negro, en una expedición alucinante llena de ciencia ficción dándole vida a algo que hasta el día de hoy se nos ha hecho imposible realizar, pese a los avances de la ciencia y de que ya hay una imagen que ha sacudido al mundo comprobando que los Agujeros Negros si existen y son “visibles”.
Navego a través de la Vía Láctea En mi nave, la ‘rocinante’. Girando a través de las galaxias, Dirigido hacia el corazón de Cygnus. De cabeza en el misterio
Esta es una canción de dos partes, la parte 1 viene en el gran A Farewell To Kings (1977) y la parte 2 está en Hemispheres (1978). Las dos partes individuales se conectan para establecer una ambiciosa historia, de aquellas que tenían días enteros metido de cabeza al gran Neil Peart, porque la verdad, lo que encontrábamos en esos grandes discos, aparte de brillantes canciones, era realmente literatura fascinante salida de la pluma del baterista.
Este Rocinante, el caballo del espacio de Rush, viaja hacia el agujero Negro Cygnus x-1, creyendo que puede haber algo más allá de él. A medida que se acerca, cada vez es más difícil controlar la nave y, finalmente, es atraído por la fuerza de la gravedad. “El sonido y la furia ahogan mi corazón/ Cada nervio se desgarra” canta Lee desesperadamente al final de la primera parte .
En la constelación de cygnus. Allí se esconde una misteriosa fuerza invisible. El agujero negro de Cygnus X-1 Seis estrellas de la cruz norte. En luto por la pérdida de su hermana. En un último destello de gloria. Nunca más para honrar la noche Invisible Al ojo telescópico infinito
Todo se vuelve más místico y épico, con síntomas de historias distópicas como Rush tan bien desarrollarían en los ’70 (al estilo de 2112) en la segunda parte en el Libro II ( “Book II: Hemispheres”) donde el tema se subdivide en seis partes.
El explorador vuelve a entrar en la historia, pero esta vez él ha emergido en el Olimpo, donde presencia a los dioses Apolo y Dioniso atrapados en la lucha entre la Mente y el Corazón. Antes de su llegada, los pensadores lógicos son dirigidos por Apolo y las personas emocionales son gobernadas por Dionisio creando todo un conflicto. Apolo les había enseñado a la gente cómo construir ciudades y explorar las profundidades de la ciencia y el conocimiento, pero Dioniso había atraído a muchos de ellos a los bosques salvajes y les había proporcionado amor. Sin embargo, sus seguidores no almacenan ningún alimento para el invierno y son atrapados desprevenidos. Se desata un enorme caos cuando las dos formas diferentes de vida chocan.
Tengo memoria y conciencia Pero no tengo cuerpo ni forma. Como un espíritu sin cuerpo. Estoy muerto y sin nacer
He pasado al olimpo Como se contaba en cuentos de antaño. A la ciudad de los inmortales Mármol blanco y oro puro.
Cuando el protagonista reflexiona sobre lo que ve, se atormenta en la falta de equilibrio de las personas que insisten en uno u otro extremo. Su clamor despierta conciencias y su grito es escuchado por los guerreros y hace que reconsideren su lucha y se unan. Los dioses reconocen al explorador como un nuevo dios naciente y lo llaman Cygnus, el Dios del equilibrio.
Las voces únicas de Geddy Lee en esta canción resultaron, en parte, de la experimentación con diferentes micrófonos tal cual como en los teclados , para que así se captase el factor galáctico en toda ella.
En la realidad, Cygnus X-1 fue descubierto en 1964 y constituye el primer caso en el que se pudo probar la presencia de un agujero negro, algo que había predicho Einstein en la teoría de la relatividad, aunque en el año que murió (1955) no se le dio mucho crédito para este tipo de fenómenos, sino para otro tipo de estudios. El tiempo le ha dado toda la razón a sus descubrimientos y al enorme aporte al gran genio alemán, inclusive Rush y por supuesto, la ciencia actual.
