Mötley Crüe posteo en su Facebook un primer adelanto de la esperada película a estrenarse el 22 de marzo por Netflix. Con el furor por las biopics musicales que dejó Bohemian Rhapsody, los fans de Mötley Crüe han estado esperando para ver en pantalla una adaptación cinematográfica de The Dirt, el libro de Neil Strauss sobre la historia, el legado y los momentos infames de la banda.
El trailer de la película, muestra pequeñas escenas de la carrera de Mötley Crüe, incluida la boda de Tommy Lee con Pamela Anderson, las gigantescas actuaciones de la banda en su apogeo, y el trágico accidente automovilístico en que se vio envuelto Vince Neil y que causó la muerte del baterista de Hanoi Rocks, Razzle Dingley.
Echa un vistazo al trailer de The Dirt:
You know Mötley Crüe’s music — but you don’t really know their story. The Dirt premieres March 22
Este año uno de los grandes discos de The Cure está de aniversario y la banda lo sabe y lo ha estado esperando, ya que han anunciado cuatro shows en vivo en el Opera Sydney en mayo para conmemorar el 30 aniversario de su álbum clásico, “Disintegration”.
Los legendarios íconos del post-punk tocarán el álbum de 1989 en su totalidad por los 30 años en el emblemático lugar de las artes australianas, diciendo que este será el “estreno mundial de estas actuaciones” y sugiriendo que luego habrá más en todo el mundo.
“Disintegration”es uno de los discos que terminó por consagrar la carrera de los ingleses gracias a canciones como “Lovesong”, “Pictures Of You” y “Lullaby”, entre otras.
Los shows se han programado para los días 24, 25, 27 y 28 de mayo de 2019 para las presentaciones exclusivas.
El sitio web de la Casa de la Ópera de Sydney afirma que será el “estreno mundial de estas actuaciones del 30 aniversario”, lo que significa que The Cure parece que va a realizar otros eventos de aniversario en otros lugares.
“En el agujero más oscuro te daré un consejo no planifiques mi funeral antes de que el cuerpo muera”.
En 1995 el movimiento grunge ya había dejado atrás sus días de gloria. Los discos que lo definieron ya se habían publicado y cada banda se encontraba en virajes diferentes, resolviendo cómo iban a afrontar la segunda mitad de la década. Alice In Chains fue uno de los grupos más sobresalientes de esa oleada de jóvenes que le cantaba a la depresión, la soledad y la tribulación, logrando tremendo éxito con cada una de sus placas. Es así como llegó a escena el disco homónimo, un álbum más maduro que “Facelift”, menos potente que “Dirt”, pero mucho más depresivo que aquellos; si bien no es fácil de conectar, tuvo una gran acogida comercial y sin que fuera necesario encasillarlo como grunge, pues se acercaba a sonidos más turbios y no tan propios de los acordes que pusieron a Seattle en el mapa. El primer single de este trabajo fue “Grind”, canción que atacó a los mal intencionados rumores que giraban en torno a la banda, los que incluso daban por muerto a Layne cada cierto tiempo. Sobre esto, Jerry Cantrell señaló en el booklet del Music Bank: “Esto estuvo más o menos a la altura de la publicidad acerca de los tour cancelados, la heroína, amputaciones, todo eso, por lo que fue otra canción sobre “FUCK YOU!!!” por decir algo acerca de mi vida”.
Una canción tan poderosa fue acompañada de un video inolvidable. Desde la tonalidad oscura plateada para el arte del álbum, este video se suma y es parte de eso mismo: de sacarse la rabia acumulada. Fue dirigido por Rocky Schenk, quien prefirió la acción en vivo, con secuencias animadas, con la banda bajo tierra de la escalinata iluminada donde se encuentra el perro. Éste no es el mismo de la portada del álbum y tampoco pertenecía a Jerry Cantrell, otro mito inventado por esa época. El perro con tres patas fue usado como una ironía, algo así como “Nos enteramos que perdimos una extremidad, pero aún estamos en pie”.
Otro punto decidor en el video, es la utilización de cuatro muñecos de trapo y que hoy se visualizan como un leve acercamiento al stop motion. Son los miembros de la banda, atrapados en una especie de infierno, sin poder llegar a la ansiada luz. Si tomamos en cuenta esta teoría, podemos decir que el demonio había decidido eliminar la buena música y decidió comenzar por Alice in Chains, por tanto, ha secuestrado a sus miembros en este mundo retorcido, que podría ser el purgatorio, con el objetivo de reclamar las almas de sus miembros, los que están representados en forma de muñecos.
La Cabra: Layne Staley El Burro: Mike Inez Muñeco voodoo, con cabeza de cuervo con tenazas: Jerry Cantrell El Mono: Sean Kinney
Junto a los muñecos cayendo sobre el anciano que sostiene al animal, se aprecian además, los querubines con alas, los que posteriormente serían parte del videojuego “The Journey”, que se lanzaría en 1999, y que ha sido definido como una extensión de este video de “Grind”, el cual logra proyectar, visualmente, la intensidad del tema, la carga que trae su mensaje y ayudó a expandir el universo creado por la música de Alice in Chains, aún en tiempos de muerte del grunge.
Tras un par de semanas de especulación y luego de haber declinado presentarse en la noche mas importante del cine, parece ser que Queen finalmente se subirá al escenario del Dolby Theatre de Los Ángeles el próximo domingo.
La banda se presentara con dos de los cuatro miembros originales, el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor, mientras que en las voces estará el ex “American Idol” Adam Lambert, quien ha tenido excelentes críticas en su papel como miembro del grupo. Lamentablemente el bajista John Deacon no ha actuado con Queen durante muchos años.
Bohemian Rhapsody, fue nominada al Oscar a la Mejor Película, ha recaudado más de $ 854 millones en todo el mundo para convertirse en la biopic de música más grande de la historia del cine y ocupa el puesto número 67 en la lista de las mayores recaudaciones a nivel mundial.
No se sabe qué canción tocará Queen en los Óscar, aunque probablemente será “Bohemian Rhapsody”. La película está nominada en cinco categorías y su protagonista, Rami Malek ha ganado varios premios por su papel, así que está entre los favoritos para llevarse el Óscar.
Habíamos escuchado ya, durante el año pasado que se estarían moviendo piezas en Guns ‘N’ Roses para sacar nuevo material muy pronto. Ahora es el legendario guitarrista Slash quien ha revelado que un nuevo álbum de la banda está en tramite.
En una entrevista de TV japonesa, Slash dijo: “Axl [Rose], Duff [McKagan], Richard [Fortus] y yo hemos estado hablando… estan pasando cosas y ya hay material para un nuevo disco. Es solo que, con Guns N’ Roses, no dices ‘Oh, este es el plan, y se hará así’, porque no es así como funcionamos”.
y cerró: “Básicamente, la única respuesta real es, que esperamos sacar un nuevo récord pronto y veremos como será cuando ocurra”.
Así que, aunque no hay nada concreto aún sobre el sucesor de Chinese Democracy, lo que cuenta Slash es más que suficiente información para mantenernos expectantes por ahora.
Cada vez se hace más complicado encontrar cosas realmente interesantes en la vereda rock. A veces falta calidad y, en otras, personalidad, dentro de este mar de nombres y proyectos que surgen todos los días. Sin embargo, Rival Sons ha ido marcando cierta pauta a lo largo de cada disco que han editado desde 2009, los cuales han pasado demasiado desapercibidos. Cuando Black Sabbath los trajo de teloneros, en su despedida de 2016, recién comprobamos la pasta de la cual estaban hechos y no les hemos perdido la pista. La banda de Jay Buchanan ya había sacado un excelente álbum en 2016 (“Hollow Bones”) y ahora abren el 2019 con “Feral Roots”, una escucha obligada para seguirle el rastro a quienes ya se presentan por sí solos adonde vayan. Editado bajo Atlantic Records, fue grabado en Nashville bajo la producción de Dave Cobb.
Contundencia es lo que ofrece “Do Your Worst”. El riff principal es adictivo, así como la poderosa voz de Buchanan, mucho más madura y equilibrada. Fantástico puente-estribillo y un solo breve pero poderoso; este inicio ganador, da paso a “Sugar on the Bone”, más distorsionada y que hace competir a la guitarra con la batería por el protagonismo. Más comercial, accesible y cercana a los acordes de “Back in the Woods”, al estar ambas inspiradas en el rock más clásico.
En este momento, es muy valorable que se hayan dado el tiempo de presentar novedades, de expandir sus límites musicales. “Look Away” es uno de los temas que lo refleja, pues tiene acústicos inspirados en Led Zeppelin III y que crean una atmósfera contemplativa, muy folk-rock; en otra línea, aparece “Feral Roots”, la cual es mucho más rompedora. Gana por todos lados con el buen uso de las guitarras, las cuales apalancan la emotividad de Jay. “All Directions” también se llena de matices, reflejando la versatilidad de la banda, tanto en composición como en ejecución. “Stood By Me” con sus influencias funkies, y “Shooting Stars”, con sonido inspirado en la música negra, que incluso llega al góspel, logran ser canciones muy completas y que rompen con el esquema tradicional del grupo.
La portada es muy colorida y sigue la línea de tener animales como foco de mirada. Apreciamos a una hembra tendida en un florido campo, rodeada de pájaros y conejos, con la leche saliendo de su cuerpo; un llamado a volver a las raíces, a la protección de los inicios de la vida.
“Feral Roots” es un disco que trae consigo calidad y madurez en una banda que no deja de sorprender. Cada tema tiene identidad propia y trataron de presentar ritmos nuevos, basados en estructuras conocidas. El cuarteto se escucha afiatado, Jay Buchanan cada vez más crecido en su labor y con momentos sólidos de instrumentación, específicamente en percusión y guitarra; esto nos hace valorar positivamente este nuevo intento discográfico que, sin duda, los sacará de gira. Extrañamos algunos riffs más novedosos y nos hubieran gustado letras por fuera de los clichés del rock, pero son solo detalles que se pierden ante la potencia y solidez de varias de sus canciones; de hecho, la pista que da nombre al disco será de lo mejor que escucharás este año. Si no conocías nada de Rival Sons, este “Feral Roots” es una excelente forma de comenzar a escudriñar en su recomendable propuesta.
No hay duda que Bring Me The Horizon se ha ido suavizando con el paso de los años. Desde el brutal Count Your Blessings de 2006, (aquel infernal debut que los mostró al mundo como uno de los sólidos representantes del death core), la banda ha probado y pasado de estilos que abracan el aggro metal, el rock alternativo, la electrónica y sí, el pop derechamente, como podemos escuchar en muchas de estas canciones, sin embargo, la agresividad se mantiene tan intacta en ciertos cortes que no nos hacen darle la vuelta la espalda, sino que todo lo contrario. BMTH recurre a una fórmula convincente que muestra que en el color de los estilos está el futuro de la música y la reinvención propia como banda.
El álbum nos introduce a punta de gancho y buenos riffs de parte del guitarrista Lee Malia , con “Mantra” y las melódicas y a veces hasta dulces frasesos de Oliver Sykes quien nos advierte sobre los peligros de unirse a un culto, y que en el siguiente track desata toda la furia y hace alarde de ese tremendo vozarrón que tiene (que le ha traido bastantes problemas a sus cuerdas vocales). Eso suena en “Medicine”, que es agresiva sin dejar de ser extremadamente amable al óido (aunque tiene su versión sucia y limpia). La fiesta sigue con Dani Filth, conocido cantante de Black Metal en Cradle of Filth (irrisoriamente en el video tomando leche o haciendo compras de supermercado con su look black espeluznante) acompañando en “Wonderful Life”, un tema que habla de la soledad (“nobody cares if I’m dead or alive”) y que cuenta con algunos riffazos que van ralentizando sus servicios jugueteando con los touchs eléctrónicos que están bastante bien puestos, y acá el álbum es donde se nos va haciendo amigo. Varios de estos singles ya habíamos podido escuchar desde hace varios meses, acogiéndose a una estrategia comercial evidente, de que cuando llegara el disco completo ya lo sintiéramos cómodo y conocido.
“Mother Tongue” representa lo meloso del disco y a ratos dan ganas de saltártela, pero no, también ofrecen el contraste necesario para este disco con acústicas y lineas bastantes sentimentaloides, forzando la veta “nueva” de Sykes en pos de cuidar sus cuerdas vocales tan traicioneras .
Lo que hace junto a Grimes, la cantante de Synth pop y directora de videos (que destaca mucho en el tema, por cierto), es someternos a una agradable fiesta muy dance y de ritmos abrazadores electrónicos que nada mal le hacen a la variedad del disco, en tanto en “Ouch”, algo parecido ocurrido con la cantante Rahzel. Todo indica que Sykes quiere unir los dos extremos con sus invitados. Es la tendencia.
Bring Me the Horizon merecen ser aplaudidos por el riesgo que han asumido al expandirse a nuevos géneros en “Amo”, y lo han hecho muy bien. Quizá después del apabullante “Sempiternal” este sea su mejor disco a la fecha, aunque hayan diferencias sustanciales entre ambos. Y lo más grandioso, es que al parecer “viudos” de su sonido de antaño no hay en demasía, sino que todo lo contrario, pues las millones de visitas de su nuevo material en YouTube dice que la banda ahora recoge muchos más fans más que prescindir de ellos.
Cada cierto tiempo recibimos en nuestras redes más que algún notable video de presentaciones improvisadas de músicos tanto en conjunto como en paralelo. Tenemos los Grammys, el Rock’N Roll Hall of Fame, los Late Show de la TV estadounidense, en que se han dado inolvidables reuniones y prácticas innovadoras de música en vivo generalmente colaborativa, pero también muchos de ellos han sido extraídos de este festival del que su nombre no nos dice mucho, pero que en el fondo se ha convertido en una de la causas benéficas en torno al rock de las más grandes de Norteamérica, donde bandas y artistas como R.E.M, Pearl Jam, Guns N Roses, The Who, Foo Fighters y tantos otros nos han dejado momentos icónicos, además de, por supuesto, el gran Neil Young, creador de todo esto y hombre que se motivó a mediados de los ochenta en ayudar a crear una institución que tuvo raíz en sus propias experiencias personales y en el duro camino que le puso el destino.
