Disco Inmortal: Rainbow – Rising (1976)

A mediados de los 70’s, cansado del sonido funk que adoptó Deep Purple; Ritchie Blackmore tomó sus cosas y se fue. Reclutó a Elf, que fueron teloneros de los púrpuras, despidió a su guitarrista y él mismo llenó el espacio que quedó disponible; quedando lista una nueva banda, Rainbow. Con esa austera alineación inicial sacaron su primera placa, Ritchie Blackmore’s Rainbow (1975), con que cosecharon su primer par de éxitos. Pero al año siguiente, se limpió la casa con miras de posicionarse todavía mejor. Se convocó al baterista de Jeff Beck Group, Cozy Powell; Tony Carey en teclados, Jimmy Bain en bajo y el vocalista siguió siendo el mismo: el hasta por entonces poco conocido Ronnie James Dio.

Acuartelados en los Estudios Musicland de Múnich, y supervisados por un viejo colaborador de la etapa de Deep Purple, Martin Birch, en menos de un mes quedó listo el sucesor. El mismo baterista, en una entrevista, contó lo rápido que fue el proceso; hecho en una o dos tomas, con algunas sobre grabaciones posteriores. Salido al mercado el 17 de mayo de 1976, a través del sello Polydor, Rising se volvió icónico nada más mostrando su portada: una ilustración con aire medieval, entre nubes y montañas, para dejar en primer plano un puño gigante sujetando un arcoíris.

Desde el primer minuto, con la apertura de teclado en Tarot Woman, uno pensaría que se enfila a lo progresivo; pero no demora en aparecer el riff de guitarra que le da el paso a una apabullante batería, muy en la línea de Powell. Dio a sus anchas como letrista, orientándose a temas que después lo harían célebre en Black Sabbath y como solista; con tintes épicos y ocultistas, pero por sobre todo con una lírica deliciosa. El resto del Lado A lo completan Run With the Wolf, Starstruck y Do You Close Your Eyes. Medios tiempos más ligeros, de corta duración que se mueven entre los tres y cuatro minutos, pero que no por ello baja la calidad con que venían.

El Lado B sólo cuenta con dos pistas, pero cada una se empina por sobre los ocho minutos. Primero con Stargazer, gran obra cumbre de Rainbow. Aproximándose al heavy metal neoclásico, en especial por el invitado con que se cuenta: ni más ni menos que la Orquesta Filarmónica de Múnich. No hay nada allí que no suene grandilocuente. Con una temática que roza lo etéreo, hubiese calzado perfecto dentro de una película bíblica; quizás alguna de Charlton Heston. Y es que el mismo vocalista se refirió a ello, explicando que se basó en el punto de vista de un esclavo del antiguo Egipto. Volviendo a sus palabras, allí se describe la historia de un mago obsesionado con la idea de volar. Además que, llegando hacia el final, con una sola frase es esta la canción que termina titulando al disco: “I see a rainbow rising!”. Hasta un adolescente Bruce Dickinson, de Iron Maiden, la primera vez que la escuchó lo único que pudo gesticular fue: “Cristo todopoderoso, ¡¿quién es ese?!”.

En tanto, el cierre está a cargo de A Light in the Black. Con un ritmo más acelerado, comparte un vínculo con su predecesora; como el de un pariente poco conocido. Es la conclusión del tema que ya venía trabajando Stargazer; enfocado a la pérdida de propósito de la gente, después de la muerte del mago. Es de esa forma, con un poco menos de treinta y cuatro minutos, que se mostró la cúspide compositiva entre Blackmore y Dio; antes de que la sociedad se quebrase después del próximo trabajo, que saldría el año 1978. Por ello, Rising terminó transformándose en un verdadero material de culto, que fue bien recibido en Europa y Japón; pero que el mercado estadounidense le fue esquivo. Tendrían que esperar hasta 1981, a la llegada del vocalista Joe Lynn Turner, para irrumpir con fuerza hasta la cima; pero eso ya es historia aparte. Por el momento, veamos el imponente arcoíris ascendiendo.

Entrevista con Cochayuyo: “Kollof”, cosmovisión bluesera criolla

Ya tras un año y medio de haber lanzado su LP debut “Terror Criollo”, la banda liderada por Cristian “Pelao” Alonso ya está en pie de promoción a full de su nuevo EP, titulado “Kollof” (Cochayuyo en Mapudungun) y que consta de 5 canciones, las cuales preservan el estilo que les escuchamos en su  primer álbum, historias algo macabras mezcladas con el folclore y mitología chilena, todo envuelto en blueseras  guitarras y bastante intensidad en muchas canciones, aunque esta vez dejando un poco el hard rock de su primer trabajo de lado en pos de mejores arreglos e instrumentación.

La banda, compuesta ahora por Cristian “Pelao” Alonso en guitarra y voz, Felipe Aravena en el bajo y Jorge Yáñez en la batería, nuevamente invoca a algunos seres como el Tue Tue (quizá una de las figuras mitológicas más clásicas del pueblo Mapuche) como así también la cosmovisión Selknam, que es una de las preocupaciones acentuadas por la banda en este último tiempo, como también cantarle a la misma música y al blues específicamente, como en el intenso tema “Cochayuyo Blues”.

Al respecto del “giro” de estilo, Cristian Alonso nos cuenta: “En el primer disco quedamos algo estigmatizados con la presión rockera /metalera, queríamos sacarnos el estigma del hard rock y el sonido crudo, porque la intencionalidad desde el principio siempre fue más blues. La idea de mutar era para ser más camaleónicos, nuestro diseño musical es en varios formatos: solista, unplugged, balada blues y rock y por ahí queremos jugar”.

Aquello podemos evidenciarlo en las capas sonoras y los distintos matices de los discos de Cochayuyo, en este disco principalmente hay una incorporación de arreglos y teclados que destaca en el sonido. Esta vez decidieron optar por un EP y Alonso nos aclara un poco por qué prefiere de todas maneras este formato: “Hoy hay una realidad en que todo se mueve mucho mayor en cuanto a singles, ya conocemos el caso de Paloma Mami, que con unos cuantos singles ya la hizo toda, el presupuesto para trabajar diez temas es complejo hoy en día. El tiempo y la plata para grabar, masterizar y producir todo eso es difícil a menos de ganarse un fondart o un fondo estatal. Yo opto por el ‘menos es más’ en estos momentos”, aclara. El vocalista y compositor cuenta que como siguiente paso opta por una sesión de 40 minutos, una especie de disco grabado en vivo como para seguir en la línea de lanzamientos cortos.

Algo en que han puesto dedicación los chilenos es en el arte de sus discos, y para ello cuentan con un excelente aliado, José Canales, conocido como KAT, en donde en este EP se retratan ellos mismos como zombies caminando hacia Puerto Montt, ciudad en la que grabaron este disco, en estudio Supra, “que es de unos amigos nuestros, llamados Esclavos Unidos” cuenta Alonso, quien habla además del buen recibimiento que han tenido allá, algo que no han visto en Santiago.

De la portada del disco y de su motivación por el tema del sur de Chile y de las historias místicas nos aclara: “En portada hay unas vías del tren que van haciendo una curva, que tiene que ver con ‘La Ruta del Blues Rock’, el festival que organizamos junto a Vudú Medios; y las dos calaveritas que se ven abajo son de mis dos hijos, la Matilde y el Diego, pero mis compañeros también tienen dos hijos, así que en la carátula enlazamos vivencias personales. Mi brazo está al estilo Cthuluh, por las historias de Lovecraft y por el tema del nombre de nuestra banda “Cochayuyo”. Con José (dibujante) nos entendemos muy bien en este tema, yo le escribo un texto sobre lo que quiero y él me entiende a la perfección, no le tengo que hacer ninguna corrección con respecto a lo que él hace”.

Lo de los mitos y el contenido de sus letras la banda se lo toma bien en serio, comenta Alonso, quien es el autor de ellas: “yo investigo estos temas en mis viajes, trato de conocer a la gente del sector sobre los mitos, leyendas, etc. Por ejemplo conocimos a Celina Yan Yan, la mujer que fue a buscar los restos humanos Selknam que fueron expuestos en un zoológico en Europa (atrocidades que se evidenciaron en el documental Calafate), además conocimos al presidente de la comunidad Covadonga Ona de Chile Kayuk Yantén, y ahí decidí musicalizar cosas, y lo mejor es que cuento con el respaldo de ellos para eso, por ejemplo “El Tren de la Muerte” trata sobre ello, del ‘viaje a la gran energía, el infinito cosmos, los cuatro vientos del extremo sur’, todo eso es un tema que me apasiona mucho”, explica.

‘Cochayuyo Blues’, es una parte de “Kollof”, y lo puedes escuchar a continuación. La banda tiene previstas nuevas giras, puedes enterarte acá de mayores novedades y de cómo obtener su nuevo EP que ya está a la venta.

Por Patricio Avendaño R.

Portadas con historia: Soda Stereo- “Canción Animal”

En 1989 los aires de cambio inundaban todo, incluso al rock y sus protagonistas. En ese entonces, Soda Stereo terminaba la gira del “Doble Vida” muy cansados del tour y aburridos, no solamente del estilo de vida que llevaban, sino que también de la corriente musical que había guiado su ascenso al estrellato latinoamericano. La banda sentía la necesidad de pasar a una propuesta más directa y cruda, deseo que dio vida a todo el proceso creativo de “Canción Animal”.

Lanzado el 7 de agosto de 1990, el quinto disco de los argentinos se desarrolló en torno a dos conceptos: “tensión e integridad”, según las palabras del propio Gustavo Cerati y que fueron rescatadas en el documental “Bios” de NatGeo. Fueron dos meses de ensayos, composición y grabación marcados por ciertos distanciamientos entre los integrantes, sobre todo de Cerati, quien ya coqueteaba con la idea de lanzarse como solista y para lo cual se estaba nutriendo del encuentro y trabajo con otros artistas, lo que daba pie a espacios de tensión en el día a día de Soda; e “integridad”, porque a pesar de estar viviendo el cambio, el proceso creativo “estuvo teñido de luz”, según lo declaró Zeta Bosio, en 2015, al desmentir una portada de la revista Rolling Stone que señalaba solo oscuridad dentro del camino a “Canción Animal”. Luces y sombras que quedaron plasmadas, también, en el concepto de portada del álbum.

Decidieron titularlo con el nombre del tema que refiere al turbulento romance que vivía Cerati con Paola Antonucci, con quien conoció un estilo de vida más alocado, LSD incluido. A partir de un boceto inicial de Alfredo Lois, el propio Gustavo rediseñó la idea pensando en que los tres integrantes debían estar representados a través de un elemento que evidenciara su personalidad. Recordemos que Cerati estudió Publicidad y era muy conocedor de corrientes artísticas de pintura y fotografía, lo cual siempre se reflejó en todas las tapas de la banda. La foto de la pareja de leones apareándose representaba a Gustavo y su novia de entonces; la veleta, ubicada arriba a la izquierda, era símbolo para la juventud de Charly Alberti y el tensegrid, arriba a la derecha, sugería el equilibrio de Zeta, aunque también juega con la encrucijada de la tensión interna.

Esta portada fue censurada en algunos países, por lo que se debió recurrir a una tapa alternativa y mucho menos conceptual: una foto del trío en naranja y azul. Otro elemento que refleja un regreso a aires más psicodélicos es la tipografía de la portada, en negro y azul y que resaltaba del fondo naranja, todo en mayúscula y con estilo ondeado. Estos detalles artísticos refuerzan la idea de que Soda siempre fue la vanguardia, aunque este disco se caracterice, por el contrario, en volver a los sonidos de los ’70 y sonar a Spinetta como nunca antes lo habían hecho.

Entrevista con Anneke Van Giersbergen: “Los chilenos son personas muy fuertes, abrazan la oscuridad de la misma forma que abrazan la luz”

Anneke Van Giersbergen está en esa corta pero atesorada lista de artistas anglosajones que se sienten particularmente cómodos en nuestras tierras, y que se las han arreglado para generar algún vínculo con nosotros más allá de meras visitas periódicas. En su caso, le compuso una canción a Santiago de Chile en el álbum debut de VUUR, el proyecto metalero con el que nos visitará el próximo 19 de mayo en el Teatro Cariola. Con ese show como excusa, conversamos con la ex cantante de The Gathering y protagonista de diversos proyectos que fluctúan cómodamente entre el metal y el pop. Justamente, hablamos de su versatilidad y la facilidad para explorar dos lenguajes musicales aparentemente opuestos, de la celebración de sus 25 años de carrera, y algunas otras cosas.

Hola Anneke, gracias por darte el tiempo para esta entrevista. Por cierto, ¡Feliz cumpleaños atrasado!

¡Muchas gracias!

Esta es tu segunda visita a Chile con VUUR, ¿Qué pueden esperar los fans de este nuevo show?

Iremos con un show bien pesado, y estamos ansiosos de ver a nuestro público y conocer a los fans de Delain también. La mayoría conoce ambas bandas y tendremos una maravillosa experiencia todos juntos. ¡Estamos felices de volver a Chile!

En el primer disco de VUUR, incluyeron la canción ‘Sail away- Santiago de Chile’, donde escribiste la letra pensando en nuestra ciudad (gracias por eso). Pero, ¿Qué hay de la música? ¿Recibiste algún tipo de inspiración de Chile para la composición musical? ¿Has escuchado alguna música chilena que te haya llamado la atención en tus visitas previas?

La música, al igual que las letras, vienen de mi corazón. Cada ciudad tiene su propia historia y atmósfera. Cuando voy a tocar a alguna ciudad, conozco diferentes tipos de gente con diferentes background culturales que siempre me inspiran, cosas como el clima, la naturaleza, el arte y la música en cada país me inspiran un montón. Los chilenos son personas muy fuertes, abrazan la oscuridad de la misma forma que abrazan la luz. Creo que, si tú logras llegar a un balance como ese en la vida, puedes llegar lejos.

Has sido parte de un montón de proyectos y bandas de metal, pero también nos has sorprendido con excelentes canciones de pop en tu trabajo solista. ¿Qué te inspira a moverte en estas direcciones distintas, aparentemente opuestas? ¿Qué es lo que más te gusta de estos dos tipos de música? 

Me encanta la diversidad. Cada género y también cada artista me inspira. Amo la energía del rock y el metal. En el escenario con la banda, moviéndome alrededor, cantando fuerte, haciendo que el público se mueva, ¡disfruto mucho eso! Y me encanta también lo opuesto, puestas en escena más calmadas, íntimas, donde la música y el contacto con la audiencia es muy personal.

Este año es tu 25°aniversario como música, hasta donde entiendo, dado que partiste en 1994 con The Gathering. Si tuvieras que hacer un balance en tu carrera, ¿cuáles han sido los momentos más felices de tu trayectoria musical? ¿Qué cosas han sido las más importantes que te han hecho crecer como artista? ¿Tienes algo en tu lista de cosas pendientes para el futuro?

Marqué el inicio de mi carrera profesional cuando empecé en The Gathering, pero yo he estado creando y tocando música desde los 14 años. Cada etapa ha tenido su propia belleza y sus desafíos. Estoy feliz con mi carrera solista. Trato de equilibrar la vida familiar con mi música y eso me hace muy feliz. Para mí, crecer como artista, compositora e intérprete es mi objetivo, trabajo con gente maravillosa en el mundo de la música y siento que mi audiencia me da el tiempo y el espacio para crear lo que necesito crear desde el corazón. Me siento muy bendecida por eso.

Foto por Nación Rock

¿Podrías contarnos más sobre la experiencia de haber grabado “Symphonized”, este disco en vivo con la Residentie Orkest the Hague?  ¿Ves opciones de crear música en el futuro con arreglos orquestales?

La Residentie Orkest me pidió armar una noche juntos donde pudiéramos combinar música clásica y popular, en este caso, rock y metal. Quisimos hacer un crossover, y mostrar a las diferentes audiencias la belleza de ambos mundos. Por supuesto que dije que sí y propuse la idea de hacer arreglos para canciones de mis 25 años de carrera y hacer un show tipo “antología”, donde las canciones antiguas pudieran adquirir nueva vida. Terminó resultando incluso mejor de lo que esperé, también gracias a los maravillosos arreglos hechos por Marijn van Prooijen y Gijs Kramers. Sería genial, de hecho, crear nueva música algún día con arreglos orquestales.

Quedamos muy impresionados por tu sentida performance de ‘Like a stone’ de Audioslave hace un par de años, y a los seguidores de nuestro sitio les encantó esta conexión entre tu música y la de Chris Cornell. ¿Puedes contarnos cuán cercana eres a la música de Cornell y al rock alternativo norteamericano en general? ¿Es una influencia fuerte para tí?

Oh sí, me encanta su música y, sobre todo, su voz. En los 90 tenía veintitantos, y escuchaba mucho sus canciones en esa época. Proyectaban un sonido tan novedoso, algo que no habíamos escuchado nunca antes.

Finalmente, ¿Qué podemos esperar para el futuro? ¿Algún disco solista, o alguna nueva sociedad? ¿En qué has estado trabajando en estos días?

He estado escribiendo un montón de letras y canciones acústicas en estos últimos meses, así que compondré y grabaré un álbum acústico este año y me iré de gira para promocionarlo durante el próximo. Celebraré mis 25 años de carrera una vez más con dos shows grandes en Holanda el 16 y 17 de noviembre. También saldré un poco más de gira este año, en formato acústico y solista por los Estados Unidos, a Japón con VUUR, y estaré tocando con Ayreon en sus mega shows en Holanda en septiembre. ¡Hay mucho que pueden esperar!

Gracias por tu tiempo, Anneke. Estamos muy ansiosos de verte de vuelta en Chile.

¡Gracias a ustedes, nos vemos pronto!

Por Felipe Godoy O.

Playlist- Desenchufados santificados: Grandes canciones de rock en formato acústico

nirvana_mtv_unplugged_in_new_york_image__2_

Independiente de la tendencia y/o religión, que por acá siempre serán respetadas, los fines de semana santos por excelencia han sido para escuchar algunas de nuestras canciones favoritas en bajas revoluciones. Y vaya que han salido grandes temas de los desenchufados o simplemente de bandas que de forma nativa con sus guitarras acústicas e instrumentos sin tanto decibel incluído han inspirado grandes momentos musicales.

Este fin de semana les dejamos un playlist de algunas favoritas, solo con el hecho de relajarse, reflexionar y disfrutar de nuestras bandas queridas en formato más ‘piola’. Por supuesto tomamos algunos clásicos desenchufados de Alice In Chains, Stone Temple Pilots, Los Tres, Nirvana más alguno que otro temita relajado por ahí que ha resultado ser una genialidad. Esperamos la disfruten:

 

Amorphis en Chile: Un potente poema épico

Hay bandas que a lo largo de su carrera toman riegos importantes, varios son los ejemplos que, luego de desarrollar una propuesta pesada y oscura, deciden experimentar con nuevas sonoridades, tomando caminos más melódicos y de vanguardia. Este es el caso de Amorphis, banda finlandesa, que supo añadir frescura a su estilo death metal inicial, mezclando variados elementos, fórmula que han sabido mantener hasta el día de hoy y de la cual fuimos testigos por cuarta vez en nuestro país, en el marco de la gira de promoción de su treceavo álbum “Queen of time” (2018), un disco más que interesante y que da cuenta del buen momento que vive la agrupación.

Poema Arcanus.

La imperdible cita fue en el Club Blondie y los encargados de abrir la jornada fueron los nacionales de Poema Arcanus, banda con más de 20 años de trayectoria y que tras un espectáculo de 45 minutos, nos dejaron en claro porque son la agrupación más influyente y pionera dentro de la escena Doom chilena. La banda hizo gala de todo su oficio sobre el escenario, con impecables melodías e interesantes conceptos en lo lírico. El set tuvo una buena acogida por parte de los asistentes, quienes a esas alturas ya comenzaban a llenar el recinto capitalino. Indudablemente, fue un buen comienzo con unos teloneros de lujo que dejaron al público preparado para lo que se vendría después.

Amorphis.

La espera se comenzaba a hacer eterna y se podía notar en el ánimo impaciente del público, casi puntualmente, a la hora acordada, se apagan las luces y comienzan a sonar las primeras notas de la potente y melódica “The Bee” canción que abre la última producción del sexteto de Helsinski, seguida por las sutiles atmósferas jazzísticas de “The Golden Elk” otra de las contenidas en su último disco y en donde lo que más llama la atención, es la manera en que la gente canta estas nuevas canciones, pareciera que fueran clásicos de toda la vida, un detalle no menor y que da cuenta del fanatismo que despierta Amorphis en nuestro país.

Sky is Mine” y “Sacrifice” son excelentes muestras de la etapa más moderna de la banda y deben estar dentro de las favoritas del público, además al oír estas canciones podemos apreciar la preciosa técnica de cada uno de los músicos, destacando la voz limpia de Tomi Joutsen, y los virtuosos juegos entre el teclado de Santeri Kallio y la guitarra del histórico Esa Holopainen.

La banda también se atreve con los contrastes, retomando material antiguo, tal es el caso de “Against Widows” un tema de “Elegy” (1996) su tercer disco, el cual es considerado, uno de los mejores dentro de la discografía de los fineses y que marca un antecedente importante dentro de la evolución que tendría la agrupación en su historia.

Los músicos nos siguen deleitando con la pegadiza “Wrong Direction”, nos hacen viajar con la melodía de “Daughter Of Hate” y con el poder nórdico de “Heart Of The Giant” todas bellas muestras de su inspirado último trabajo, con un público absolutamente entregado, coreando en todo momento con entusiasmo e interés cada una de las nuevas composiciones y es que hasta ese momento todo era perfección, con un sonido que nunca falló y una energía que jamás decayó en un concierto en donde el conjunto lograba transmitir sonoridades que encantarían a los oyentes, como si se tratara de poesía musicalizada sanadora del alma.

Casi alcanzando la hora de presentación, la banda saca lo mejor de su repertorio, con la potente “Hopeless Days” y con una de las más antiguas del set “Black Winter Day” un clásico indiscutido del emblemático “Tales from the Thousand Lakes” (1994), sin duda uno de los momentos altos de la noche y una de las mas coreadas por la fanaticada, que a esa altura se encontraba extasiada con puños en alto, saltando y deseando que la noche no se acabara nunca.

Preparados para rematar con todo, en lo que sería la parte final de su show, los europeos realizan su último esfuerzo para alcanzar el esplendor máximo con dos lujos de su repertorio, primero con todo el aroma e influencia de oriente en “Death of a King” y cerrando con ese coro épico de “House of Sleep” una canción con espíritu de single y que por lo mismo es otra de las más coreadas por los asistentes, cerrando así, de manera magistral, esta nueva visita y reafirmado el lazo con el estruendoso público chileno, quienes en ningún momento disimularon el cariño que le tienen a la banda.

Lo de Amorphis, viene a confirmar, una vez más, que se puede ir más allá de los límites que muchas veces se imponen en el metal, la agrupación en algún momento de su carrera se atrevió a innovar y a desafiar la opinión de los más puristas del sonido, los que muchas veces no aceptan cambios estilísticos, pero ya son mas de 25 años de carrera y pareciera que estos seis músicos, aún tienen mucho para entregar.

Setlist

1. The Bee
2. The Golden Elk
3. Sky Is Mine
4. Sacrifice
5. Against Widows
6. Silver Bride
7. Bad Blood
8. Wrong Direction
9. Daughter of Hate
10. Heart of the Giant
11. Hopeless Days
12. Black Winter Day
Encore:
13. Death of a King
14. House of Sleep

Fotos: Bastían Cifuentes

VIDEO: Roger Waters se reúne con su ex compañero de Pink Floyd Nick Mason en reciente show en vivo

Tal como les habíamos informado, durante el último mes y medio, el baterista de Pink Floyd, Nick Mason, emprendió la gira en que ha estado presentando material de la época seminal de Pink Floyd y específicamente de la época de Syd Barrett,

Dotado con su propia banda, el proyecto llamado Saucerful of Secrets ahora está en medio de su primera gira por Norteamérica y ha tenido una excelente recepción. Sin embargo, el jueves por la noche en Nueva York la sorpresa fue mayor cuando invitó a su ex compañero de banda Roger Waters al escenario.

Como BrooklynVegan informa, Waters cantó y ejecutó el gong en su canción “Set the Controls for the Heart of the Sun”, que se remonta al álbum de 1968 de la banda A Saucerful of Secrets. Un tema bastante épico y característico además de su performance en el show en Pompeya. “Ustedes suenan mejor que nosotros en aquel entonces”, exclamó Waters a la audiencia.

Otras joyas de aquel tiempo sonaron como “Interstellar Overdrive”, “Astronomy Domine”, “Arnold Layne” y  “Lucifer Sam”.  La banda de Mason está formada por Gary Kemp de Spandau Ballet, Lee Harris de Ian Dury & The Blockheads, el compositor Dom Beken (anteriormente colaborador frecuente del teclista de Floyd, el difunto Rick Wright) y el ex bajista de Waters Guy Pratt.

Mira videos a continuación:

Desde Elvis a L7: Festival de documentales In-Edit libera cartelera completa

Descarga el calendario oficial

Del 25 al 30 de abril, el festival internacional especializado en cine y documental musical, volverá a concitar el interés de todos quienes disfrutan de las grandes historias que se relacionan con la música popular. Desde su nacimiento, en 2004, IN-EDIT ha ofrecido un espacio de encuentro para el sonido y la imagen, estando ad portas de vivir su 15ª edición con estrenos, proyecciones, charlas y encuentros en vivo en torno a interesantes historias de música y músicos.

Acá puedes ver la venta los abonos y pases

Acá la programación nacional completa

Destacamos algunos nombres nacionales e internacionales:

Gepe y Margot Loyola: Folclor Imaginario

Documental que pone frente a la cámara las razones, búsquedas y asociaciones que llevaron al cantautor pop a cruzarse con la tradición. Hablan Gepe, su banda y colaboradores cercanos.

Álvaro: Rockstars don’t wet the bed

Un inmenso registro de la controversial obra del músico Álvaro Peña, quien a sus 75 años continúa editando discos bajo su propio sello, engrosando así una discografía iniciada en los ’70 y que es del todo inclasificable. Peña ha tenido numerosos reportajes centrados en su peculiar biografía, incluso desde su período de trabajo junto a The 101ers, la banda de Joe Strummer previa a The Clash.

Bon voyage: Mi vida junto a Holden.

Armelle Pioline, cantante francesa de la banda indie-rock Holden, narra su viaje personal junto al grupo y recuerda su experiencia tocando en clubes y bares de Chile hace una década.

Y acá dejamos la programación completa

Destacamos los siguientes títulos de la selección internacional:

The King

Elvis Presley como metáfora definitiva del sueño americano y de sus engaños. Músicos, analistas y la gente que creció con su voz, comparan la historia y el alma de una nación. El documental reflexiona sobre la identidad, las luchas y las ilusiones de la clase trabajadora de Estados Unidos, a través de la simbólica biografía de ascenso del hijo de Memphis, paradigma a la vez de gloria y de tragedia.

Joan Jett: Bad Reputation.

«Dime que no puedo hacer algo y lo haré». La gloria de Joan Jett hasta hoy, desde The Runaways y Black Hearts, en sus palabras y las de sus admiradores. Una pionera del rock hecho por mujeres, un símbolo de rebeldía y coraje que no se adaptó a clasificaciones y siguió por su rumbo desde que tomó una guitarra eléctrica a los 13 años, y se hizo grande en un ambiente musical diseñado para los hombres.

Here to be Heard: The story of The Slits.

The Slits no sólo libraron la batalla del feminismo dentro del movimiento punk de Londres, sino que además supieron hacer trascender su sonido furioso, en una búsqueda interracial, atrevida y repleta de creatividad.

Milford Graves: Full Mantis

Milford Graves, uno de los percusionistas más audaces del planeta, se traduce aquí a imágenes y a palabras inspiradoras: biología, artes marciales, latidos de corazón y free-jazz arrollador. Dos de sus discípulos acometen, de una forma nada convencional, la tarea de explicar el mundo patafísico del maestro.

L7: Pretend we’re dead

Representantes del rugido de la era grunge. Sus integrantes (todas mujeres), repasan, en este documental, su auge y caída en los ’90 (y luego su regreso en 2014, por demanda popular). Gran cantidad de material de archivo sostiene el relato en torno a una banda de avanzada feminista, que sufrió los efectos desquiciantes del estrellato repentino.

PJ Harvey: A Dog Called Money.

Celebrada como una de las rockeras más creativas de esta época, Polly Jean Harvey recorre barrios de Afganistán, Kosovo y Washington buscando experiencias, de primera fuente, sobre la vida cotidiana bajo tensión y amenaza. Junto a un fotógrafo van recogiendo imágenes y palabras.

Más información en inedit.cl