La admiración de Pearl Jam y Eddie Vedder por el gran Neil Young es de una larga data. Las apariciones juntos y guiños que se han dado históricamente así lo manifiestan, y la verdad es que hay muchos, tantos que llegaron a hacer una colaboración discográfica juntos en 1995 y un épico set en vivo de “Rockin in a Free World”, en los MTV Awards 1993.
Pero también uno de los más significativos fue en el álbum No Code de Pearl Jam de 1996, donde la canción “Off He Goes” y una de las grandes baladas acústicas de su carrera hace clara referencia a un hombre, a sus características físicas, sus gestos y forma de ser, en la cual queda patentada en forma de canción dicha colaboración con Neil Young en el álbum Mirror Ball, grabado un año antes, donde poéticamente Vedder le canta a su estilo único, la sabiduría musical de “Shakey” y el hábito de hacer lo que le plazca:
Conozco a un hombre … su cara parecía estirada y tensa …
Como si estuviera manejando una moto contra los vientos más fuertes.. Así que me acerco con tacto … sugiero que se relaje …
Pero siempre se está moviendo demasiado rápido …
Eddie Vedder habla de esta canción como la de un amigo, a alguien que le tiene respeto y admiración como siempre lo ha hecho a quien en vivo le ha dedicado siempre un espacio, transformando en uno de los mejores momentos de sus presentaciones aquel momento clímax de “Rockin in a Free World” que hemos vivido en carne propia en vivo por estos lados incluso.
Sobre aquella histórica colaboración Neil Young comentó a NME en una oportunidad sobre la magia que se dio en las sesiones de “Mirror Ball”: “La belleza del disco, para mí, lo que realmente le da profundidad, es quién toca y cuándo. Donde deciden tocar es tan grandioso y muestra mucha sabiduría pese a sus años. No había dirección. No se habló de una palabra para hacer con, ya sabes, ‘tocas aquí, tocas acá, hagamos esto, hagamos eso’. Nada, ni una sola palabra. Empezamos, yo tocaba un poco en la guitarra y les mostraba los cambios y luego lo tocábamos y lo cantábamos y, a la cuarta vez, ya había terminado”.
“La Guerra no está al otro lado del mundo… está justo afuera de tu puerta.”
Hollywood, la televisión, los medios de comunicación llenan de humo las mentes de las personas y el glamour crea falsas percepciones de lo que es la realidad, la cruenta realidad de la Guerra, de la sangre que hay detrás de cada paso del gobierno americano por mantener el control y la economía en su punto . La prensa alimenta tu mente con mierda, y lo más triste de todo es que las personas ya no anhelan la verdad. Nos encontramos en un estado de autocomplacencia absoluto y nos ponemos nosotros mismos vendas ante nuestros ojos.
Ha inspirado a grandes como Jacques Cousteau en sus asombrosos viajes submarinos y su sonido y música se han replicado en bandas sonoras de clásicos del cine como “Phantom Of The Opera”. “Echoes” es aquella magna obra épica de 23 minutos de Pink Floyd y una de sus composiciones más complejas, donde no encontramos solamente inspirados momentos construidos en base a experimentaciones sónicas de todo tipo, sino también un concepto filosófico—de esos a los que nos acostumbró desde muy joven Roger Waters—para terminar de moldearla como una verdadera obra maestra del rock progresivo y experimental de la esencial banda de Londres.
La obsesión, el voyerismo y el psicoticismo siempre han existido en las canciones. Y a veces en las menos pensadas. Beth Gibbons, con esta canción, que tiene estos elegantes tintes jazz cincuenteros y un tempo perfecto, habla del amor, sí, pero de ese amor envolvente, pegadizo y tan obsesivo que se pasa “al lado oscuro”, al hecho de sentir tanto por una persona que quieres volverla completamente tuya.
La canción arranca llena de frases bonitas de amor (“Todas las estrellas pueden brillar/Todas las nubes pueden ser blancas/Pero cuando sonríes/Ohh como me siento tan bien”).
All the stars may shine bright All the clouds may be white But when you smile Ohh how I feel so good
Pero conforme al avance se va transformando, volcando toda esa pasión y frases poéticas hermosas—y sin dejar la poesía—en algo oscuro y perturbador. Pero es increíblemente romántica todavía y su melodía una delicia, y cuando se torna oscura, más intensa se muestra.
No habla abiertamente de un psicópata, pero si puede ser sobre la obsesión inicial que tienes en nuevas relaciones. (“No vas a escapar/Amordazado y atado/No hay donde esconderse/Todo mío…/Tienes que ser/No te resistas/Nosotros existiremos/Hasta el día que muera/Hasta el día que muera/Todo mío/Tienes que ser”).
You shan’t escape Tethered and tied There’s nowhere to hide from me All mine… You have to be Don’t resist We shall exist Until the day I die Until the day I die All mine… You have to be
Está expuesta de forma inocente, lo cual es lo más honesto y que más llama la atención, por ejemplo, ¿qué pasa con los sentimientos abrumadores que tenemos cuando empiezas a salir con alguien del que te enganchas demasiado y quieres llamarlo(a) todos los días y todo el tiempo?Siempre quieres estar cerca de ellos y quieres estar con ellos para siempre. Pasa de manera espontánea, pero en ese momento, sin quererlo, compartes las características de un psicópata, y cuando el asunto no es correspondido (generalmente es así) la cosa se torna más desquiciada y oscura y te somete pasionalmente a algo absolutamente fuera de sí.
Portishead es una banda tan sublime como oscura y esa idea escrita por Beth Gibbons para el segundo disco (el homónimo de 1997), puesta con esa maravillosa música, suena totalmente inquietante, pero muy reveladora al mismo tiempo:
“Chutes and Ladders” (Serpientes y escaleras) es un popular juego de mesa para niños de la cultura india, pero del que Korn tomó prestado su nombre readaptándola a “Shoots and Ladders” (algo así como disparos y escaleras). El porqué de ello es bien simple: Korn, con este gran tema de su debut (y con esa ceremonial intro de gaita que la hace más especial aún), quiso hacer una especie de anti-homenaje a las canciones de cuna y a la imaginería infantil, resaltando lo macabras que pudieron llegar a ser las letras de muchas canciones que escuchamos cuando niños y que, en este caso sobretodo, puede causar una especie de post-trauma ya de adulto.
Y es que esta canción trata sobre cómo las rimas infantiles a menudo tienen significados muy oscuros y contienen imágenes aterradoras. Jonathan Davis escribió las letras, y definitivamente él estaba obsesionado con el terror infantil, con la pérdida de la inocencia y recuerdos perturbadores de cuando niño, y claro reflejo de eso es la portada de ese gran debut (la de la niña en el columpio con una aterradora sombra) y muchos pasajes en las lineas de las canciones del esencial álbum de 1994. Algunas bastante fuertes, por cierto, que hasta hablaban de una violación por parte de su padre (“Daddy”), un tema tremendo y revelador que terminaba todo en un largo llanto muy angustiante.
Pero este tema, en que nos centramos en esta ocasión, basa su letra en principalmente cuatro canciones de cuna:
“Ring Around the Rosie”: (“Ashes! Ashes!”Ashes! Ashes! We all fall down…”) es uno de sus principales ejemplos y Jonathan Davis lo dijo en una oportunidad: “Todo el mundo está tan feliz cuando cantan “Ring Around the Rosie”, pero se trata de la Peste Negra. Todas ellas tienen oscuras historias detrás”
“London Bridge Is Falling Down”: El puente de Londres se está cayendo, qué más tétrico que aquello. Hubo un puente de Londres que se construyó en el siglo XV con toda una historia detrás y es como una paranoia a que se caerá después de un ataque vikingo que lo destruyó. En la letra completa se canta que se construya de todas las formas y materiales posibles hasta que un vigilante es el responsable de evitar que los ladrones lo saqueen.
“El puente de Londres se está cayendo,
se está cayendo, se está cayendo.
El puente de Londres está cayendo,
mi bella dama”.
.
“Mary Had A Little Lamb”: Esta es una niña que lleva a su mascota (un cordero) a la escuela, que poco y nada tiene de tenebroso, aunque en la singular cabeza de Davis seguro no le encajaba mucho que una niña llevara un cordero a clases. Es una de las pocas que se incluyen que se originó en Estados Unidos, no en Inglaterra.
“One, two, buckle my shoe” es otra canción muy antigua, que data del siglo XVIII también y que tiene ese son parecido al de la película Pesadilla, con el conteo macabro mientras la niña andaba en triciclo en la abominable casa y caldera de Freddy Kruegger. Seguramente por ahí le calzó a Davis, en años donde tal película era furor.
“One, two, buckle my shoe/
Three, four, shut the door/
Five, six, pick up sticks/
Seven, eight, lay them straight/
Nine, ten, begin again”,
Y hay más, la verdad es que es un rompecabezas de canciones bien armados por la banda y que, por supuesto tiene ese rapeo brutal en la parte final. Sin duda una de las favoritas de muchos, y no tan solo del disco, sino que de toda su trayectoria.
¿Qué tienen en común Abba y los Sex Pistols? Unos fueron incendiarios, tuvieron gran injerencia en el rock y fueron una gran agrupación. Los otros, solo un grupo de pop sueco. Mentira, cada uno tiene su apreciación en la historia y los dos fueron conjuntos que colaboraron en demasía a la música y sus estilos. Si no fuese por los oriundos de Estocolmo probablemente una de las mejores composiciones de los creadores de ‘Anarchy in The U.K’. no existiría.
Londres en 1975 era una ciudad dañada y destruida. Parecía no tener futuro, pero unos chicos que salieron desde las entrañas del desempleo y la apatía volvieron a poner en la palestra a una urbe que sería una de las capitales del movimiento punk en el mundo. “Never Mind The Bollocks Here´s The Sex Pistols” era la obra angular que llegaría como una bomba a los cimientos de la realeza. Con canciones como ‘Holidays in The Sun’, ‘Bodies’, ‘God Save The Queen’ o ‘Seventeen’, romperían los esquemas en una sociedad lúgubre y abandonada por sus propios representantes.
Los acordes de los Pistols eran simples, para muchos, muy simples, pero supieron sacar un provecho inaudito a sus composiciones para hacerlas verdadera música tanto contestataria como reaccionaria. ‘Pretty Vacant’ tenía un riff simplista y que en esos años fue un verdadero triunfo para los que no sabían tocar la guitarra y querían tener esperanzas en poder construir algo glorioso con tan poco en una metrópolis desolada.
“Había un aire de desesperación. El Parlamento no existía, había cortes de electricidad, la basura se acumulaba en las calles. La semana tenía tres días y se sentía un gran abatimiento. Vi la generación en blanco (Blank Generation de Richard Hell) y pensé que podía utilizarla de alguna manera y se me ocurrió Pretty Vacant”, afirmó Glen Matlock, bajista y fundador de los Pistols. Pero no olvidemos recordar la relación de los londinenses con los suecos, pues bastante tuvieron en común. “En una de las canciones de Abba (SOS) había una parte que no tiene fraseo, pero que hace un sonido que me hizo pensar. Se me ocurrió un fraseo que era el más estúpido y el más dadaísta para complementar esa idea para que naciera la canción” aseveró el bajista.
Escuchen y busquen en SOS de Abba las similitudes con Pretty Vacant de los Pistols.
“¿Dónde están los días felices? Parecen difíciles de hallar”, dice parte de la letra de la canción de los creadores de “Mamma mia”, que también podría haber inspirado a la banda londinense a escribir la letra del tercer single del larga duración de 1977. “Fue una de las primeras canciones de los Sex Pistols. Hablaba de algo de lo que los demás grupos de pop no hablaban. Se convirtió en una especie de manifiesto. Una declaración de misión”, agregó Glen. ¡Cuánta razón tuvo!
“No tiene sentido preguntar. No recibirás respuestas / Solo recuerda que tú no decides / No tengo razones / Todo me supera / Siempre descubrirás que salimos a almorzar / ¡Somos tan lindos!”, vocea Johnny Rotten en el track número 10 de uno de los discos de punk más valorables de la historia. La canción cambió el panorama de la escena reinante de esos años y se tomó como un estilo de vida. Fue la voz de muchos apartados, de los rechazados y abandonados del sistema. Los Pistols, con ‘Pretty Vacant’ hablaban de su generación, dieron el puntapié en el culo a todos aquellos que no querían hacer nada para que se pusieran de pie e hicieran algo.
Y bueno, ¿similitudes entre Abba y los Sex Pistols? Quizás ambos grupos en definitiva tocaron música popular para masas. Fin.
El éxito que significó el single debut de Silverchair se explica por la oleada del Grunge, que se gestó desde fines de los 80’s. Tras la muerte de Kurt Cobain en 1994, la prensa musical tenía sus ojos y oídos puestos en cada banda nueva que sonara similar a la corriente musical procedente de Seattle. Una de ellas era Silverchair, el trío procedente de Nueva Gales del Sur, Australia. Al escuchar su single “Tomorrow”, están los elementos más reconocibles del Grunge, con fuerza en voz y guitarra. El detalle que sorprendió a mucha gente era la madurez con la que se atrevieron a salir al mundo, con apenas 15 años por cada integrante al momento de darse a conocer la canción.
Con una sencilla estructura de guitarra-bajo-batería, sumada a una imponente voz, Silverchair comenzó a planear su carrera bajo el nombre Innocent Criminals. Ya a los 15 años, Daniel Johns no tardó en llamar la atención por su registro vocal, que nos hace pensar más en un adulto que en un adolescente. Tiene fuerza y melancolía, elementos característicos de los vocalistas Grunge. Con él en voz y guitarra, Chris Joannou en bajo y Ben Gillies en la batería, compusieron “Tomorrow” para participar de un concurso de bandas impulsado por la Australian Broadcaster Corporation (ABC) y por la radio alternativa Triple J. Estos medios les ofrecieron grabar su single, en una versión más pulida, y un video. Pero un detalle sería el definitivo: el cambio de nombre para la banda por el que ya conocemos.
El arranque de “Tomorrow” lo da una melódica intro de guitarra y la voz de Daniel Johns cantando: “It’s twelve o’ clock, and it’s a wonderful day / I know you hate me, but I’ll ask anyway / won’t you come with me, to a place in a little town”. Su tono de voz se vuelve más intenso y expresivo por cada vez que canta la línea “Very hard to drink”, dentro de la gama de matices vocales que ofrece. Casi a tono con las voces de los referentes Grunge sub-30 de ese entonces.
Un par de versos en la siguiente estrofa traen un mensaje que hasta la actualidad dice mucho: “You say that money isn’t everything / but I like to see you live without it”. Podrá sonar un poco obvio, pero, a su década y media, el vocalista expresó preocupación por el típico pensamiento de “el dinero no es todo”. ¿Será posible imaginar la vida personal sin importarle el dinero? Que cada cual saque su conclusión.
Y el clímax de la canción lo da justamente el estribillo que incluye el título: “You gonna wait ‘til, fat boy / fat boy, wait ‘til tomorrow”. Es el gancho necesario, junto con la intro, para calar hondo en las FM y en cadenas de videomúsica como MTV. Y claro, el videoclip dirigido por Mark Pellington (el mismo de “Jeremy” de Pearl Jam) fue la otra pieza clave del éxito, que llevó a un número cada vez mayor de pedidos en la radio.
Hasta ahora, el legado que dejó este primer single del trío australiano es innegable. Para muestra un botón: En Febrero de 2004, al músico Scott Owen, del grupo punk rock The Living End, se le preguntó por “el lanzamiento más influyente de la música australiana”. ¿Su respuesta? “Tomorrow” de Silverchair, “le demostró a los niños que si quieres probar, tendrás la oportunidad de enfrentarte al mundo”.
Lo que empezó en un estudio de grabación, que según Daniel Johns le significó desembolsar 75 dólares para costearse los demos, se terminó por convertir en el hit #1 del ARIA Singles Chart por seis semanas. En los ARIA Music Awards de 1995, “Tomorrow” le dio como recompensa a Silverchair tres premios: Single del Año, Single Más Vendido y Artista-Single Revelación. Y saliendo de Australia, la canción quedó en el #1 del Modern Rock Tracks y del Mainstream Rock Tracks de Billboard.
Vimos en Silverchair al sueño del pibe, un trío de quinceañeros en los 90’s grabando un demo, compitiendo en un concurso amateur y captando la atención de los medios y de una compañía musical y conquistando el mundo. Cuesta creer que Daniel Johns y los suyos cumplan 40 años este 2019, es verdad. Con todo lo que hicieron después del álbum “Frogstomp”, ellos debieran estar agradecidos de “Tomorrow”, el single que les cimentó su carrera. Que este momento notable del rock les sirva de inspiración a posteriores generaciones.
Como toda clásica banda de rock, en sus primeros discos se encuentra una de sus canciones también clásicas más definitivas. “Closer to The Heart”, es, para Rush y para muchos de nosotros sus seguidores, una de sus canciones más emotivas y que por cierto guarda un gran mensaje, totalmente vigente hasta nuestros días: la eterna lucha por que la clase política se humanice o “esté más cerca del corazón”.
En gran parte, la letra se trata de personas que dirigen gobiernos, y cómo deberían ser responsables de iniciar la armonía tanto entre ellos, como para transmitirlo al pueblo:
“Y los hombres que ocupan puestos altos deben ser los que comiencen a moldear una nueva realidad, más cerca del corazón, más cerca del corazón“.
Está dividida en profundas y conmovedoras estrofas que hablan también del trazar caminos, de encontrarnos a nosotros mismos por el bien de nuestro entorno: La siguiente parte habla sobre un herrero y un artista y cómo forjan su creatividad en su arte. Luego escuchamos sobre el papel de los filósofos y los labradores en la siembra de una nueva mentalidad, una nueva forma de ver la vida.
Esta canción nos dice que todos nosotros, desde los poderosos, hasta los sabios, tenemos la responsabilidad de hacer del mundo un lugar mejor a nuestra manera, y que cada uno de nosotros tenga el poder de hacerlo tomando la responsabilidad de escuchar nuestro propio espíritu y humanidad.
“Puedes ser el capitán, dibujaré el gráfico, navegando hacia el destino, más cerca del corazón“.
Según Lifeson (al menos en 1991), dijo que era una canción muy especial para la banda y como no será, porque tiene una sensibilidad única. Del tema de “A Farewell to Kings” (1977) dijo que “probablemente logra un mejor efecto en vivo, visualmente, de lo que lo hace en el disco. Por la energía que hay puesta en ella, y es una canción muy positiva. Ha estado conectada con la banda por más de 13 años” dijo en esa oportunidad el guitarrista.
