Videografía Rock: “Grind”- Alice In Chains

“En el agujero más oscuro
te daré un consejo
no planifiques mi funeral antes de que el cuerpo muera”.

En 1995 el movimiento grunge ya había dejado atrás sus días de gloria. Los discos que lo definieron ya se habían publicado y cada banda se encontraba en virajes diferentes, resolviendo cómo iban a afrontar la segunda mitad de la década. Alice In Chains fue uno de los grupos más sobresalientes de esa oleada de jóvenes que le cantaba a la depresión, la soledad y la tribulación, logrando tremendo éxito con cada una de sus placas. Es así como llegó a escena el disco homónimo, un álbum más maduro que “Facelift”, menos potente que “Dirt”, pero mucho más depresivo que aquellos; si bien no es fácil de conectar, tuvo una gran acogida comercial y sin que fuera necesario encasillarlo como grunge, pues se acercaba a sonidos más turbios y no tan propios de los acordes que pusieron a Seattle en el mapa. El primer single de este trabajo fue “Grind”, canción que atacó a los mal intencionados rumores que giraban en torno a la banda, los que incluso daban por muerto a Layne cada cierto tiempo. Sobre esto, Jerry Cantrell señaló en el booklet del Music Bank: “Esto estuvo más o menos a la altura de la publicidad acerca de los tour cancelados, la heroína, amputaciones, todo eso, por lo que fue otra canción sobre “FUCK YOU!!!” por decir algo acerca de mi vida”.

Una canción tan poderosa fue acompañada de un video inolvidable. Desde la tonalidad oscura plateada para el arte del álbum, este video se suma y es parte de eso mismo: de sacarse la rabia acumulada. Fue dirigido por Rocky Schenk, quien prefirió la acción en vivo, con secuencias animadas, con la banda bajo tierra de la escalinata iluminada donde se encuentra el perro. Éste no es el mismo de la portada del álbum y tampoco pertenecía a Jerry Cantrell, otro mito inventado por esa época. El perro con tres patas fue usado como una ironía, algo así como “Nos enteramos que perdimos una extremidad, pero aún estamos en pie”.

Otro punto decidor en el video, es la utilización de cuatro muñecos de trapo y que hoy se visualizan como un leve acercamiento al stop motion. Son los miembros de la banda, atrapados en una especie de infierno, sin poder llegar a la ansiada luz. Si tomamos en cuenta esta teoría, podemos decir que el demonio había decidido eliminar la buena música y decidió comenzar por Alice in Chains, por tanto, ha secuestrado a sus miembros en este mundo retorcido, que podría ser el purgatorio, con el objetivo de reclamar las almas de sus miembros, los que están representados en forma de muñecos.

La Cabra: Layne Staley
El Burro: Mike Inez
Muñeco voodoo, con cabeza de cuervo con tenazas: Jerry Cantrell
El Mono: Sean Kinney

Junto a los muñecos cayendo sobre el anciano que sostiene al animal, se aprecian además, los querubines con alas, los que posteriormente serían parte del videojuego “The Journey”, que se lanzaría en 1999, y que ha sido definido como una extensión de este video de “Grind”, el cual logra proyectar, visualmente, la intensidad del tema, la carga que trae su mensaje y ayudó a expandir el universo creado por la música de Alice in Chains, aún en tiempos de muerte del grunge.

Rival Sons: Feral Roots (2019)

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Cada vez se hace más complicado encontrar cosas realmente interesantes en la vereda rock. A veces falta calidad y, en otras, personalidad, dentro de este mar de nombres y proyectos que surgen todos los días. Sin embargo, Rival Sons ha ido marcando cierta pauta a lo largo de cada disco que han editado desde 2009, los cuales han pasado demasiado desapercibidos. Cuando Black Sabbath los trajo de teloneros, en su despedida de 2016, recién comprobamos la pasta de la cual estaban hechos y no les hemos perdido la pista. La banda de Jay Buchanan ya había sacado un excelente álbum en 2016 (“Hollow Bones”) y ahora abren el 2019 con “Feral Roots”, una escucha obligada para seguirle el rastro a quienes ya se presentan por sí solos adonde vayan. Editado bajo Atlantic Records, fue grabado en Nashville bajo la producción de Dave Cobb.

Contundencia es lo que ofrece “Do Your Worst”. El riff principal es adictivo, así como la poderosa voz de Buchanan, mucho más madura y equilibrada. Fantástico puente-estribillo y un solo breve pero poderoso; este inicio ganador, da paso a “Sugar on the Bone”, más distorsionada y que hace competir a la guitarra con la batería por el protagonismo. Más comercial, accesible y cercana a los acordes de “Back in the Woods”, al estar ambas inspiradas en el rock más clásico.
En este momento, es muy valorable que se hayan dado el tiempo de presentar novedades, de expandir sus límites musicales. “Look Away” es uno de los temas que lo refleja, pues tiene acústicos inspirados en Led Zeppelin III y que crean una atmósfera contemplativa, muy folk-rock; en otra línea, aparece “Feral Roots”, la cual es mucho más rompedora. Gana por todos lados con el buen uso de las guitarras, las cuales apalancan la emotividad de Jay. “All Directions” también se llena de matices, reflejando la versatilidad de la banda, tanto en composición como en ejecución. “Stood By Me” con sus influencias funkies, y “Shooting Stars”, con sonido inspirado en la música negra, que incluso llega al góspel, logran ser canciones muy completas y que rompen con el esquema tradicional del grupo.

La portada es muy colorida y sigue la línea de tener animales como foco de mirada. Apreciamos a una hembra tendida en un florido campo, rodeada de pájaros y conejos, con la leche saliendo de su cuerpo; un llamado a volver a las raíces, a la protección de los inicios de la vida.

“Feral Roots” es un disco que trae consigo calidad y madurez en una banda que no deja de sorprender. Cada tema tiene identidad propia y trataron de presentar ritmos nuevos, basados en estructuras conocidas. El cuarteto se escucha afiatado, Jay Buchanan cada vez más crecido en su labor y con momentos sólidos de instrumentación, específicamente en percusión y guitarra; esto nos hace valorar positivamente este nuevo intento discográfico que, sin duda, los sacará de gira. Extrañamos algunos riffs más novedosos y nos hubieran gustado letras por fuera de los clichés del rock, pero son solo detalles que se pierden ante la potencia y solidez de varias de sus canciones; de hecho, la pista que da nombre al disco será de lo mejor que escucharás este año. Si no conocías nada de Rival Sons, este “Feral Roots” es una excelente forma de comenzar a escudriñar en su recomendable propuesta.

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Flotsam and Jetsam: The End of Chaos

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Hablar de Flotsam and Jetsam es referirse a casi 40 años de historia jugando en injustas líneas secundarias del thrash. El disco “Doomsday for the Deceiver” es considerado una joya del género gracias a la innovadora vocalidad de un joven Eric A. Knutson, por la técnica a las seis cuerdas de Michael Gilbert y, también, porque de estas huestes egresó, rumbo a Metallica, el bajista Jason Newsted. Aunque cueste creerlo, en la era de “Master of Puppets” se hablaba tanto de ese disco como del “Doomsday…” de los Flotsam and Jetsam, banda que ha sabido de fragmentaciones varias en su trayectoria las que, sin duda, atentaron a que pudieran alcanzar una notoriedad mayor a nivel de ventas, porque dentro del estilo se les respeta tanto como a los más “famosos”; sin embargo, esto no ha sido obstáculo para que siempre hayan lanzado al mercado trabajos de excepción.

El 2019 no pudo iniciar mejor para los metaleros gracias a “The End of Chaos”, producción que trae doce temas que subrayan un resultado agresivo y sin pérdidas de tiempo. “Prisoner of Time”, “Control”, “Prepare for Chaos” son realmente imprescindibles, con sendos riffs y estribillos provocadores. “The End” sorprende en el coro, el cual queda enganchado por días en la cabeza. “Architects Of Hate” y “Snake Eyes” son especialmente emocionantes, con un metal de elaboración cuidada y un sonido más fresco.

“The End Of Chaos” es un disco rápido, de los que destrozan cuellos sin mucho preámbulo, y que demuestra que el espíritu del thrash está intacto.

Tras un par de escuchas, son más las líneas melódicas y los matices que empiezan a aflorar, los que están muy bien adornados por el trabajo de Gilbert y Conley, cuyos solos rememoran el éxito de antaño. Más que destacable es el trabajo vocal, acabado y bastante prodigioso, por parte de Eric A.K. Con más de 50 años, está cantando mucho mejor que varios de sus correligionarios. Y otro detalle que eleva la calidad de la producción es el bajo, el cual gana protagonismo en varios temas, notándose la siempre presente influencia Maiden.

La portada es lo peor del disco. Un diseño poco original, que al parecer simula a la estatua de la libertad mostrando su verdadero rostro, pero que a estas alturas se nota poco creativo. Este detalle sirve para graficar que de haber trabajado con un productor o un sello más interesante, el resultado del álbum podría haber sido incluso mayor, pues faltaron algunos medios tiempos o esas pseudo baladas que tan bien le quedan a la voz de A.K. Pero en general, “The End Of Chaos” es un disco rápido, de los que destrozan cuellos sin mucho preámbulo, y que los pone en órbita para salir de gira y así seguir demostrando que el espíritu del thrash está intacto, la mayoría de las veces, gracias a la existencia de bandas como ésta.

Rumbo a Lollapalooza: Lenny Kravitz, magnetismo y status

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Muchos lo consideran ligado al segmento rock, pero Kravitz ha cruzado géneros y estilos, en una carrera con ricas influencias soul, rock y funk de los ’60 y ‘70.

Lenny Kravitz siempre ha sido como una versión más sencilla de Jimi Hendrix, Stevie Wonder o Marvin Gaye. Nunca ha tenido problema en tomar características de ellos para ir edificando una carrera que ha tenido momentos definitivos, especialmente en aquellos en que el hacer gala de su exhibicionismo era lo que más rédito le daba. Muchos lo consideran ligado al segmento rock, pero Kravitz ha cruzado géneros y estilos, en una carrera con ricas influencias soul, rock y funk de los ’60 y ‘70. Sea o no del gusto de todos, está claro que una figura de su talla es digna de ver en el escenario central de este Lollapalooza.

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Disco Inmortal: Queen- Innuendo (1991)

El ser el último álbum con Freddie Mercury ya lo hace diferente y especial. Llegaba precedido del buen “The Miracle” (1989) y fue publicado apenas diez meses antes del fallecimiento de Freddie. Su grabación, por tanto, estuvo condicionada por la salud cada vez más débil del artista, y por eso es que en cada tema, en cada nota, tenemos omnipresente la figura del genio en despedida, porque eso es “Innuendo”, el adiós de uno de los cantantes más importantes de la historia del rock.

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Overkill en Chile: el genuino guardián del thrash

Hay bandas que se están regocijando en una segunda juventud. Overkill es una de ellas. Por eso, cuando se anunció su regreso a nuestro país, los metaleros anotaron la fecha para no perderse detalle de la conocida muestra de poder y vigencia de los de New Jersey. Más aún, si traían bajo el brazo el aplaudido “The Grinding Wheel”, editado en 2017 y que les ha permitido seguir marcando fuerte su huella, tras 38 años de historia.

El show sumó a la banda argentina A.N.I.M.A.L y a los nacionales Disaster, un triplete que prometía una noche de estilos, dentro del querido heavy metal.

Muy puntuales, los Disaster dieron la primera descarga. “Atormentado”, “Criaturas del mal”, de su buen disco debut, “Culto de muerte” y la infaltable “Motosierra del infierno”, desataron los primeros mosh ante una buena cantidad de público que, desde temprano, llegó al teatro Teletón. A través de sus riffs tipo Kreator o de la guitarra que, a ratos, exudaba a Kirk Hammett, no dejaron segundo para descansar y en 7 temas, más alguna bizarra performance con la biblia y la típica motosierra, constatamos pasión intacta por su trabajo y llenaron de sonidos old school el inicio de la velada. Efectivos.

En otro estilo, A.N.I.M.A.L. brindó un espectáculo marcado por la actitud. No faltaron “Milagro”, “Familia”, “Los que Marcan el Camino”, “Sol”, “Barrio Patrón”, “Revolución”, y “Solo por ser indios”, poniendo la guinda con la elogiada adaptación que hicieron para “Cop Killer”, de Body Count . Más comunicativos que los Disaster, celebradas fueron las referencias al pueblo mapuche, a la policía corrupta, a Alfredo Lewin, a MTV, a la fuerza del metalero sudamericano, todo llevado por un hilo conductor muy auténtico, por parte de Giménez, autenticidad que logró subir aún más la temperatura para que el Teletón fuera una olla a presión previo a la salida del plato fuerte de la noche.

Overkill

Y también con extrema puntualidad y con el nombre de la banda en gigante color verde, Bobby “Blitz” Ellsworth y el bajista D.D. Verni saltaron a escena para regalarnos un poco del metal pesado que han construido en 19 álbumes. Overkill es una banda que no falla en directo, porque todo lo viven a fuego. Y eso se constató de entrada, con “Mean, Green, Killing Machine”, de su último disco y que arrasó con thrash de vieja escuela, adornado por el bajo soberbio de D.D. Verni; esto les permitió tener al público en el bolsillo a pesar de desajustes de sonido que, lamentablemente, se hicieron sentir en varios pasajes del show. “In Union We Stand” es una de las mejores canciones de Overkill y no podía faltar. Intensa, rítmica, con un aura a Judas Priest y un Bobby que demostraba su talla al micrófono. El público agitaba sus melenas para dar pase a “Coma”, del tremendo álbum “Horrorscope”, que desató más mosh y rugidos del gran Blitz, algo a medio camino entre Udo y Zetro Souza, quien siempre estuvo al mando de la situación. También del disco nuevo, sonó “Goddam Trouble” con un solo magnífico, buenos riffs, Blitz dando lo mejor en el coro y haciendo partícipe a la gente, con la cual se comunicó tras cada tema. “Ironbound” fue otro momento clave y único tema del álbum que les dio ese segundo aire en 2010. Pura técnica.

“Elimination”, los covers de The Subhumans y Dead Boys, “Wrecking True”, “Infectious”, sellaron un show que fue un recorrido extenuante por el camino de una banda archi reconocida en el ambiente, pero que aún conserva la energía under de los primeros años. Esto, combinado con la experiencia, producen conciertos de calidad y técnica virtuosa, a pesar de que hubo sobre saturación del sonido en varios instantes. Pero en general, lejos de sentirse obsoleta, la máquina creada en 1980 sigue batallando en pos de salvar la memoria del genuino thrash, y luego de escuchar el último disco y verlos en vivo, nos contenta comprobar que ese espíritu sigue intacto.

Por Macarena Polanco

Fotos: Jerrol Salas

John Garcia: “John Garcia and the Band of Gold”

Muchos años han pasado desde la disolución de Kyuss, banda influyente por excelencia y referente ineludible de los noventa, si aludimos al stoner y al llamado “rock del desierto”. De lo que fue esa formación, han surgido otras propuestas amparadas bajo el paraguas de la creatividad de quienes algún día la formaron, por lo cual es correcto decir que Kyuss sigue siendo fuente de buen beber para ellos; sin embargo, da la impresión que a John Garcia le ha costado capitalizar ese éxito más que a sus ex compañeros. La denominada “voz del stoner” alumbra los inicios de 2019 con nuevo combo llamado Band of Gold.

Escuchado el disco, queda la grata sensación de que logró recrear lo que mejor le queda. Porque este homónimo redibuja el espíritu de los creadores de “Blues for the Red Sun”, pero le agrega un matiz más rockero, propuesta que ya nos había compartido a través de Unida y Hermano.
Producido por Chriss Goss, el objetivo de Garcia es darle al público más stoner justamente lo que quiere escuchar a través de “Popcorn (Hit Me When You Can)”, que nos deja la influencia sabbathiana de años setenteros, junto con “Apache Junction”, la que tiene un medio tiempo marcado por el rock y no tanto por el stoner, sentenciando con más energía en el riff y el ritmo poderoso de la batería. “My Everything” y “Kentucky II” rinden cuenta de que cuando John está inspirado, resplandece como el oro. “Cheyletiella” y “Softer Side” son extensas, espesas, trabajadas hasta el mínimo detalle y con un punto lisérgico que nos hace extrañar ese desierto de antaño, quedándose como las más completas.

Si bien es predecible y clásico, es eso mismo lo que atrae y logra que repasemos el trabajo entero, entendiendo que la técnica está dominada y que esa voz le da a los temas un poder extra, al estar muy bien interpretadas. Como era de esperar, el tinte vocal sin igual de Garcia marca el devenir del álbum, pero éste se retroalimenta con riffs densos y aires de psicodelia como base de toda la escucha. En general, estos podrían ser temas que no encontraron lugar en los discos de Kyuss debido al enorme nivel que tenían los que sí entraron, pero no por eso vamos a decir que estos 40 minutos son desperdicio, por el contrario, hacen prevalecer a Garcia como un músico al cual le queda resto por entregar.

Confirmado: Hall & Oates llegan por primera vez en Chile

Daryl Hall y John Oates, el dúo musical que más ha vendido en el mundo, continuarán agregando logros a su carrera en 2019, cuando realicen sus primeros conciertos en Argentina, Chile y Brasil el 6 de junio (Estadio Luna, Buenos Aires), 8 de junio (Movistar Arena, Santiago) y 11 de junio (Espaco das Americas, Sao Paulo).

Sobre la fecha en nuestro país, debemos consignar que nunca han estado acá ni en Brasil, ni siquiera como turista. “Estoy muy emocionado de ver estas dos grandes ciudades y tocar para nuestros fanáticos allí” señaló Oates.

Las tres fechas sudamericanas son posteriores a los shows del 20, 22 y 23 de marzo como parte de su residencia en The Colosseum en Caesars Palace en Las Vegas; una gira por el Reino Unido que los llevará a Birmingham (Resorts World, 24 de abril), Londres (Wembley SSE Arena, 26 de abril), Manchester (Manchester Arena, 28 de abril) y Glasgow (SSE Hydro Arena, 1 de mayo) para continuar con dos fechas en Alemania, en Dortmund (Westfalenhalle, 3 de mayo) y en el Hamburg Barclaycard Arena, 6 de mayo). Las fechas en Alemania son las primeras desde los años 80.

El primer viaje de los integrantes del Salón de la Fama del Rock and Roll a Sudamérica se produce después de la gira del año pasado con Train, que se vendió en lugares tan legendarios como el Madison Square Garden y The Fabulous Forum.

Desde mediados de los ’70 hasta mediados de los ’80, Daryl Hall y John Oates obtuvieron seis singles #1, incluyendo “Rich Girl” (también #1 R&B), “Kiss on My List”, “Private Eyes”, “I Can’t Go For That (No Can Do)” (también #1 R&B), “Maneater” y “Out of Touch”, de sus seis álbumes consecutivos de platino: ’76: Bigger Than Both of Us,’80: Voices, Private Eyes del 81, H2O del 82, Rock N Soul del 83, Part I y Big Bam Boom del 84. La era también produciría cinco singles Top 10 adicionales, “Sara Smile”, “One on One”, “You Make My dreams”, “Say It Isn’t So” y “Method of Modern Love”.
En 1987, RIAA reconoció a Daryl Hall y John Oates como el dúo más vendido en la historia de la música pop, un record que aún conserva.

FECHAS DEL TOUR
Marzo 20/22/23 – The Colosseum at Caesars Palace – Las Vegas, NV

Abril 24 – Resorts World Arena – Birmingham, INGLATERRA
Abril 26 – Wembley SSE Arena – London, INGLATERRA
Abril 28 – Manchester Arena – Manchester, INGLATERRA

Mayo 1 – SSE Hydro Arena – Glasgow, ESCOCIA
Mayo 3 – Westfalenhalle – Dortmund, ALEMANIA
Mayo 6 – Barclaycard Arena – Hamburg, ALEMANIA

Junio 6 – Luna Park Stadium – Buenos Aires, Argentina
Junio 8 – Movistar Arena – Santiago, Chile
Junio 11 – Espaco das Americas – Sao Paulo, Brazil

La preventa para el show de Daryl Hall & John Oates es exclusiva para clientes Entel pagando con Tarjeta Cencosud Scotiabank. Comienza el martes 5 de febrero a las 11am y estará disponible con un 20% de descuento para sus clientes hasta el jueves 7 de febrero, 11am o hasta agotar el stock de tickets disponibles para esta preventa.

La venta general comienza el jueves 7 de febrero a las 11.01am.

Método Preventa martes 5 al jueves 7 de febrero

*A través de la web:
Para poder comprar durante la preventa en Internet a través de www.puntoticket.com debes ser Cliente Entel y pagar con Tarjeta Cencosud Scotiabank.
Debes validarte como cliente Entel, agregar tu número de celular y tu clave Entel, para luego pagar con Tarjeta Cencosud Scotiabank.

*Puntos de Venta Puntoticket:
Debes ser Cliente Entel y llamar gratis al *110*755# para recibir un mensaje y así poder optar al descuento. Recuerda que debes pagar con Tarjeta Cencosud Scotiabank.
* Descuentos y promociones no acumulables entre sí.
20% de descuento limitado en 5.000 tickets.
Preventa válida por 48 horas o hasta agotar stock disponible de 5.000 tickets, que corresponde al 50% de cada ubicación.

La venta general comienza el jueves 7 de enero a las 11.01 am.

*Método de compra Venta General:
A través de www.puntoticket.com y en puntos de venta de Puntoticket seleccionados.

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No incluye cargo por servicio, no acumulables con otras ofertas, promociones, descuentos y/o convenios.