Desde Elvis a L7: Festival de documentales In-Edit libera cartelera completa

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Del 25 al 30 de abril, el festival internacional especializado en cine y documental musical, volverá a concitar el interés de todos quienes disfrutan de las grandes historias que se relacionan con la música popular. Desde su nacimiento, en 2004, IN-EDIT ha ofrecido un espacio de encuentro para el sonido y la imagen, estando ad portas de vivir su 15ª edición con estrenos, proyecciones, charlas y encuentros en vivo en torno a interesantes historias de música y músicos.

Acá puedes ver la venta los abonos y pases

Acá la programación nacional completa

Destacamos algunos nombres nacionales e internacionales:

Gepe y Margot Loyola: Folclor Imaginario

Documental que pone frente a la cámara las razones, búsquedas y asociaciones que llevaron al cantautor pop a cruzarse con la tradición. Hablan Gepe, su banda y colaboradores cercanos.

Álvaro: Rockstars don’t wet the bed

Un inmenso registro de la controversial obra del músico Álvaro Peña, quien a sus 75 años continúa editando discos bajo su propio sello, engrosando así una discografía iniciada en los ’70 y que es del todo inclasificable. Peña ha tenido numerosos reportajes centrados en su peculiar biografía, incluso desde su período de trabajo junto a The 101ers, la banda de Joe Strummer previa a The Clash.

Bon voyage: Mi vida junto a Holden.

Armelle Pioline, cantante francesa de la banda indie-rock Holden, narra su viaje personal junto al grupo y recuerda su experiencia tocando en clubes y bares de Chile hace una década.

Y acá dejamos la programación completa

Destacamos los siguientes títulos de la selección internacional:

The King

Elvis Presley como metáfora definitiva del sueño americano y de sus engaños. Músicos, analistas y la gente que creció con su voz, comparan la historia y el alma de una nación. El documental reflexiona sobre la identidad, las luchas y las ilusiones de la clase trabajadora de Estados Unidos, a través de la simbólica biografía de ascenso del hijo de Memphis, paradigma a la vez de gloria y de tragedia.

Joan Jett: Bad Reputation.

«Dime que no puedo hacer algo y lo haré». La gloria de Joan Jett hasta hoy, desde The Runaways y Black Hearts, en sus palabras y las de sus admiradores. Una pionera del rock hecho por mujeres, un símbolo de rebeldía y coraje que no se adaptó a clasificaciones y siguió por su rumbo desde que tomó una guitarra eléctrica a los 13 años, y se hizo grande en un ambiente musical diseñado para los hombres.

Here to be Heard: The story of The Slits.

The Slits no sólo libraron la batalla del feminismo dentro del movimiento punk de Londres, sino que además supieron hacer trascender su sonido furioso, en una búsqueda interracial, atrevida y repleta de creatividad.

Milford Graves: Full Mantis

Milford Graves, uno de los percusionistas más audaces del planeta, se traduce aquí a imágenes y a palabras inspiradoras: biología, artes marciales, latidos de corazón y free-jazz arrollador. Dos de sus discípulos acometen, de una forma nada convencional, la tarea de explicar el mundo patafísico del maestro.

L7: Pretend we’re dead

Representantes del rugido de la era grunge. Sus integrantes (todas mujeres), repasan, en este documental, su auge y caída en los ’90 (y luego su regreso en 2014, por demanda popular). Gran cantidad de material de archivo sostiene el relato en torno a una banda de avanzada feminista, que sufrió los efectos desquiciantes del estrellato repentino.

PJ Harvey: A Dog Called Money.

Celebrada como una de las rockeras más creativas de esta época, Polly Jean Harvey recorre barrios de Afganistán, Kosovo y Washington buscando experiencias, de primera fuente, sobre la vida cotidiana bajo tensión y amenaza. Junto a un fotógrafo van recogiendo imágenes y palabras.

Más información en inedit.cl

Rammstein publica portada, lista de temas y confirma título de su nuevo álbum

Titulado simplemente Rammstein e ilustrado con un solo fósforo (pero con muchas ganas de incendiar todo), ya hay detalles importantes sobre el regreso de los alemanes industriales. La banda ha publicado la portada y la lista de temas de su esperado nuevo álbum de estudio que llega casi después de 10 años de “Liebe Ist Für Alle Da” (2009)

El LP sale el 17 de mayo a través de UME /Spinefarm en Europa y Caroline Records en los EE. UU.

Recordemos que el mes pasado, Rammstein lanzó un espectacular video de nueve minutos dirigido por Specter Berlin para “Deutschland”, el primer single de “Rammstein”.

En cuanto a la dirección musical del disco y cómo se compara con los trabajos previos de la banda, el guitarrista Richard Kruspe dijo: “Es muy difícil decirlo, porque llevo  trabajando cuatro años en el disco, y ahora estamosdy tan cerca. Creo que cuando escucho el registro,  todavía estamos en el proceso, pero es casi como un ‘Rammstein 3D’, así lo describo. Hemos escrito muchas cosas, pero grabamos, creo, 16 canciones en este momento. Probablemente vamos a mezclar 11 canciones porque nos estamos quedando sin tiempo ahora. Creo que saldrá en abril, que será la fecha de lanzamiento. Luego, estaremos en nuestra primera gira de estadios, lo que es muy emocionante”.

También anunciaron recientemente un lote de fechas de la gira europea de verano 2019. La gira de estadios comenzará el 27 de mayo en Gelsenkirchen, Alemania, y finalizará el 23 de agosto en Viena, Austria.

Portada y tracklist:

01. Deutschland (05:26)
02. Radio (04:37)
03. Zeig Dich (04:16)
04. Ausländer (03:52)
05. Sex (03:56)
06. Puppe (04:33)
07. Was Ich Liebe (04:30)
08. Diamant (02:33)
09. Weit Weg (04:19)
10. Tattoo (04:10)
11. Hallomann (04:09)

“Deustschland” y un par de adelantos:

Disco inmortal: Melvins – “Houdini” (1993)

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Muchos músicos a lo largo de su carrera hacen referencia a influencias, pero pocos logran llegar a tener un vínculo cercano con sus referentes. El icono generacional, Kurt Cobain, nunca negó su admiración por el trabajo de Buzz Osborne, con quien mantuvo una amistad, llegando a participar en la producción y también a compartir los créditos como músico invitado en el disco más reconocido de la histórica banda Melvins.

Houdini” (1993) fue lanzado el mismo día que “In Utero” de Nirvana, dato no menor, ya que por esa época, todo lo relacionado a la escena grunge, causaba un gran interés en los fanáticos como en la prensa especializada. Este álbum, es considerado el trabajo más sencillo dentro del catálogo de Melvins, algo muy raro, ya que al escuchar la obra se puede apreciar un puñado de buenas canciones, pero muy poco accesibles.

La maquinaria pesada del Sludge.

El disco abre con la genial “Hooch”, un ejercicio de precisión en donde destacan los riffs de guitarras saturadas y profundas a cargo del pelucón Osborne y la preciosa técnica de Dale Crover en batería. Desde el primer momento, podemos oír esa exquisita mezcla de punk con el distintivo sonido Stoner de Black Sabbath, una influencia más que notoria en el sonido de la banda y un antecedente de consolidación para el estilo Sludge metal.

Night Goat” a estas alturas ya es un clásico, un verdadero combo en el hocico que nos deja viendo estrellas; es de aquellas canciones que escuchas y la reconoces enseguida por su característica introducción con ese sonido de bajo distorsionado. La pista es un himno inoxidable al paso del tiempo, una canción fresca, en donde la banda nos muestra, con mucha simpleza, su enorme técnica a la hora de tocar.

En “Lizzy” nos encontramos con una canción más amable, un tema que da cuenta de esa doble cara de la banda; por un lado está la potencia, pero también la experimentación con distintas influencias. Esto también queda en evidencia en otra de las memorables del álbum, este es el caso de “Going Blind” un cover de la famosa banda Kiss y que Melvins interpreta de buena manera. Si bien no hay grandes innovaciones con la versión original, se debe reconocer, que lo hacen mejor, logrando impregnar mayor intensidad a la calmada melodía.

La agresión se hace presente en una de las favoritas de la fanaticada “Honey Bucket“, es una canción diseñada para hacer que la energía fluya, enriquecida por el sello propio en las texturas de guitarra de Buzz y las sólidas partes de batería del máquina Dale Crover.

Al escuchar este disco, muchas de estas canciones se nos van quedando en el oído, pero esta, es una de las que más logra enganchar al oyente por su onda acelerada y espíritu punk.

La experimentación y un colaborador estelar.

A medida que avanzamos en la escucha, van apareciendo distintos experimentos, tal es el caso de los siete minutos de duración de “Hag Me” en donde Melvins nos entrega un metal lento y denso, pero siempre lleno de vitalidad. En contra parte, nos encontramos con “Set Me Straight” una canción mucho más pegadiza en cuanto a melodía, pero con el mismo trasfondo de riffs potentes.

En “Sky Pup” la agrupación vuelve a la experimentación, esta vez acompañados por Kurt Cobain, quien se hace cargo de la guitarra, en una composición desarmada con una línea de bajo inquieta y poco definida que encaja a la perfección con el sonido demente de la canción.

Otra de las imperdibles en los set de la banda es “Joan Of Arc” que, con un lento vuelo Stoner, se convierte en otro de los himnos de batalla, seguida por un ritual de locura, como “Teet” y ese desagradable acople final de guitarra que la une a la acelerada “Copache” y la rara mezcla de batería y bajo de “Pearl Bomb“, para dar paso a “Spread Eagle Beagle“, una extraña Jam session, junto a Cobain, en donde golpean las percusiones sin una estructura definida, en un cierre de vanguardia para el disco mas “comercial” de la banda.

Es indudable que acá los miembros de la agrupación, lograron realizar un trabajo, en donde quedó plasmado lo mejor de si mismos, pero también es necesario aclarar que lo de Melvins no es algo que va a quedar en la memoria de manera instantánea, si bien “Houdini” es uno de los discos más populares dentro de su carrera, las canciones resultan demasiado disonantes y ásperas, por lo cual se recomienda disfrutar este álbum de melodías infecciosas con precaución y un buen par de parlantes o audífonos de alta calidad.

Cancionero Rock: “Gouge Away”- Pixies (1989)

Es una de las más veneradas canciones no solo de “Doolittle”, disco elemental de los Pixies y para entender todo el rock alternativo, sino que de la historia del rock. La banda, la verdad, es que estaba mucho más que inspirada en la construcción de todo lo que significó “Dollittle”.

De corta letra pero donde expresan mucha alma, ha convertido esto en momento sagrado para los shows en vivo, gracias a la desgarradora forma de cantar de Frank Black y a esa marca de bajo entrañable de Kim Deal.

Esta canción, que tiene una doble lectura,  se refiere a la historia bíblica de Sansón, a quien sus enemigos sacaron los ojos y finalmente los mató a todos cuando fue encadenado a dos pilares en su fortaleza. Bajó los pilares, derribó el edificio y se mató a sí mismo y a sus enemigos, pero también posa su significado en las drogas, a la heroína y marihuana específicamente, y muchos lo consolidaron como un himno a ello.

Encadenado a los pilares
A 3 day party, I break the walls
Una fiesta de tres días, rompo las paredes
And kill us all with holy fingers
Y matarnos a todos con sus gloriosos dedos
Gouge away, you can gouge away
Picarte, tú puedes picarte
Stay all day if you want to
Quédate todo el día si tú quieres

El baterista de Pixes, David Lovering, le dijo a MusicRadar: “Es el ejemplo perfecto de una verdadera canción de los Pixies. Tiene el verso tranquilo y luego se hace todo lo desgarrador posible para el coro. La forma en que está estructurada, es de dos capas opuestas. Recuerdo cuando la grabamos ‘Pensé que era la cosa más convincente que hemos hecho’, dijo el batero.

Todo un clásico a 30 años de una de las obras más fundamentales del rock alternativo

 

Blaze Bayley cuenta la historia de como llegó a ser vocalista de Iron Maiden

Para los fans de Iron Maiden y Bruce Dickinson 1993 no fue un muy buen año que digamos. La gran voz de la doncella en esa fecha anunció su intención de dejar la banda,  y Harris se encargó de la difícil tarea de reemplazar a uno de los mejores líderes vocales del heavy metal. Finalmente, eligieron a Blaze Bayley de Wolfsbane, quien recientemente habló sobre su audición como uno de los 12 finalistas después de que la banda audicionó a más de 1,000 presentaciones de demostración.

Bayley, quien cantó en los álbumes de The X Factor y Virtual XI de Maiden, recordó haber pensado “lo intentaré” al enterarme de que las leyendas del metal realizaban audiciones para el reemplazo de Dickinson. Hablando de la experiencia con Rockfiend Publications Scotland (video abajo), el cantante continuó: “Creo que tenían 1.500 demos que habían escuchado, y luego hubo, como una especie de 12 discípulos que fueron elegidos para la audición. Y tuve la suerte de ser uno de esos 12 “.

Nunca se supo mucho sobre los detalles tras bambalinas de estas audiciones y los fanáticos han especulado durante mucho tiempo sobre qué otros cantantes fueron considerados seriamente para el rol, haciendo de la nota de una docena de potenciales una pequeña revelación.

Sin dar nombres, más detalladamente hablando del proceso, Bayley continuó: “Fui al estudio a cantar en vivo. Había 10 canciones en el set en ese momento, 10 de los clásicos que tenías que aprender, y fui y terminé como el mejor.” Mencionó estar “muy, muy sorprendido” de que lo hayan elegido, especialmente porque su voz es “muy diferente a Bruce”.

“Nos parecíamos un poco, pero nuestras voces eran radicalmente diferentes”, dijo Bayley, quien explicó: “Pero creo que lo que querían era un cambio, y los álbumes que hice, The X Factor y Virtual XI, que Fue el verdadero comienzo de la era progresiva de Iron Maiden y aprendí mucho sobre la composición de canciones y sobre mi voz. Y fue una experiencia increíble. Creo que la música que creamos fue simplemente fantástica”.

Maiden no tenía material preescrito antes de que Bayley se instalara, pero indicó que le dijeron que tenía libertad para participar sobre el proceso de composición. Orgulloso de haber contribuido, el cantante sonrió: “Así que tuve algunas canciones en el álbum. ‘Man on the Edge’ fue algo que co-escribí con Janick Gers, y que fue Top 10 en todo el mundo en las listas de rock. Fue una cosa fantástica, absolutamente fantástica, con un gran video y todo. Fue increíble”.

Mira la entrevista a continuación:

Turbonegro programa su debut en Chile

El debut de TurboNegro en Chile ya tiene fecha agendada. Los noruegos se presentarán el próximo 13 de septiembre en Club Blondie. La banda de hard rock viene a mostrar su último trabajo llamado “Rock ’n’ Roll Machine” lanzado en febrero del año pasado. El larga duración ha tenido positivas críticas por la prensa especializada y sus fans.

Además, la banda fundada en 1989, estará repasando sus grandes éxitos debido a que estarán celebrando sus 30 años de vida en la cual harán un repaso por parte de sus 12 trabajos discográficos realizados hasta la fecha.

Las entradas para el evento se pondrán a la venta el miércoles 17 de abril, desde las 9 am. Contará con un primera etapa que será de venta exclusiva a través de Eventrid y hasta agotar stock.

Preventa Online: $20.000
Preventa: $25.000
General: $30.000

Cancionero Rock: “Hunger Strike”- Temple Of The Dog (1991)

Todo lo que refleja este disco es sentimiento, porque nació a partir de la pérdida, la tristeza y oscuridad que causó la muerte de Andrew Wood de Mother Love Bone a causa de una sobredosis. Factores tan intrínsecos en la personalidad del grunge que para muchos esta placa lleva a material orgánico todo este espíritu melancólico concentrado. El álbum, que unió a miembros de Pearl Jam y Soundgarden en sus nacientes carreras, se ha transformado en una obra de culto del estilo, y qué duda cabe, más aún con la reciente pérdida de una de sus voces en que ha resucitado esta aura como si la historia se repitiera una y otra vez.

Hay datos bien interesantes: la banda grabó la canción el mismo día en que Vedder voló desde San Diego para reunirse con sus nuevos compañeros de banda en lo que se convertiría en Pearl Jam: ese 8 de octubre de 1990. Era la primera vez que se encontraba con algunos de sus nuevos compañeros (Vedder fue elegido como vocalista de PJ en base a una cinta que envió a la banda donde agregó voces a algunas de sus canciones, donde se inspiró en las letras surfeando). Este era además otro histórico momento de encuentro en un estudio.

Chris Cornell, por su parte, planeó cantar las partes altas y bajas del coro que reza “Going Hungry” por sí mismo con la ayuda de overdubs, pero estaba luchando con el registro bajo. En un momento decisivo, Vedder se acercó al micrófono y cantó las partes bajas del coro, lo que hizo que la canción se escuchara para Cornell. He ahí donde nace la magia, no tan solo del tema, sino para el descubrimiento de una de las grandes voces del rock y que en este tema tuvo su primera oportunidad para convencer de ello al mundo.

Con dos voces distintas, Cornell ahora pudo cantar las letras del verso al principio de la canción, y Vedder podría seguir con la misma letra, dándole un sonido diferente. Fue un momento enorme para el tema y para Eddie, ya que de alguna manera “se entrometió” en la canción de Cornell, pero sin parecer arrogante, y se ganó el respeto de sus nuevos compañeros de banda en el proceso. Fue la primera voz grabada de Vedder para un disco importante, y demostró a todos los que estaban en la sala que él entendía su sonido y estaba dispuesto a contribuir de la mejor manera que pudiera al propósito del disco.

El video de la canción fue filmado y dirigido por Paul Rachman en Discovery Park en Seattle. La vista de un atardecer, con la espalda de los miembros de la banda a la cámara frente a la isla de Bainbridge, hogar de Andrew Wood, fue un adiós simbólico para su gran amigo y el principal leit motiv de aquel gran disco.

Por Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Anesthetize”- Porcupine Tree (2007)

En los términos de música popular “suite” se le llama a una forma musical compuesta por distintos matices, movimientos y estilos en una sola armazón musical. Muchas canciones del progresivo estructuradas por piezas son denominadas así porque es la esencia de la soberbia forma de componer del estilo, aunque la reminiscencia de este término viene de las piezas clásicas del barroco de los maestros sinfónicos como Mozart, Bach o Beethoven,  como la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de “contraposición”, tomar una idea que represente distintos estados mentales.

Sin duda, es así como a esta canción de Porcupine Tree se le podría aplicar muy bien. Su belleza viajera y onírica contrasta con el peso de las guitarras y densidad cargando un drástico mensaje que está rociado de aburrimiento y crítica a lo cotidiano, las píldoras y los efectos hipnotizantes de una sociedad moderna de principios de milenio.

Steven Wilson escribió “Anesthetize”, junto con el resto del álbum “Fear of a Blank Planet”, durante febrero de 2006 en Tel Aviv y para ello tuvo una idea mucho más ambiciosa que todas sus formas y mecánicas experimentales space rock que estuvo haciendo en los inicios de la banda (que por cierto, fueron bastante complejas y dignas de repaso). La canción se puede dividir en tres secciones, y en el folleto del álbum, las marcas de asterisco separan las letras de cada una de las secciones. Estas secciones no se mencionan específicamente en el folleto, aunque ha sido el guitarrista Gavin Harrison quien reveló que la segunda parte se llama “The Pills I’m Taking” y más tarde el propio músico agregó en una entrevista que las partes primera y tercera se llaman “Anesthetize”” y “Surfer”, respectivamente.

Como los más cercanos a “Fear of A Blank Planet” sabrán, esta inmersa en todo un álbum conceptual sobre un niño/adolescente que no puede lidiar con el mundo moderno. Comenzando con una descripción de la vida, terminando con el posible suicidio o la entrega “a los brazos de Dios o una entidad divina” (“Sleep Together”).

“Anesthetize” es la gran obra maestra del disco. En la primera parte el adolescente describe la falta de sentido de su existencia. En el coro, primero comienza a caer en una depresión al darse cuenta de que en realidad es más un fantasma que un humano. Realmente no viviendo en este mundo, solo existiendo. Sin ningún sentido, sin atención de nadie. Pero justo cuando comienza con estos pensamientos, se detiene diciendo: “Cállate, sé feliz, deja de quejarte, por favor”. Trata de no dejar que estos pensamientos tomen la delantera.

A good impression of myself
Not much to conceal
I’m saying nothing
But I’m saying nothing revealed

I simply am not here
No way I should appear happy
Stop whining please

En la parte dos tenemos una descripción de la vida que tienes cuando detuviste exitosamente estos pensamientos. Una vida vacía y aburrida como consumidor. Sin nada que realmente puedas esperar, tu mente está apagada o dejada a la intemperie de la realidad que te quieren mostrar los medios y sociedad.

Only apathy from the pills in me
Its all in me, all in you
Electricity from the pills in me
Its all in me, all in you
Only eMpTV, cult philosophy

En la parte tres es donde cae toda la belleza poética de esta canción, aunque con un final tan ambiguo que es difícil interpretarlo

Primero es solo una imagen que él describe. Cómo se ve el mar y las olas. En combinación con la increíble música que apaga la marcha de toda ese mundanal ruido de antes, él está ahí para alejarse de la realidad. Tener algún espacio para soñar un poco. También puedes comparar este corto camino de las olas con su propia vida, tal vez es por eso que está sonriendo al sol. Un pequeño camino hacia la costa y todo ha terminado. No hay signos de dolor. La idea de que la muerte es lo que le pasa es inevitable.

Mientras hace esto, ve a su (primer) amor (tal vez aquel túnel del final de tu vida donde ves muchas imágenes en un segundo). Él solo la está mirando y se da cuenta de que ella no comparte este sentimiento con él cuando se está alejando. Es por eso que dice “is black across the sun”, el sol, la luz, la esperanza, pero que no llega, se le hace mezquina, se va diluyendo ese pequeño rayo tornando todo negro al final.

You were holding your hat in the breeze
Turning away from me in this moment
You were stolen as black across the sun

Hay mucha poesía y metáfora en ella, sobre todo en la última parte, es por eso que con los años se ha transformada más que en una “suite”, en una verdadera obra de arte de difícil interpretación. Los ingleses con esto se anotaron otra de las grandes canciones al estilo “Bohemian Rhapsody” que seguramente serán estudiadas más y más en el futuro, dejando para una eternidad los casi 18 minutos más notables de una canción en la historia del rock.

Por Patricio Avendaño R.