Un primer semestre bien productivo necesitaba una buena lista de discos. Han sido unos primeros seis meses donde la música ha vuelto a la vida con todo a los shows en vivo y donde aun está lleno de producciones propagadas en la era post pandemia, algunas que guardan mucha introspección, creatividad, algo de ansiedad, y por supuesto, ganas de decir cosas y echar afuera sensibilidades, fuerza y mensajes.  

De esperados regresos como Arcade Fire, Fontaines DC, Porcupine Tree, Placebo o Alexisonfire, a las nuevas creaciones de artistas como Soul Glo, Horsegirl, Wet Leg, Perfume Genius y más. Algunas de ellas debutando en la industria con el pie derecho. La invitación que hacemos como equipo es a escuchar, descubrir y opinar sobre la extraordinaria variedad y calidad de la oferta musical cada vez más contundente. 

Elegimos nuestros 25, ¿Cuáles son los tuyos?  

Arcade Fire-WE

En un duro momento de pandemia surgió la inspiración para la creación de “WE”, por la pareja Butler/ Chassagne.  El álbum es muy reflexivo y sin duda captura la esencia de Arcade Fire en sus más de 20 años de carrera. Este disco encarna la polarización de dos visiones de mundo actuales que se contraponen: la idea de un “I” (Yo) que contiene en su lado negativo el egoísmo, la ansiedad y la angustia en oposición al “WE” (nosotros) donde se encuentra el poder de lo colectivo, el amor y la consciencia.  Es un álbum conceptual pensado en saga, “I” contiene: “Age of anxiety I”, “Age of anxiety II (Rabbit Hole)” y “End of the empire I- IV” mientras que en “WE” nos encontramos con “The lightning I, II”, “Unconditional I (Lookout Kid)”, “Unconditional II (Race and Religion)”- con Peter Gabriel, y por último “WE”, el track que le da el nombre a este increíble álbum lleno de melodías épicas y contenido existencialista.

The Smile: A Light for Attracting Attention

Es uno de los grandes álbumes del año, A Light for Attracting Attention es más que un lanzamiento de otro proyecto paralelo de Radiohead. The Smile: Thom Yorke y Jonny Greenwood manipulando la voz, los teclados y las guitarras bajo la mano y los arreglos del productor de Radiohead Nigel Godrich, y sobre la batería sorprendentemente sencilla de Tom Skinner de Sons of Kemet. Un álbum que no solo se inspira en la agitación política y social de un mundo envenenado por COVID, sino también en el poeta británico del siglo XX Ted Hughes. Un disco con temas destacados como; You Will Never Work in Television, Pana-Vision, The Smoke, Free in the Knowledge, que mezclan sintetizadores, efectos electrónicos junto a ritmos funk flexibles, las ansiedades de encierro de Thom con fondos musicales inteligentes, que nunca oscurecen las canciones, le dan al álbum esa melancolía necesaria para atraer luz y se convierten en terapia para los músicos mientras tocan y nos hacen superar la claustrofobia por el encierro vivido.

 Jack White: Fear of the Dawn

Jack White es una persona que se podría describir como interesante en lo que al rock ‘n’ roll respecta, desde sus inicios con White Stripes ha mostrado una enigmática propuesta a nuevos sonidos lo cual lo ha llevado a importantes reconocimientos en torno a la música, por lo que hoy no sorprende que sea un gran influyente dentro de estilos tan variados que desprenden la intensidad del garage-rock fusionado con el blues, el folk, el country y el punk. Su nuevo álbum “Fear of the Dawn”, es un intenso bombardeo auditivo de rock de principio a fin y muy bien puede ser el mejor trabajo en solitario de Jack hasta el momento. Un álbum de 12 temas y de solo 40 minutos que cautiva rápidamente, con temas destacados como; Taking me back, Fear of the dawn y Hi-De-Ho (feat.Q-Tip) que contienen efectos vocales y de guitarra, desenfoque de género, voces en capas, órganos y sintetizadores, y letras líricas de gran temperamento musical. Tiene todas las características para convertirse en unos los mejores álbumes del año, destaca la madurez, experiencia y talento de Jack, un álbum que envuelve al oyente con la energía que mezcla sus variados estilos en un viaje vertiginoso de buen rock.

Fontaines DC-Skinty Fia 

Probablemente cuando hablamos de Fontaines DC pensamos automáticamente en la actual escena Post-Punk europa, con guitarras de potentes riffs, pedales y sintetizadores, una estética marcada por colores neutros y detalles minimalistas. Sin embargo, pensar particularmente en la sonoridad y propuesta creativa de la banda, es inevitable pensar de forma acrónica en el modo en que Fontaines DC reconstruye en su sonido actual, un vínculo temporal con el post punk de los 60. Skinty Fia es probablemente uno de los trabajos discrográficos mejores logrados a nivel técnico por parte del quinteto irlandés. La simpleza percutiva, en conjunto con un bajo que en práctica avanza y se profesionaliza, guitarras con delicada composición binaural, sumado a la agudeza narrativa y baritonal del alma de Fontaines DC, hacen de este LP una consolidación de la banda que, en la actualidad, se atreven a posicionar su identidad cultural y sentimiento de pertenencia como una postura política de vívida acción.

Wet Leg-Wet Leg 

Probablemente el post punk sea uno de los sonidos que no para de renovar, generar innovadoras propuestas, nuevas estéticas, instrumentalizaciones y conformaciones. La diversificación compositiva de este estilo es tan amplia, como disruptiva, siempre tratando de pregresar en un contexto en el que pareciese que todo está dicho y todo se repite. No obstante, ¿qué podría tener en común The Hinds, Gustav y Wet Leg?… simple: LA FUERZA DE MUJERES TENSIONANDO EL TRADICIONALISMO DE LA HETERONOMÍA PATRIARCAL. La verdad es que pocos son los detalles que sabemos del dúo británico que se forma en el 2019, que comparte casa discográfica con Arctic Monkeys en Dominó Records, y que alcanza explosiva visibilidad el pasado año gracias a la viralización de «Chaise Longue«, donde demostraron que las construcciones creativas minimalistas también pueden ser hermosamente desconcertantes. El disco debut que lleva por nombre también “Wet Leg” parte con un artwork muy sencillo pero de aura interpretativa sumamente sorora, puesto que se captura un abrazo de Rhian Teasdale y Hester Chambers tan hermoso como artístico, una radiografía a corazón abierto de una amistad que nace en la universidad, pero que se aúna de buena manera la metáfora del sueño de dos mujeres que no temen comerse al mundo.

Spiritualized-Everything Was Beautiful 

Los bosquejos del noveno disco de Spiritualized fueron concebidos junto con las canciones que pasaron el corte final de “And nothing hurt”, su álbum de 2018, aunque el mismo Jason Pierce enfatiza que no se trata de un LP de descartes. Y hay que creerle, porque “Everything was beautiful” terminó convirtiéndose en una de las notas sobresalientes de su discografía. El veterano combo de space rock revival ofrece siete canciones muy bien escogidas, que incluyen todos los artilugios de su clásico sonido, poniéndolos al servicio de un disco más bien breve comparado con el promedio de su obra. Los puntos altos incluyen la grandilocuente obertura con ‘Always together with you’, que parte como una especie de relectura de ‘Ladies and gentlemen we are floating in space’ y termina explotando en un coro que es pura psicodelia Beatle. O los característicos coros góspel que se cuelan en ‘Best thing you never had’ y en el solemne cierre con ‘I’m coming home again’ (¿Habrá una banda de rock moderno que ocupe de mejor forma los coros góspel que Spiritualized?). “Everything was beautiful” es un sólido registro de rock psicodélico que va al hueso y, a diferencia de lo que suele ocurrir entre exponentes del género, evita cualquier momento de autocomplacencia. Otra vez, señoras y señores, estamos flotando en el espacio.

Calexico-El Mirador 

Entre tanta banda de indie rock estadounidense sonando aburridamente igual, la frescura de Calexico se agradece. Con doce discos en poco más de 25 años, la banda de Joey Burns y John Convertino se las arregla para seguir entusiasmando, aunque ya hace un rato que el resultado no era tan sobresaliente como en “El mirador”. El componente tex-mex siempre ha sido el gran elemento extra de la banda de Tucson, Arizona, pero esta vez el universo de sonidos latinoamericanos se expandió decididamente, con fuerte presencia de la cumbia al igual que de las letras en español, producto del mayor involucramiento del multiinstrumentista mexicano Sergio Mendoza. En cualquier caso, lo de Calexico no se trata de ejercicios de estilo, sino más bien de influencias, mixturas, ricas conversaciones musicales entre la herencia rock e indie del norte global, y las músicas de nuestra parte del mundo. Con todo, “El Mirador” clasifica holgadamente entre los mejores discos que ha hecho Calexico, y uno de los álbumes más imperdiblemente entretenidos del año.

Perfume Genius-Ugly Season 

El inicio no puede ser más inquietante. Algo así como una mezcla entre las sofocantes atmósferas de Hildur Guðnadóttir con el tránsito entre lo desagradable y lo bello de las jugarretas experimentales de Mike Patton en Fantomas. Las referencias a la música incidental no son antojadizas: “Ugly season” fue concebido como acompañamiento musical de “The sun still burns here”, una pieza de danza contemporánea de la coreógrafa Kate Wallich. El sexto álbum de Perfume Genius nos lleva en un viaje de 52 minutos por lugares incómodos, molestos y oscuros, y nos invita a encontrar belleza en esos rincones. Así, Mike Hadreas nos saca del habitual marco conceptual art pop al que nos tenía acostumbrados, y nos obliga a situarnos en una inquietante película de terror de trama no lineal, entre susurros algo terroríficos que se acercan y se alejan, incómodos juegos con el piano, y algunos momentos de pop rítmico y melodías más luminosas. Ubicándose como candidato serio a disco del año, “Ugly season” es un soberbio soundtrack que desafía los límites y jerarquías entre conceptos tan humanos como la belleza y la fealdad.

Beach House-Once Twice Melody 

Once Twice Melody resulta ser una experiencia hipnotizante, una quimera atemporal que surge del talento y capacidad creativa de dos músicos persistentes y totalmente conscientes de cuánto han logrado trabajando juntos. La producción del disco corrió por cuenta propia, siendo Alex Scally, el ingeniero de grabación (tarea que se llevó a cabo en su casa, principalmente). “Éramos solo Vic y yo, siendo yo el que grababa y editada (…) fue como un combate a muerte en una jaula de acero”. Contaría Scally para una entrevista dada a Pitchfork. De la mano de Alan Moulder en las mezclas (quien ha trabajado con bandas como My Bloody Valentine, Placebo, Suede, Depeche Mode, Elastica, Yeah Yeah Yeahs, y más), Beach House consigue nuevamente enriquecer su sonoridad inherente, aquella que los ha instaurado como una de las bandas indie más destacadas, vitales y sólidas de las dos últimas décadas.

Porridge Radio- Waterslide, Diving Board, Ladder to the Sky

Es un disco dramático y a propósito: Nada está del todo bien emocionalmente en Waterslide, Diving Board, Ladder to the Sky, ya sean las relaciones principales, la afinación de piano deliberadamente distorsionada de la deambulante «Jealousy», el bajo sintetizado saturado y la distorsión de guitarra dispareja pero abrasiva de «The Rip», o el catártico síntoma de tinnitus, que entra en la segunda mitad de «Rotten». Cuando el álbum se cierra con la canción de su título supuestamente en tono más sobrio, su guitarra acústica rasgueada y sintetizadores atmosféricos y trompetas subrayan letras resignadas de miedo a la muerte y que implican que no hay esperanza de un término medio más estable: «No, no quiero el final/Pero no quiero el principio/Todo el camino hasta el infierno/Y todo el camino hasta el cielo». Si bien es un disco que nos deja brillantes momentos musicales, es la lírica lo que llega a dejar todo eso en seguno plano. La banda británica con cada vez más certero paso, la fuerza de su vocalista y esos bellísimos coros que acompañan esta apología en búsqueda de la libertad emocional de todo, posicionan al álbum como uno de los más honestos y sólidos del año.

Kurt Vile-Watch My Movies 

Kurt Vile nos sorprende con su noveno álbum “(Watch My Moves)”. Se trata de un disco que mezcla el rock y el folk con otros más electrónicos de sintetizadores y guitarras procesadas. El disco tiene un modo lúdico y contemplativo al mismo tiempo, que hace que escucharlo sea una experiencia sensorial amena. Destacan “Flyin (Like a Fast Train)”, un homenaje a su padre y a la vez una oda a los trenes, el surrealismo de “Palace of OKV in Reverse”, la psicodelia de “Like Exploding Stones” y una potente versión de “Wages Of Sin” de Bruce Springsteen.

 

Zeal & Ardor- Zeal & Ardor 

 

Escuchar a Zeal & Ardor es una gran sorpresa ya que su sonido es de una versatilidad única, al ver sus portadas no se pensaría en ningún momento que es una mezcla de black metal con melodías de R&B entre otros sonidos. Su disco homónimo de este año ha cautivado a muchos, ya que trae algunas melodías vocales geniales en la totalidad del álbum. No solo eso, además de riffs pegadizos y maravillosos te tendrán completamente obsesionado con lo memorables que son. Se destacan temas como; Run, Death to the Holy, Church Burns y Gotterdammerung, al escuchar álbumes como este te das cuenta de la gran evolución y variados estilos que se pueden fusionar en el rock, en el metal y agregar otras vertientes al hacer música, discos así refrescan y nos dan a entender que rock hay para rato.

Big Thief- Dragon New Warm Mountain I Believe in You

Uno de los discos más luminosos del año. Y por partida doble. Guitarras folkie muy inspiradas que se entrelazan con la desgarradora y acongojada voz de Adrianne Lenker. Grabado en cuatro lugares de los EE. UU. en el transcurso de varios meses, este gran álbum nos devuelve las proezas de grandes del folk históricos (Dylan, Crosby, Stills, Nash & Young, The Byrds y porque no, la sutileza de exponentes contemporáneos como First Aid Kit) ya que ofrece una combinación caleidoscópica, belleza impactante, y hasta guiños de humor. En su esencia, el álbum parece destinado a convertirse en el favorito de un culto de fanáticos incondicionales. Lenker y compañía parecen conscientes de la necesidad de vivir para siempre y no dejar escapar el tiempo o contentarse con que este álbum es potencialmente atemporal.

 

Horsegirl- Versions of modern performance

Una serie de influencias musicales recorre el disco desde The Breeders en ‘Dirtbag Transformation (Still Dirty)’, los mismos Joy Division en ‘The Fall of Horsegirl’ (de sonoridad más oscura y algo más densa), e incluso Sonic Youth en la experimental y suave ‘Electrolocation 2’, o las más energéticas ‘Option 8’, y ‘World of Pots and Pans’, en las que se entrelazan con atmósferas del submundo noise rock. ‘The Guitar is Dead’, un breve track de escasos segundos, retrata la hermosura de lo efímero, mientras que ‘Homage to Birdnoculars’ y ‘Billy’, se encargan de cerrar el álbum con alta intensidad sonora.A pesar de que sus mismas integrantes han señalado en entrevistas, que la banda inicialmente se formó gracias a que compartían similares gustos musicales (como, por ejemplo, su fanatismo por Sonic Youth) existe en su sonido, características particulares que las distinguen de sus principales influencias. Con Versions Of Modern Performance, Horsegirl presenta material para que exploremos con detención, ya que de manera muy inteligente estas tres chicas logran abrir un portal que conecta con los años 80’s, 90’s y 2000’s. Tres décadas de inquietantes sonoridades, acopiadas por tres mujeres jóvenes, talentosas y capaces de crear música con plena consciencia de que tienen toda la libertad del mundo para ello. Horsegirl se abre espacio y si para ello deben experimentar una y otra vez o dejarse influenciar por elementos de otras agrupaciones, para transformarlos y absorberlos, es totalmente válido. Es parte del camino, que para ellas se presenta despejado y muy prometedor.  

Destroyer-LABYRINTHITIS

Una verdadera pieza de arte indie que funciona a modo de collage reviviendo sonidos de diferentes géneros. Tiene una vibra post punk y pop con guitarras etéreas y capas de instrumentos que se mueven en un mundo construido sintéticamente sin perder calidez. El álbum está compuesto por diez canciones que sorprenden por lo diferentes entre sí, que están rodeadas siempre por un halo de misterio. Destaca la belleza romántica de “It´s In Your Heart Now”, la rareza de “Tintoretto, It´s for You” y “Eat The Wine, Drink the Bread” con reminiscencias de Placebo en sus beats y la forma de cantar de Dan Bejar.

Placebo-Never Let Me Go 

Placebo regresa luego de casi diez años con la fuerza de su octavo álbum de estudio “Never Let Me Go”. En casi una hora se materializa una nueva visión musical. Se une perfectamente el sonido más crudo y clásico del grupo con la experimentación que apunta a algo más electrónico. El dúo Brian Molko y Stefan Olsda se nota más concentrado en el presente y futuro que anclados a su glorioso pasado de los noventa, otorgándole a este trabajo un interesante sello de riesgo y madurez. Hay cierta pena de lo que nos hemos convertido, la angustia propia de nuestra supervivencia, pero hay un dejo de optimismo y de conciencia social en lo que produjeron Molko y Stefan Olsdal en esta pasada, en la que quizá los notamos más maduros que nunca, haciendo reverencia al legado de su sonido, donde new wave, synth pop puro y duro y guitarras afiladas marchan en conjunto con uno de sus mejores regresos, quizá algo inesperado—desde los 2000′ a la fecha—. Mucho de esto por la variedad temática y estilística, por lo que la sensación de que Placebo está acá, de vuelta con nosotros, se respira con alivio y profundidad en cualquiera de sus tracks y todo hace sentido con el nombre del disco y la ambivalencia de la portada. Y no, no los dejaremos ir tan fácil.

Black Country, New Road- Ants From Up There

 

Algunos ya los comparan con ser los próximos Arcade Fire, BC,NR es una banda muy virtuosa formada en Londres que atraviesa el rock experimental, el post-punk y más con una naturaleza convincentemente inquieta. Hoy ya con su segundo álbum Ants From Up There logran marcar un nuevo sonido que los lleva hacia mecanismos jazzísticos y de indie-pop, dejando el post-punk como puntual insinuación al fondo del escenario. La interpretación del vocalista Isaac Wood ejerce como luz y firme guía para dirigir este nuevo indie suave, el cual lleva ese sonido al siguiente nivel. Es un álbum de casi una hora en el que destacan temas como; Chaos Space Marine, Concorde y The Place Where Here Inserted The Blade, la verdad es un álbum que no da más que la opción de rendirte con los brazos abiertos y dejar que la emoción te inunde como un rito de limpieza. En toda su incómoda, abatida y dolorosa muestra de angustia y melancolía reinante Ants From Up There tiene un destello que es profundamente conmovedor y te deja con la sensación de que el mañana apenas se cierne sobre el dolor, y esto es algo que no es fácil de comparar a cualquier otra obra musical. Álbumes como este sorprenden y te manifiestan que cuando la música se hace casi de una manera espiritual se merece absolutamente todos los elogios que ha recibido.

Bob Vylan-The Price of Life 

Una banda en pie firme y de guerra: Con letras que abordan la desigualdad de riqueza, el racismo y la clase para pintar un retrato vívidamente despectivo de Inglaterra, además de los efectos dañinos que la comida rápida/barata tiene en aquellos que no tienen más opción que comprarla.  Turn Off The Radio es un ataque creciente a la cultura dominante, GDP critica cómo los privilegiados prosperan mientras los que viven en la pobreza sufren, y Bait The Bear es una condena salvaje del imperialismo y el colonialismo. Guitarras chillonas y discordantes y una actitud enorme pasan a medida que el Brexit continúa causando estragos económicos y alimenta la ira del proyecto. Vylan se transforma en un potencial ente revolucionario y el disco tiene sonido de sobra para acompañar esta lucha y sus consignas. 

Body Type- Everything is dangerous but nothing’s surprising

Tal como Wet Leg en Inglaterra o Horsegirl en Estados Unidos, Body Type se encargó de despachar en Australia uno de los LP debut más incisivos del rock alternativo de la temporada. Con tres de sus cuatro integrantes turnándose en las voces, las oriundas de Sydney pueden darse el gusto de alternar estados de ánimo a lo largo del disco, haciendo gala por ratos del tono burlón de The Breeders (‘The brood’), el fraseo cansino de Courtney Barnett (‘A line’), o la actitud más desafiante de la PJ Harvey noventera (‘The charm’). El paralelismo con Wet Leg es absoluto en la entretenida ‘Flight path’, la cual -según confesó la guitarrista Sophie McComish recientemente a NME- incluye frases que “le robaron” a Nick Cave mientras lo escuchaban hablar en la mesa del lado con su esposa (“cos a vampire’s wife is waiting for me”) en un hotel en Los Angeles. Entre ruidosos riffs y ritmos postpunk, “Everything is dangerous but nothing’s surprising” dispara irónicas consignas feministas que parecieran no ser novedosas contra un mundo aún gobernado por hombres. Al final, solo se trata de recordarnos una y otra vez algo muy importante: ese mundo y sus gobernantes siguen siendo peligrosos.   

Ditz-The Great Regression

Una de las bandas que abraza un sonido, una idea, un verdadero regalo. Los ingleses de Ditz hacen música catartica y furiosa en un mundo en el que hay mucho por lo que enfadarse hoy en día. Desde su formación en 2016, el quinteto se ha armado con percusión y riffs de guitarra dentados contra un mundo que persigue la homosexualidad y normaliza el acoso. “Trabajos de mierda, atrapados dentro, sin esperanza, etc.”, explicó la banda en una entrevista reciente. “La gente olvida que es bastante divertido gritar muy fuerte”. Su debut de larga duración, The Great Regression, es una excavadora furiosa de juegos de palabras poéticos y hardcore experimental que huele y pule esa ira en un rock melódico fascinante. A lo largo de 10 pistas, Ditz lidia con cuerpos frágiles, los fracasos de una sociedad basada en la percepción y la fatiga sin sentido de la vida laboral.

Soul Glo-Diasphora Problems 

Diaspora Problems es un gran álbum, concebido como el debut del grupo que se abandera totalmente por sus causas y esta vez lo aprovecha militando en un gran sello discográfico como Epitaph: secciones de metales, vulgares demostraciones de poder contestatario, media docena de raperos y vocalistas invitados, y Will Yip en la mezcla y masterización. Técnicamente, es más accesible que los lanzamientos anteriores de Soul Glo, pero no deja de reverenciar a la escuela más sucia y desordenada del hardcore punk ochentero ( Bad Brains, Black Flag, Minor Threat) , pero traído al contexto 2022 con gritos desaforados, y muy sabrosas y venenosas rimas rap contra el sistema.

Belle & Sebastian-A Bit of Previous

Con A Bit of Previous, como su nombre lo refiere, Belle and Sebastian decide escarbar en sus grandes influencias y en sus propias composiciones musicales de antaño, para encontrar matices que refresquen su sonido. Un ejercicio que, les ha servido para mostrase revitalizados y full recargados. Sin un hilo conductor implícito que defina su marcha, se entregan a la experimentación y la búsqueda sonora para resituarse en la escena indie, que como bien sabemos, se encuentra bastante colmada de propuestas. Aun así, el panorama se muestra alentador para los oriundos de Glasgow (que ya tienen a cuestas una tremenda trayectoria) dejando entrever con esta nueva entrega, que la propia experiencia e incluso los recesos musicales, han sido sus mejores herramientas para reinventarse y fortalecerse como banda… y lo mejor, demostrar su total vigencia.  

Harry Styles-Harry’s House 

En Harry’s House, el placer y carisma es la propuesta estética. El álbum resume bien la perfección que elevó a Styles por encima de sus antiguos colegas de One Direction y lo convierte en uno de los actos en vivo más convincentes del pop de nuestros días. Sus sonidos, que se mueven a través de varias décadas históricas del funk, el folk, hasta el Tumblr-pop de 2010, son lo suficientemente amigables y familiares como para satisfacer la escucha pasiva, pero hábilmente ejecutados, con un exceso de estilo y fantasía que recompensa a un oído más activo. Los álbumes anteriores de Styles parecían preocupados por el deseo de demostrar gusto y legitimidad a través de un pastiche retro-rock, pero aquí usa sus influencias más a la ligera y marca un punto de avance, sin duda, que ya ha recibido su reconocimiento mundial. 

Porcupine Tree-Closure/Continuation 

Una línea de bajo funk anuncia el regreso de Porcupine Tree en ‘Harridan’, que da paso lujosamente a los teclados de rock espacial para guiarnos a través de las lineas melancólicas que siempre han estado en el ADN de la banda, pero eso solo es el inicio de un regreso con mayúsculas. El torbellino psicodélico de ‘Of The New Day’ da paso al desolado y futurista ‘Rat’s Return’, un brutal dedo acusador sobre tiranos y malhechores políticos y dictadores (incluyendo a Pinochet, con nada de orgullo, pero con todo el desprecio), reforzado por firmas de tiempo complicadas, potenciado con riffs avezados y melodías cautivantes. En tanto ‘Chimera’s Wreck’ nos da el espacio de ensueño, las guitarras afiladas y los síntomas de catarsis del prog de antaño, pero que fueron recopilados de una forma tan abrasiva en su etapa 2000’s. Por otro lado, ‘Dignity’ es una historia de marginación que actúa como un himno a lo más intenso, sutil y prolijo del prog de la historia, la guitarra es dolorosamente tan hermosa que toca en tu corazón y llega a un final eufórico. Es una ópera rock de más de ocho minutos de excepcional belleza. Quizá es el mejor track de la placa, pese a que ninguno de ellos baja la guardia. «Closure/Continuation» es un tesoro que nos trae de regreso a una de las mejores bandas del neo prog de los últimos 30 años de la forma más elegante y sin ningún elemento que nos dijera que la banda no conserva un sonido y una exquisitez en la producción brillantes. Porcupine está de vuelta y con el ojo puesto en tomarse los podios de lo mejor del año. 

Alexisonfire-Otherness 

Este es el mejor y nuevo momento de Alexisonfire desde la brillantez de su obra Crisis de 2006, y aunque Otherness toma un camino diferente musicalmente, aún mantiene su grandeza. Es la banda de todo un y está de regreso. Aunque está el poder estridente interior nato, hay momentos en que la ternura fluye, enfriando la tensión. Esta banda es una de las originales y una de las más respetadas en esta escena y su vugencia cobra relevancia hoy en día. Su música no se puede replicar, ya que está salpicada de un estilo inigualable. The Otherness en el sonido característico de la guitarra y los gritos desconcertantes, con Dallas Green además ofreciendo voces limpias. 

Playlist: