Periphery confirma show en Chile y suma a Monuments

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VIERNES 7 DE JUNIO – BLONDIE – 20 HRS

Una fecha imprescindible de metal progresivo se dará cita en Blondie el 7 de junio. Toda la potencia de Periphery junto a los británicos de Monuments para abrir la noche.

Periphery fue formado en el 2005, por el guitarrista Misha Mansoor, logrando una gran aceptación inmediata. Fue así que luego de 5 años, lanzan su primer álbum homónimo, con el que obtuvieron rápidamente positivas críticas de los medios especializados, pavimentando un camino que los tiene actualmente como una de las agrupaciones más importantes de este género en Norteamérica.

La banda viene a Chile con su  Hail Stan Tour, donde presentan su último trabajo Periphery IV: Hail Stan, que verá la luz el 5 de abril.

Los encargados de partir la noche en vivo serán los británicos de Monuments, que también siguen la línea del progresivo y que ya cuentan con tres discos: Gnosis del 2012, le siguió, The Amanuensis el 2014 y el año recién pasado editaron Phorenesis.

Entradas a la venta en Eventrid, y sin cargo en tiendas The Knife, Rockmusic y House Tatto Rock (Eurocentro y Portal Lyon), sólo en efectivo.

Valores:

$22.000 Venta on line / AGOTADA

$25.000 Preventa 1 / AGOTADA

$30.000 Preventa 2

$35.000 General

$16.500 Upgrade (Meet & Greet + Foto + Firma) / AGOTADO

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Tame Impala estrena “Patience”, primera canción en 4 años

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Tame Impala regresa con “Patience” una nueva canción luego de 4 años de ausencia, desde el lanzamiento de “Currents” en 2015 que la banda de Kevin Parker no nos regalaba nuevo material. junto con el lanzamiento de la canción el grupo revelo sus planes de gira para el 2019 y una pista sobre el próximo disco.

En el comunicado de la banda, dice: “La canción es una meditación lírica sobre los ciclos y fases de la vida que asciende a un cenit abrumadoramente feliz, ya que nuestro protagonista hace las paces con la transitoriedad del tiempo”.

“Es un potente indicio de las infinitas posibilidades para el futuro Tame Impala”.

Probablemente “Patience” sea el primer adelanto del próximo LP de Tame Impala, aunque Parker se lo toma con calma, ya dijo antes que no tiene una linea de tiempo establecida para terminar el álbum, solo queda esperar. Por lo pronto el futuro inmediato de la banda son sus presentaciones en Coachella y Lollapalooza Chicago.

Epica anuncia su regreso al Teatro Caupolicán

Viernes 30 octubre / Teatro Caupolicán

Los reyes indiscutidos del metal sinfónico Epica, liderados por Simone Simons y Mark Jensen regresan a Chile el viernes 30 de octubre, al Teatro Caupolicán con el tour “Design Your Universe 10th Anniversary Shows”, celebrando la década del disco preferido por sus fanáticos.

Los holandeses saben que tienen una gran base de fans en Chile por lo que agendan una nueva a presentación a poco más de un año de su última visita al mismo recinto de Santiago, esta vez, con un setlist que repasa el gran disco “Design Your Universe” y otros clásicos de su repertorio.

Miércoles 30 de octubre – Teatro Caupolicán

Valor de entradas (sin cargo):

Cancha $33.300 (Día del show: $39.000)

Platea $33.000 (Día del show: $39.000)

Palco $50.000

Palco + Meet & Greet $100.000

Entradas a la venta a partir del 23 de marzo, a través del sistema Ticketek y en cualquiera de sus puntos de venta.

Venta sin cargo por servicio (solo en efectivo) en tienda The Knife (Eurocentro) y en tienda Rock Music (Portal Lyon)

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The Dirt: el lado salvaje se apodera de las pantallas

Cuando se publicó el best seller The Dirt, allá por el año 2002, fue dinamita pura. Una narración en detalle, a cuatro voces de sus protagonistas, contando todos los excesos y pormenores de una de las más grandes agrupaciones que parió la década de los 80’s: Mötley Crüe. Desde entonces se perdió la cuenta de cuántas veces se intentó llevar, sin éxito, a la pantalla grande; por lo general apenas llegando a las negociaciones iniciales. Cómo será que por aquel entonces, la banda estaba todavía activa y sin planes de retirarse (hasta que bajaron el telón para la Nochevieja de 2015).

Y así, como si nada, casi en los albores de una nueva década sorprenden con que pronto el largometraje, ya en fases avanzadas, será distribuido por Netflix; con fecha de estreno, a nivel mundial, para el 22 de marzo de 2019. Aunque el primer pensamiento (que más de una persona debió tener) es que, si Netflix está en la ecuación no resultaría del todo bien. Por esa aura familiar y para (casi) todo espectador que irradia el servicio de streaming; parece incompatible con una historia que de antemano se sabe que es sórdida y retorcida, y eso hasta los oyentes casuales de Mötley Crüe lo tienen claro. Ni siquiera el tráiler fue capaz de borrar esa sensación; pese a que se veía rico en bifurcaciones y texturas, quizás como nunca se le vio a una biopic rockera. Ahora el detalle iba a ser cómo sería abordado.

Y como una grata sorpresa, nada más al comenzar, aparece en la esquina superior izquierda el rótulo de clasificación +18. Sin siquiera que pasen dos minutos de película, ya hay desnudos y drogas de modo explícito. Desenvolviéndose de manera lineal, sin retrocesos de ningún tipo, el ritmo es rápido y envolvente; tal como el libro es hilvanado a cuatro voces (incluso hasta a cinco, si contamos al mánager), además de contar con elementos como romper la cuarta pared. No se remite a un lamento interminable y agotador, todo está en la justa medida: comedia, drama y música.

Con unas cuantas libertades creativas, aunque son las que menos abundan; se tomaron en serio la labor de ceñirse lo mejor posible a la realidad, hasta en los pequeños detalles como los videoclips y conciertos. Pero por supuesto que el fuerte de la trama es el desglose, tanto individual como conjunto; sin que el protagonismo recaiga en una persona puntual, siempre repartido de manera equitativa. Hasta hubo tiempo de expandir el universo lo mayor posible, y no se limitaron apenas a la banda en sí: ahí se asoman otros que no fueron ajenos, como David Lee Roth, Ozzy Osbourne, el baterista de Hanoi Rocks y John Corabi.

De lejos se distingue que fue una producción que además de contar con recursos, fue hecha con cariño. Los clichés están descartados, no se toman salidas fáciles; como hacer calzar las piezas de manera descarada, o perseguir un objetivo mágico forzado para encantar a la audiencia. The Dirt es un verdadero y emocionante relato de carne y hueso, que con completa soltura es capaz dejar complacido hasta al más quisquilloso. La espera valió con creces la pena, será un trabajo que dará de qué hablar esta temporada.

Stone Temple Pilots trabaja en nuevo álbum de canciones acústicas

Desde el regreso del “luto” que impuso la muerte de Scott Weiland y desde el anuncio oficial de Jeff Gutt como el nuevo vocalista, que Stone Temple Pilots ha estado volviendo a practicar su formato acústico en algunos shows en vivo. Hace tres meses hace que la banda tocara un especial concierto acústico en el Centro Espacial de Norwood , Massachusetts y ahora, parece que todo ese ensayo se plasmará en un disco, según confirmó el propio nuevo vocalista de la banda (Vía Wrif.com).

El disco, que contará con “algunos músicos adicionales y algunas partes y piezas adicionales”, se grabará más adelante en el año. “No estoy seguro de cuánto tiempo tomará”, dijo Jeff. “Lo estamos haciendo, escribiendo, y lo estaremos grabando aquí en pequeños momentos, cuando podamos. Y será increíble, hombre. Será un lado totalmente diferente de STP”.

Por cierto, tras la salida del último álbum de la banda, cuando se le preguntó cuánta libertad tenía durante el proceso de composición para el último álbum de STP, Jeff dijo: “Era una libertad total, pero sentí la responsabilidad de asegurarme de que fuera un disco de STP al final del día. Todo fue con el fin de ayudarlos a continuar su viaje. Y siento que fue menos acerca de mí, fue más acerca de honrar a Scott (Weiland) y a Chester (Bennington) y todos los que han estado involucrados en STP y asegurarme de que siga funcionando como debería “.

Estaremos atentos a más detalles:

Cancionero Rock: “Home Sweet Home” – Mötley Crüe (1985)

Mötley Crüe tenía como carta de presentación un rock pesado, que se vio en sus dos primeras placas, con el que dieron el salto a la fama. Pero para su siguiente trabajo se dejaron llevar por la creciente ola glam, que se tomó la ciudad de Los Ángeles: trajes de colores chillones, maquillaje y un sonido más melódico. Bajo ese contexto lanzaron Theatre of Pain (1985), y cuyo segundo single promocional fue Home Sweet Home.

En palabras del bajista, Nikki Sixx, “este sería nuestro Dream On, o nuestro Stairway to Heaven. La primera gran power ballad del grupo; con un inicio, y cierre, de teclado a cargo de Tommy Lee que se volvió icónico. Y tras la primera endulzada estrofa, a cargo de Vince Neil, las revoluciones aumentan con el pasar de los minutos; decantando en un solo de guitarra en llamas de Mick Mars. Es una canción de ellos, dirigida exclusivamente para ellos. Nikki Sixx ahonda más al respecto: “Le enseñó a los fans cómo eran nuestras vidas. De qué se trataba armar todo el escenario; la camaradería de unos tipos juntos viajando de ciudad en ciudad”. Cosa que deja bastante en claro el video, al que no se le dio descanso en MTV, con tomas de conciertos en Houston y Dallas (y que para la introducción contó con el actor de culto Michael Berryman, quien ya había aparecido antes en el clip de Smokin’ in the Boys Room).

Para el décimo aniversario de la banda, en su compilado Decade of Decadence (1991), Home Sweet Home fue re-grabada. Entre los cambios que le hicieron destaca el reemplazo del teclado Roland, que le da lugar al piano de cola; como se pensó en un comienzo. Pero aun así, la primera versión fue la que quedó grabada a fuego en la piel.

Disco Inmortal: “Meantime”- Helmet (1992)

Dentro de la música, siempre se dan casos especiales en que la influencia pasa a ser más evidente que la repercusión del éxito alcanzado, incluso a lo largo de la historia del rock y sus distintas épocas, nos encontramos con nombres importantes que, pese a no tener una gran popularidad y conforme al paso del tiempo, se han ido transformando en bandas de culto. Este es el caso de los neoyorquinos Helmet, un grupo con sonido potente, pero de apariencia sencilla y que siempre lograron mantenerse al margen del Mainstream reinante de los gloriosos años noventa.

La banda, liderada por el gran Page Hamilton, con su segundo álbum “Meantime” (1992), lograría revolucionar la escena, con una propuesta genuina, que en un principio resultaba difícil de clasificar, ya que contenía guitarras pesadas tomadas del metal pero con una actitud rabiosa de Hardcore, lo que a la larga los convertiría en una influencia trascendental para las nuevas bandas que surgirían años más tarde.

Una de las primeras cosas que destacan dentro de este inmenso disco, es el notable aporte de cada miembro al sonido de la obra. El baterista John Stainer, por ejemplo, realiza un trabajo notable con ritmos extrañamente estructurados, pero impresionantemente técnicos, lo que agrega un barniz especial a cada una de las pistas. Es muy importante también la labor desarrollada por Henry Bogdan en el bajo, quien logra un sonido espeso y de tono oscuro que se complementa a la perfección con el maravilloso trabajo en guitarras, a cargo de Peter Mengedes y Page Hamilton.

La canción encargada de abrir el álbum es “In the Meantime”, con un comienzo muy al estilo Noise Rock, brevemente ruidoso y seguido de un riff de guitarra con ritmo pegadizo, el cual da un pase maestro a la voz rabiosa e inhumana de Hamilton, quien suena como una bestia enjaulada gritando su profunda rabia.   Indudablemente, este es un comienzo denso, pero lleno de onda, que nos advierte la joya de disco que tenemos enfrente y nos prepara para una intensa experiencia de sonido.

Si en las pistas iniciales “In The Meantime” y “Iron Head” se escucha la voz de Hamilton rabiosamente ruda, en canciones como “Give It” se presenta el contraste perfecto, con un trabajo vocal mucho más limpio, lo que le da otro sentido a la música, algo mucho más pulido, además se nota que Hamilton buscaba su propio estilo como vocalista y en este álbum logra mezclar de buena manera, lo disonante con lo melódico.

La agrupación, con este disco lograría muy buenos resultados, logrando alcanzar una pequeña accesibilidad comercial con una muy buena rotación en radios y especialmente en MTV, esto gracias a canciones como la genial “Unsung” en donde la voz limpia de Page vuelve a tomar gran protagonismo. El track es uno de los más accesibles y agiles del álbum y se acentúa esa extraña mezcla entre Black Sabbbath, Fugazi y Black Flag.

El riff es simple pero la canción alcanza la inmortalidad, logrando posicionarse como una de las mejores composiciones de la banda, infaltable en cualquier buen playlist de metal alternativo de los 90s.

Otras canciones destacadas de esta joya son la bellamente ruidosa “Turned Out” que, con ese duelo entre guitarras estridentes y la batería rompe oídos de Stainer, se corona como una de las más sobresalientes del álbum, por otro lado, “Better”, también hace lo suyo, aunque desde la vereda de la simpleza, mostrando un sonido preciso, lleno de groove, con mano dura en las partes de guitarra y una voz enojada que también se da espacio para partes melódicas.

Con este inmenso trabajo, Hamilton y Cía. logran sumergirnos en sonidos sumamente crudos, pero a su vez experimentales, en donde la experiencia de oír cada una de las diez canciones que lo componen, se transforma en un ejercicio demoledor pero muy satisfactorio; acá la banda, básicamente, creó su pequeña gran obra maestra, con la cual, influenciarían a la mayoría de las formaciones posteriores del metal alternativo.

Esta producción, hasta el día de hoy, suena fresca y potente, con una maestría musical áspera y amarga, pero de momentos elevados e intensos, además, este álbum es un buen punto de partida para cualquiera que desee conocer el sonido de Helmet, ya que “Meantime” es por lejos su trabajo más sólido y siempre será recordado como el mejor puto disco en la historia de la banda.

Por Carlos Bastías

Videografía Rock: “My Own Summer (Shove It)”- Deftones (1997)

Cuenta la historia que durante el caluroso verano de 1994 en Seattle, atrapado dentro de su habitación por el calor y el sol, Chino Moreno cerró las ventanas con papel de aluminio y deseó “Una cosa  estilo apocalíptica” donde toda la gente en las calles desaparecería y el sol se iría. Llamó a este mundo “de los sueños o su propio verano”, que es justamente de donde proviene el título de la canción.

Los de Sacramento siempre lo supieron. “Around The Fur” sería una de las placas que marcarían un gran capítulo en su historia. El álbum de 1997 contó con todos los elementos para ello y un puñado perfecto de canciones como para quedar encuadrado dentro de lo mejor de aquella hermosa década para el rock y el metal. La potencia, la furia,  y la ingeniosa forma de capturar todo eso sumando inspirados trazos de atmósferas en sus sublimes temas nos hacen vibrar con él más de 20 años después.

“My Own Summer” era el track padre de todo ello y la banda quiso hacer algo especial, ir a Pyramind Lake en Nevada y encapsular quizá no esa idea del sueño febril de Chino, pero sí esa rabia con síntomas de fragilidad en un momento de peligro, en unas balsas tipo jaulas a la deriva rodeadas por hambrientos tiburones, conectando con toda la metáfora y la lírica existencialista de la canción, en una especie de versión metal del clásico film de Steven Spielberg, “Tiburón”·

“Y no hay sol en mi verano/No hay multitudes en las calles/la sombra es una herramienta, un dispositivo, un salvador/Mira, trato y miro hacia el cielo, pero mis ojos arden”, canta Chino poéticamente como si vivir a la sombra de todo fuese una solución para alejarse de todo el mundanal ruido y ver el sol como un ente religioso del que reniega porque “arde” con el solo hecho de verlo. 

Dean Karr fue el encargado de dirigir todo seducido por Chino Moreno: “Pagué el pasaje para que el director fuera a Australia a recolectar imágenes para poner en el video. Los tiburones que se suponen reales en el video eran mecánicos, excepto las imágenes que se metieron al final”, contó el vocalista.

“Eso fue divertido como el infierno. Estábamos en la Antártida … en realidad no, pero parecía que sí. Estábamos en el lago Pyramid. Los tiburones son reales, hay muchos de ellos. Eran devoradores de hombres, …. “ bromeaba el batero Abe Cunningham. “No. Los tiburones eran tiburones mecánicos “.

Por su parte el fallecido Chi Cheng cuenta de las sesiones: “Me caí de una de esas jaulas de tiburones y mis temores apestaron durante una semana. (El director Dean Karr) obtuvo el buen negocio de ese trato. Él dijo: “Necesito obtener un poco más de dinero para ir a Australia y obtener Imágenes reales de tiburones ‘. Estuvo allí durante una semana y media y no obtuvo imágenes., pero sí que consiguió un viaje extra”.

Hace poco se publicó un notable making of, donde dimos cuenta cómo se hizo en gran parte esta joya musical y audiovisual de una de las mejores bandas surgidas en los noventa.

Por Patricio Avendaño R.