Fue en el programa Jimmy Kimmel Live! de la cadena ABC donde actuaron, siendo la primera actuación de la banda con el sustituto de Chris Fehn, quien fue expulsado hace un par de meses, aunque aun no se revela quien es .
Lo que hicieron fueron sus dos temas nuevos, ‘Unsainted’, el primer single de su sexto álbum que lanzaron el jueves, y ‘All Out Life’, tema publicado en octubre y que finalmente no formará parte del disco.
We Are Not Your Kindes el nombre del disco y verá la luz el 9 de agosto a través de Roadrunner Records.
En otras noticias devastadoras para la banda, el baterista y miembro fundador Shawn Crahan anunció la muerte de su hija de 22 años. No reveló causas y fue publicado por las cuentas personales del músico y de la banda.
Es uno de los discos de cabecera al momento de revisar lo mejor del thrash mundial, sin embargo, es una especie de milagro que Kill Em’ All sea todo lo tan grande como es, teniendo en cuenta las circunstancias precarias de su creación.
Grabado con un presupuesto muy reducido (alrededor de $ 15,000, pagado en cuotas) y pagado del propio bolsillo por el mánager de la banda Jonny Zazula y por la propia banda, en que sus pocos recursos se los gastaban en alcohol (acá bien ganado tenían el apodo de Alcoholica) hay que sumar que la banda despediría a su guitarrista principal y uno de sus principales compositores (Dave Mustaine) a solo cuatro semanas antes de entrar al estudio. Es ahí donde entra Kirk Hammett, apenas un mes antes de que comenzaran las sesiones del álbum.
Los conflictos en curso de Metallica con el guitarrista principal Dave Mustaine se habían deteriorado hasta el punto en que la banda no tuvo más remedio que traer un nuevo recluta para las sesiones de grabación. Lo de Hammett fue un poco a “modo urgencia”, pero la historia dictó otra cosa para el fiel guitarrista de la banda. La vacante de Metallica fue una oportunidad de oro para él, ”Tenía una semana para aprender las canciones”, le dijo a Music Radar en 2008. “Al final de esa semana volé y tuve una semana para ensayarlas , y luego empezamos a tocar en shows. Cada show siguió mejorando”.
Pero cuando llegó el momento de ir al estudio, Jonny Zazula, el mánager de la banda, insistió en que Hammett recreara los solos de Mustaine en el álbum. “el dijo: ‘Sabes que tienes que tocar los solos de Dave’. “Dije que realmente no quería”. Luego dijo: “Sé que son los solos de Dave y luego puedes llevarlos a otro lugar”. Era un joven de 20 años, puesto en una posición así, no querrás mover demasiado el bote, especialmente siendo el chico nuevo de la ciudad, el chico fresco. Así que dije: ‘Claro’. Eso es exactamente lo que hice. “Tomé los primeros cuatro compases de la mayoría de los solos y los cambié”, recuerda Kirk.
El boca en boca había dictado que Metallica ya tenían cierta fama de ser grandes en vivo, pero todavía tenían relativamente poca experiencia con la grabación en estudio. Desafortunadamente, su productor era el dueño del estudio de Music America, Paul Curcio, quien pensó que los tonos de guitarra brutalmente saturados de James Hetfield sonaban demasiado mal. Fue una verdadera piedra en el zapato el hombre de la producción a decir verdad y casi el álbum no sonó como lo escuchamos ahora debido a su poca visión metalera.
“Curcio había producido los álbumes anteriores de Santana”, recordó Zazula en Metallica: The Complete Illustrated History de Martin Popoff, “y estaba mezclando a Kirk como Carlos Santana… llegó al final del álbum, después de haber finalizado la grabación, y James estaba casi deprimido, así que dijo: ‘Jonny, esto no es lo suficientemente pesado’. Así que entramos y pedimos a James que rehiciera todos los ritmos, con el sonido poderoso y metálico por lo que la banda es ahora famosa”.
Metallica junto al manager Jonny Zazula
Zazula fue un gran héroe en toda esta historia. Como resultado, él y su esposa Marsha decidieron formar su propio sello, Megaforce Records; La pareja reunió el dinero que hicieron con Rock N ‘Roll Heaven, una tienda de discos en un mercado de pulgas en la Ruta 18 en Nueva Jersey, que era una meca para los fanáticos del metal. “Pensé que, si pudiéramos comprar registros de un distribuidor, ciertamente podríamos venderlos para grabar”, recordó Zazula. Megaforce Records se creó para lanzar el álbum, porque nadie más quiso publicarlo en ese año. Una verdadera locura.
Ya son más de 35 años de la salida de este álbum y sigue sonando fresco, fue uno de los grandes aciertos de la banda, que por cierto cambió de productor y estudios para el siguiente paso, que fue ese magnífico “Ride The Lightning”, lo que sin duda nos da para otra historia.
“Fue una especie de “Caballo Negro” (‘Dark Horse’) de Pantera, porque el heavy metal, en ese momento, se suponía que iba de salida”, dijo Phil Anselmo en una entrevista a la radio reflexionando sobre el disco hace unos años. “El Grunge era el género número uno en ventas en ese momento. El heavy metal estaba siendo experimentado por diferentes bandas, de diferentes maneras y, realmente, desde la perspectiva de Pantera, realmente, realmente, realmente, realmente queríamos hacer volar el puro estilo de Pantera de heavy metal lo mejor que pudimos. Y lo hicimos”.
En lo que estamos de acuerdo es que es brutal, sin embargo, ha quedado algo eclipsado con álbumes tan imponentes como “Cowboys From Hell”, “Vulgar Display of Power” o el inmenso “Far Beyond Driven”. Pantera no lo estaba pasando bien en el foro interno y quisieron hacer explotar en rabia desmedida este capítulo de su historia.
“Aunque sintiéramos la tensión, no la mostramos”, dijo Vinnie Paul. “Los fans estaban allí para nosotros. Probablemente fue el disco más áspero y desagradable que hayamos hecho. Estaba fuera de control y estaba fuera de control en más formas la banda que la música. Las personas que formaban parte de él estaban fuera de control, todo estaba fuera de control, ni siquiera sé cómo lo terminamos”, dijo el emblemático baterista.
Pantera además lidiaba con la popularidad en libre caída, aquella que ya habían sabido abrazar a gigantesca escala, ya que estaban en un momento muy competitivo en que bandas como Alice In Chains, Soundgarden, Korn, Marilyn Manson y Tool estaban llevándole la delantera en los nuevos estilos de metal amigables de MTV e incluso Metallica eran una alternativa sesgada tras la salida de Load. Acá Pantera se volvió menos accesible y más jodidamente hostil, escribiendo riffs que eran disonantes y muy brutales. Phil Anselmo – aprovechando su enfermedad, su dolor personal, aislamiento y auto desprecio – arremetió con implacables temas de letras de aborrecimiento hacia la sociedad (“War Nerve”, “The Great Southern Trendkill”), o su propia autocrítica a los cóctel de drogas que frecuentaba en las poderosas e introspectivas (“Suicide Note”), aquel notable tema de dos partes.
Por supuesto que el gran Dios Dimebag tuvo mucho que decir con su destreza característica. Uno de los punto aparte fue sin duda “Floods”, otro de estos grandes temas en tono balada que se termina convirtiendo en una grandeza absoluta gracias a sus solos de guitarra y aquellos pegadizos riffs de “Drag The Waters”. Este disco, además sirvió para que la banda expandiera su recorrido y llegara, por primera vez en su historia a Sudamérica, en aquella inolvidable gira junto a Kiss en 1997.
Seguramente, al principio no sabíamos de qué mierda se trataba esto. Bastaron tres o cuatro escuchas para descifrar que estábamos ante una de las canciones más potentes e innovadoras de los 2000’s. Esto ni siquiera era nu metal, como así se les había etiquetado tras ese poderoso debut homónimo, esta canción del increíble “Toxicity” (2001) tenía aquellas aristas de aquel registro sí, pero las guitarras acústicas, el hardcore, y sobre todo, esa inmensa capacidad transtornante de cambios, iba a marcar el sendero de que System no era una banda solamente innovadora, era toda una revolución musical.
Chop Suey en realidad es un guiso chino hecho con carne o pescado, además de brotes de bambú, cebollas, arroz y castañas. Lo usaron para el nombre de la canción porque describe su estilo musical, con muchas cosas juntas haciendo de ello algo exquisito. De hecho, como podemos ver al repasar las lyrics, el título no está en la letra. El nombre original de la canción era “Suicide”, pero Columbia Records les hizo cambiarlo para que fuera radiable y no provocar polémicas. Al comienzo de la canción, antes de ese tremendo e icónico “Wake Up!” (que ha servido de memes y trabalenguas mundiales) escuchas a Serj decir “estamos suicidándonos” ( “we’re rolling suicide.”) , aquella frase y claro, el título es un poco de un juego de palabras: “Suey-cide”
El video fue dirigido por Marcos Siega, quien también ha trabajado con Blink-182 y Papa Roach. Fue filmada en el estacionamiento de un hotel barato cerca de donde la banda creció en Los Ángeles. Antes de la sesión, publicaron una nota en su sitio web invitando a los fanáticos a participar. Como no eran bien conocidos, pensaron que llegarían unos 500, pero en lugar de eso aparecieron 1500 fans. (y en su mayoría niños) quienes recibieron instrucciones de albergar el escenario para que pudieran ayudar a capturar la energía de sus shows en vivo. El video es notable, pero hay que decir que pasa a segundo plano tras la canción en sí misma.
Rick Rubin, flamante productor de esta banda, que se estaba transformado en un verdadero tesoro en bruto, le dijo a Rolling Stone acerca de “Chop Suey”: “Es una canción inusual porque el verso es tan frenético. El estilo es tan quebrado e inusual. Es difícil de cantar y posiblemente de escuchar, pero luego el coro es esta cosa grande, elevada, emocional, creciente, hermosa. Y luego tiene este puente increíble”:
Father, father, father, do you commend my spirit?
Father, why have you forsaken me?
Realmente su construcción fue majestuosa, las guitarras de Daron malakian magistrales y la interpretación de Serj Tankian una de las más valoradas de la década. El tema remata con esa frase desgarradora:
“I, cry, when angels deserve to die
In my self righteous suicide
I, cry, when angels deserve to die”
Se abduce a las drogas, a la deseperanza, de vivir en ese entorno de decadencia Hollywoodense y la pena de su natal Armenia, todo reunido. Es simplemente otra de esas bellezas que nos dejó el rock, y solo una pequeña parte del amplio y grandioso cancionero de una de las más grandes bandas del planeta (y que vaya que se extraña).
Todo indica que los gigantes del metal Testament están de regreso y con muy buenas noticias. El guitarrista Eric Peterson publicó una actualización de las sesiones de composición del nuevo disco el martes por la noche, compartiendo una foto de él con el eximio Alex Skolnick, la otra guitarra de la banda, junto con indicar: “Muy buenos últimos días con @alexskolnick poniendo los últimos toques de riffs juntos y colaborando en riffs ultra pesados y algunas melódicas acústicas sorprendentes … ¡casi listas para comenzar a grabar!”
El baterista Gene Hoglan por su parte recientemente le dijo a Agoraphobic News que el próximo álbum de la banda se está convirtiendo en “un asesino y excelente disco deTestament. Todo el mundo lo disfrutará”, dijo.
También, recordemos que en septiembre pasado, el cantante Chuck Billy le dijo al medio Inquisitr que el próximo disco la banda probablemente incluiría una balada.“No hemos hecho una balada en más de 20 años, probablemente”, dijo. “Quiero decir, una balada completa. ‘Born In A Rut’, fuera de la otra (‘Brotherhood Of The Snake’), es suave y tiene melodía, pero en realidad no es una verdadera balada” y por ahí se condice lo de las acústicas en que están trabajando.
Al parecer, el sucesor de “Brotherhood of The Snake” promete. Pronto más detalles:
1994 fue uno de los mejores años para Pantera y “Far Beyond Driven” vino a re confirmar todo a punta de sólidos dardos de Groove metal, canciones inmensamente poderosas pero con un gancho suficiente para oídos más comerciales y masivos. El disco nunca dejó de ser un obligado en la discografía de la banda y “Five Minutes Alone” fue uno de sus caballitos metaleros de batalla, de todas maneras.
Según el fallecido baterista de Pantera, Vinnie Paul, en los materiales publicitarios del álbum (y con la confirmación de Phil Anselmo hace poco), había un chico en la primera fila en un show en San Diego que estaba molestando al cantante. Phil finalmente como que tuvo suficiente de ello, así que incitó a la multitud a saltar sobre este tipo. El tipo los demandó. Luego, su padre llamó al mánager de Pantera y su cita exacta fue: “No quiero demandarlos. Solo dame cinco minutos a solas con ese tal Phil Anselmo y le mostraré quién es el gran papi aquí “(‘Big Daddy’ fue exactamente la palabra que ocupó).
La respuesta de Phil fue aceptar “el reto”, diciendo : “Dame 5 minutos con el padre de ese pobre gato y le patearé el culo” aunque según cuenta fue el mánager quien le respondió al padre: ‘No, realmente no lo querrías hacer”. (Risas)
El video es una de los más reconocidos de la banda, tiene esta particularidad en que podíamos ver con precisión la vibración y la forma de tocar de los instrumentos de cada uno de los miembros de la banda en sendos primeros planos. Gracias a Headbangers Ball y que el rock y metal estaba en alza por esos años, tuvo bastante rotación en MTV y sigue siendo uno de los videos más reproducidos por sus fans.
Ni fue un video de tantos recursos, más que nada fue el ingenio de su director y si bien ya tiene 25 años de antigüedad, se ve fresco para nuestros tiempos conservando la energía abrasiva de la banda. De alguna manera, la banda estaba enseñando cómo tocar el tema a sus fans, aunque claro, tocar como Dimebag de la noche a la mañana no es cosa tan sencilla.
Te dejamos el original y el making of de culto, donde vemos, entre otras cosas a Jerry Cantrell de Alice In Chains y a Vinnie Paul rompiendo y prendiéndole fuego a sus baquetas mientras filman las tomas.
Anneke Van Giersbergen está en esa corta pero atesorada lista de artistas anglosajones que se sienten particularmente cómodos en nuestras tierras, y que se las han arreglado para generar algún vínculo con nosotros más allá de meras visitas periódicas. En su caso, le compuso una canción a Santiago de Chile en el álbum debut de VUUR, el proyecto metalero con el que nos visitará el próximo 19 de mayo en el Teatro Cariola. Con ese show como excusa, conversamos con la ex cantante de The Gathering y protagonista de diversos proyectos que fluctúan cómodamente entre el metal y el pop. Justamente, hablamos de su versatilidad y la facilidad para explorar dos lenguajes musicales aparentemente opuestos, de la celebración de sus 25 años de carrera, y algunas otras cosas.
Hola Anneke, gracias por darte el tiempo para esta entrevista. Por cierto, ¡Feliz cumpleaños atrasado!
¡Muchas gracias!
Esta es tu segunda visita a Chile con VUUR, ¿Qué pueden esperar los fans de este nuevo show?
Iremos con un show bien pesado, y estamos ansiosos de ver a nuestro público y conocer a los fans de Delain también. La mayoría conoce ambas bandas y tendremos una maravillosa experiencia todos juntos. ¡Estamos felices de volver a Chile!
En el primer disco de VUUR, incluyeron la canción ‘Sail away- Santiago de Chile’, donde escribiste la letra pensando en nuestra ciudad (gracias por eso). Pero, ¿Qué hay de la música? ¿Recibiste algún tipo de inspiración de Chile para la composición musical? ¿Has escuchado alguna música chilena que te haya llamado la atención en tus visitas previas?
La música, al igual que las letras, vienen de mi corazón. Cada ciudad tiene su propia historia y atmósfera. Cuando voy a tocar a alguna ciudad, conozco diferentes tipos de gente con diferentes background culturales que siempre me inspiran, cosas como el clima, la naturaleza, el arte y la música en cada país me inspiran un montón. Los chilenos son personas muy fuertes, abrazan la oscuridad de la misma forma que abrazan la luz. Creo que, si tú logras llegar a un balance como ese en la vida, puedes llegar lejos.
Has sido parte de un montón de proyectos y bandas de metal, pero también nos has sorprendido con excelentes canciones de pop en tu trabajo solista. ¿Qué te inspira a moverte en estas direcciones distintas, aparentemente opuestas? ¿Qué es lo que más te gusta de estos dos tipos de música?
Me encanta la diversidad. Cada género y también cada artista me inspira. Amo la energía del rock y el metal. En el escenario con la banda, moviéndome alrededor, cantando fuerte, haciendo que el público se mueva, ¡disfruto mucho eso! Y me encanta también lo opuesto, puestas en escena más calmadas, íntimas, donde la música y el contacto con la audiencia es muy personal.
Este año es tu 25°aniversario como música, hasta donde entiendo, dado que partiste en 1994 con The Gathering. Si tuvieras que hacer un balance en tu carrera, ¿cuáles han sido los momentos más felices de tu trayectoria musical? ¿Qué cosas han sido las más importantes que te han hecho crecer como artista? ¿Tienes algo en tu lista de cosas pendientes para el futuro?
Marqué el inicio de mi carrera profesional cuando empecé en The Gathering, pero yo he estado creando y tocando música desde los 14 años. Cada etapa ha tenido su propia belleza y sus desafíos. Estoy feliz con mi carrera solista. Trato de equilibrar la vida familiar con mi música y eso me hace muy feliz. Para mí, crecer como artista, compositora e intérprete es mi objetivo, trabajo con gente maravillosa en el mundo de la música y siento que mi audiencia me da el tiempo y el espacio para crear lo que necesito crear desde el corazón. Me siento muy bendecida por eso.
Foto por Nación Rock
¿Podrías contarnos más sobre la experiencia de haber grabado “Symphonized”, este disco en vivo con la Residentie Orkest the Hague? ¿Ves opciones de crear música en el futuro con arreglos orquestales?
La Residentie Orkest me pidió armar una noche juntos donde pudiéramos combinar música clásica y popular, en este caso, rock y metal. Quisimos hacer un crossover, y mostrar a las diferentes audiencias la belleza de ambos mundos. Por supuesto que dije que sí y propuse la idea de hacer arreglos para canciones de mis 25 años de carrera y hacer un show tipo “antología”, donde las canciones antiguas pudieran adquirir nueva vida. Terminó resultando incluso mejor de lo que esperé, también gracias a los maravillosos arreglos hechos por Marijn van Prooijen y Gijs Kramers. Sería genial, de hecho, crear nueva música algún día con arreglos orquestales.
Quedamos muy impresionados por tu sentida performance de ‘Like a stone’ de Audioslave hace un par de años, y a los seguidores de nuestro sitio les encantó esta conexión entre tu música y la de Chris Cornell. ¿Puedes contarnos cuán cercana eres a la música de Cornell y al rock alternativo norteamericano en general? ¿Es una influencia fuerte para tí?
Oh sí, me encanta su música y, sobre todo, su voz. En los 90 tenía veintitantos, y escuchaba mucho sus canciones en esa época. Proyectaban un sonido tan novedoso, algo que no habíamos escuchado nunca antes.
Finalmente, ¿Qué podemos esperar para el futuro? ¿Algún disco solista, o alguna nueva sociedad? ¿En qué has estado trabajando en estos días?
He estado escribiendo un montón de letras y canciones acústicas en estos últimos meses, así que compondré y grabaré un álbum acústico este año y me iré de gira para promocionarlo durante el próximo. Celebraré mis 25 años de carrera una vez más con dos shows grandes en Holanda el 16 y 17 de noviembre. También saldré un poco más de gira este año, en formato acústico y solista por los Estados Unidos, a Japón con VUUR, y estaré tocando con Ayreon en sus mega shows en Holanda en septiembre. ¡Hay mucho que pueden esperar!
Gracias por tu tiempo, Anneke. Estamos muy ansiosos de verte de vuelta en Chile.
Que a los chilenos y chilenas nos gusta el metal, está claro. Privados en los ‘80 de gozar, en vivo, de la música que azotaba al mundo con sus riffs largos y letras destructivas, la llegada de estas bandas en los ‘90, con discos ya memorables y con esa característica de brindarse por entero, lograron calar en el fan con una fuerza que solo el amor por los grandes símbolos (como lo puede ser la familia o el equipo de fútbol) puede representar. Han pasado los años y Chile es una sociedad diferente. Tanto así, que se ha convertido en destino obligado para un sinfín de grupos cuando planean giras sudamericanas. Pero para llegar a esto, el camino recorrido ha debido de ser largo y no siempre fácil, por eso, la historia de Iron Maiden con Chile está construida a base de saltar obstáculos religiosos y políticos, para ir decantando en una relación basada en la madurez y la confianza. Ante el anuncio de su novena visita, con dos shows agotados, hemos querido repasar esta historia que, ante la luz de los hechos, nos permite ser autorreferentes y señalar que somos el público sudamericano que más amor le demuestra a la doncella.
1992: No paran de decepcionarnos
Fue la Iglesia católica la que frustró el que debería haber sido el primer recital de Maiden en el país. El veto y otros contratiempos frenaron la llegada de los europeos a Chile, pero agigantaron su leyenda. Lo que comenzó como un debate valórico finalizó con el propio subsecretario de Interior, Belisario Velasco, haciéndose eco del argumento que señalaba como peligrosa la cercanía de las letras de Iron Maiden a temáticas ocultistas y de adoración a Satanás. Este tropiezo no pasó inadvertido para la banda, la que recordó el episodio en su documental “Flight 666”. El concierto programado para el 23 de julio de ese año, debería haber cargado con el rótulo del primer recital metal después de la dictadura.
1996: con el pie izquierdo
Pasaron 4 años para que los fanáticos pudieran sacarse de encima el polvo de la censura anterior. Pero como si el destino quisiera jugarnos siempre una mala pasada, Iron Maiden anunciaba su debut sin Bruce Dickinson en la voz, quien había sido reemplazado por Blaze Bayley. Fue el jueves 29 de agosto de 1996, en el Teatro Monumental, cuando la fanaticada se hizo presente con absoluto descontrol, siendo implacables con los teloneros Héroes del Silencio, quienes realizaron, seguramente, el show más corto de sus vidas. Así lo recordó Enrique Bunbury, años después. ”Al medio minuto de estar en el escenario yo era todo un escupitajo, pero además empezaron a tirar de todo y le dieron con algo a Pedro en la cabeza. Se cayó con la cabeza abierta y se lo llevaron al hospital. Fin del concierto”. Cuando Maiden salió a escena, Bayley también fue víctima del desatino y desorden, tanto así, que el propio Steve Harris amenazó con terminar el show. “Fortunes of War”, “Blood on the World’s Hands”, “Afraid to Shoot Strangers”, “The Evil That Men Do”, “The Aftermath”, “Sign of the Cross”, “Sanctuary” y otras lograron calmar los ánimos tras la molestia de Harris, sin embargo, todos estaban insatisfechos de estar ahí. Sin duda que la primera cita de esta pareja, terminó con pocas ganas de volver a verse.
1998: otro balde de agua fría
Tras el mal inicio de hacía dos años, los ingleses nuevamente anunciaron visita al país. El show se programó para el 10 de diciembre en la pista atlética del Estadio Nacional y en el marco del Monster of Rock, donde compartirían cartel con grandes bandas como Slayer, Helloween, Criminal y Panzer. Pero en esta ocasión, el motivo de la no presentación vino por parte de los británicos, ya que en 1998 Augusto Pinochet había sido detenido en Londres, lo que motivó a Iron Maiden a bajarse del evento por motivos de seguridad.
2001: creciendo juntos
Entrando en el siglo XXI, el 15 de enero de 2001, los intérpretes de “The Trooper” deciden volver a Chile para presentar “Brave New World”, el cual marcaba el regreso de Dickinson en la voz y de Adrian Smith en la guitarra. Con un país más acostumbrado a recibir grandes eventos, con un acceso a internet bastante masivo, y con fans que ya no eran los adolescentes que, con desparpajo, habían escupido a la bestia un par de años antes, se podía esperar un ambiente inclinado al pleno disfrute del concierto. Éste tuvo como invitado a Rob Halford, quien realizó una presentación tan fantástica que, realmente, igualó a lo que hizo la banda. “The Wicker Man”, “Ghost of the Navigator”, “Brave New World”, “Wrathchild”, “2 Minutes to Midnight”, “Blood Brothers”, “The Clansman”, “Fear of the Dark” y otras, deleitaron a los fans sin que motivos adyacentes amenazaran con frustrar el espectáculo. Podríamos decir que este fue realmente el debut y punto de partida de la relación de los ingleses con Chile.
2004: Eddie, el imponente
Tres años más tarde, el 13 de enero de 2004, Iron Maiden regresaba a nuestro país marcando su tercera visita. La gira del “Dance of Death” ofreció un show que superó en calidad de sonido al anterior, pero que estuvo lejos de sentirse afiatado. En aquel momento, la banda acusaba cansancio y hasta Rod Smallwood declaraba que sería la última gira mundial que realizarían. Los británicos cumplieron, siendo Eddie el que se colgó el protagonismo y le dio al espectáculo el status de imponente. “Wildest Dreams”, “Wrathchild”, “Can I Play With Madness”, “The Trooper”, “Dance of Death”, “Rainmaker”, “Brave New World”, “Paschendale”, “Lord of the Flies”, “No More Lies”, “Hallowed Be Thy Name”, “Fear of the Dark”, “Iron Maiden”, “Journeyman”, “The Number of the Beast”, “Run to the Hills” fueron las escogidas esa noche, pero muchos no quedaron conformes con ese setlist.
2008: en la cima
La bestia volvió a pisar Chile el 9 de marzo de 2008, cuando el mundo entero clamaba por la épica y espectacularidad que le añadían a sus shows. El “Somewhere Back in Time World Tour” agotó los tickets en pocos días, formándose una especie de “movimiento” que pedía trasladar el concierto desde la Pista Atlética al propio Estadio Nacional. Como no resultó, fueron algo más de 28.000 privilegiados los que se dejaron llevar por el delirio absoluto de la banda. Los videos de esa anoche muestran cómo nadie dejó de cantar, agregando una emoción no vista, de manera tan palpable, en sus visitas anteriores. Este show aparece en el documental “Flight 666”, que se editaría después. “The Rime of the Ancient Mariner”, “Powerslave”, “Heaven Can Wait”, “Moonchild”, “Aces High”, “Fear of the Dark”, “Revelations” y “The Clairvoyant” fueron la demostración, a carta cabal, de que la banda ya era legendaria para nosotros, que sus shows eran dignos de agotar las entradas en horas, y de que cantar junto a Bruce es lo mejor que existe para un metalero de esta parte del mundo. Para muchos, este es el mejor show que ha dado la banda en Chile.
2009: tierra fecunda
Impensado era que quisieran volver tan pronto, pero así fue. El 22 de marzo de 2009 agendaron visita en un recinto que siempre ha tratado de probarse como apto para grandes shows: el Club Hípico. Mucho más grande que la Pista Atlética, acogió el show de Maiden con su buena cantidad de pirotecnia, algo que no utilizaron el año anterior. El concierto comenzó a las 20:00 horas y se extendió por casi dos, sumando temas como “Aces High”, “2 Minutes to Midnight”, “The Trooper”, “Run to the Hills”, “The Number of the Beast”, más algunos no tan conocidos y que solo son el deleite para un fan de cepa: “Children of the Damned” y “Phantom of the Opera”, por ejemplo. Muchos asistentes indicaron que este show superó al de 2008 y fue capaz de atraer 65.000 personas, cifra que dejó impresionada a la banda. No es fácil duplicar (en miles de personas) una convocatoria de un año a otro, pero Maiden lo hizo, sentenciando, en 2009, que esta tierra es siembra y cosecha fecunda para la bestia.
2011: la costumbre y la pausa
Por fin el Estadio Nacional se dignaba a recibir a Iron Maiden. El 10 de abril se desarrolló este concierto que sería foco de las grabaciones para un futuro DVD. El poder llegar al coliseo deportivo más grande del país motivó a titular esa producción audiovisual como “En Vivo: Live at Estadio Nacional”, un verdadero regalo para nosotros y señal de que esta relación estaba basada en la mutua admiración y que todos los tropezones del inicio habían quedado en el pasado. El show traía su nuevo álbum “The Final Frontier” y fueron teloneados por Kingdom of Hate y Exodus. El setlist fue interesante pero no el mejor que han seleccionado, pues al inicio hubo muchos temas del disco nuevo y eso enfrió un poco el ambiente. Además, el público estaba algo desconectado, quizás más acostumbrado ya a los espectáculos de este nivel y, también, porque la lejanía de la galería del estadio con el escenario era algo nuevo, y muchos no quedaron conformes con no poder ver más cerca la acción.
2013: pasando a otra etapa
Un público compuesto por distintas generaciones llegó al Estadio Nacional ese 2 de octubre para ver nuevamente a la bestia, ahora en el marco de la gira “Maiden England Tour”. Aquellos adolescentes de los ‘90 llegaban a este concierto desde sus trabajos, y muchos de ellos lo hacían acompañados de hermanos menores o pequeños hijos. En este gran tour, Maiden se hizo acompañar de los suecos Ghost, quienes salieron pasadas las 18 hrs a calentar el ambiente, para pasar, posteriormente, al poder brutal de Slayer; los norteamericanos entregaron su furia de manera potente, provocando que desde galería comenzara el éxodo hacia la cancha; mención aparte, el recuerdo que hicieron a Jeff Hanneman, quien había muerto solo unos meses antes. Iron Maiden salió a escena puntualmente y desarrolló su actuación con mucha pirotecnia y complementando con la aparición de Eddie, en diferentes formas. Cerca de 50 mil personas corearon las canciones, pero la diferencia de este show radicó en que la banda ya era traspasada o “heredada” a otra generación, una más joven que se hizo presente, seguramente por primera vez, para iniciar su propia relación con la banda inglesa.
2016: arte y magia
“The Book of Souls” fue la invitación que convocó, otra vez, a 50 mil personas al Estadio Nacional la noche del viernes 11 de marzo. Tras la actuación de The Raven Age, fue Anthrax la que partió el deleite a punta de su thrash sin dobles tintas. “Speed of Light”, la clásica “Children of the Damned”, “Tears of a Clown”, “The Red and the Back”, la majestuosidad de “The Trooper” y “Powerslave”, más otros clásicos coreados a todo pulmón, dieron otra prueba de que aunque pasen muchos años y aunque la banda ya sea adulta y longeva, son héroes de la New Wave of British Heavy Metal y nos traen esa cuota de rebeldía y poesía cada vez que nos vienen a visitar. Por todos pasa el tiempo, pero solo con Maiden cada éxito de ayer gana en frescura. Fue un show excelente, impecable, y que dejó la vara muy arriba para los dos shows confirmados para octubre.
1996, 2001, 2004, 2008, 2009, 2011, 2013, 2016 y ahora 2019 con dos fechas agotadas, otro récord que se anota Iron Maiden en esta relación de amor, admiración e intensidad que, seguramente, ellos tienen con nuestro país y con ningún otro de esta forma. Para nosotros, ellos son embajadores irremplazables de este estilo musical, de ahí esta mágica locura que tiene su base en el rico metal que han desarrollado, pero cuyo espíritu habla de mística, una que en Chile es recogida con fervor y logra que los ingleses quieran siempre volver. Amada doncella, estamos a tus pies.
