El español es una lengua romance que procede del latín hablado. El inglés es una lengua germánica occidental que surgió en los reinos anglosajones. Hace un par de años la Real Academia Española (RAE) causó noticia al incluir el vocablo espanglish -forma de hablar muy común de los latinos que viven en Estados Unidos- en sus ediciones debido a la presión de la Academia Norteamericana de la Lengua Española.
Dejando las formalidades, pero tomando en cuenta la mezcla de los idiomas, nos podemos centrar en que durante gran parte de la historia de la música, grandes baluartes del rock han hecho canciones que mezclaron el inglés con partes en español, algunas bien complicadas de descifrar y de describir como fue lo realizado por The Clash en “Should I Stay or Should I Go” o “Spanish Bombs”. Sin embargo, tenemos otros ejemplos de bandas que han sabido combinar muy bien ambas lenguas como Pixies en “Isla de encanta” o The Mars Volta con “L’Via L’Viaquez”.
En la siguiente lista, les dejamos varios ejemplos de bandas que incorporaron el español en canciones con gran parte de su lírica en inglés o de agrupaciones que se arriesgaron a realizar sencillos en español siendo su idioma madre la lengua inglesa.
The Ramones – Havanna Affair: “Baby baby make me loco / Baby baby make me mambo”
Kyuss – Rodeo: “Rodeo/Rodeo/Rodeooooo!!!”
Suicidal Tendencies – Su Casa es mi casa: “Su casa es mi casa, porque estoy muy loco”
U2 – Vertigo: “Uno, dos, tres, catorce!…Hello, hello (hola) / I’m at a place called Vertigo (¿dónde está?)”
A.F.I. – The Leaving Song Pt. 2: “Yo he estado aquí muchas veces antes y regreso”
The Clash- Spanish Bombs: “Spanish bombs, yo te quierro y finito / Yo te querda, oh mi corazón”
The Clash – Should I Stay or Should I Go: “Should I stay or should I go now? (yo me enfrió o lo soplo) / If I go there will be trouble (si me voy va a haber peligro)”
Coal Chamber – Loco: “Pull – steamroller rollin’ through my head said attached to loco”
Janes Adiction – Stop: “Señores y señoras / Nosotros tenemos más influencia con sus hijos que tú tiene / Pero los queremos / Creado y regado de Los Ángeles, ¡Juana’s adicción!”
Pixies – Isla de encanta: “Hermanita ven conmigo / Hermanita ven conmigo / Hay aviones cada hora”
Beck – Loser: “Soy un perdedor I’m a loser baby so why don’t you kill me?”
Jack White – Lazaretto: “Yo trabajo duro / Como en madera y eso / Como en madera y eso”
Tomahawk – Desastre natural: “Hoy es un día cuando un simple beso / resolvería todo, hacernos olvidar”
The Mars Volta – L’Via L’Viaquez: “L’Via / Hija de Miranda / Tu Apellido se cambió / L’Via Sin ojos me quieres dar/Una historia sin mi madre”
The OffSpting: Pretty Fly (For A White Guy): “Un, dos, tres, cuatro cinco cinco seis”
El 2015 pasado Jane’s Addiction le dio un regalo muy bonito a los fans del gran “Ritual de lo Habitual”, su emblemático disco de 1990 que cumplió 25 años, y para ello ahora han decidido editar un DVD que saldrá a la venta el 4 de agosto, en el que presenta su show del álbum completo en Irvine, en el Irvine Meadows Amphitheater, con 20 cámaras UltraHD empleadas para documentar el concierto.
La película llega alrededor de dos años después de dicho show y dura cerca de 90 minutos en los que presenta todo el álbum “Ritual de lo Habitual”, así como otros cortes de su discografía, todos mezclados con técnicas de sonido 5.1. “Ritual de lo Habitual Live” 25 años estará disponible en varios formatos, incluyendo Blu-ray, CD y vinilo.
“En la preparación para la gira, tuve que volver a aprender un poco del álbum”, dijo el guitarrista Dave Navarro a Billboard. “Fue inspirador deshacer algunas de las reglas que se han acostumbrado en nuestros últimos años y volver a estar en contacto con un enfoque más expansivo y poco ortodoxo. Continuar en esta mentalidad hizo una gira de celebración especialmente extra y nos dimos cuenta que fuimos extrañamente capaces de convertirnos en nuestra propia inspiración … Los estudiantes enseñando a los maestros”, dijo.
Acá el trailer:
Perry Farrell tiene varios motivos para celebrar y los aprovechará como corresponde: este año se cumplen 25 años del festival Lollapalooza, una de sus grandes creaciones, un festival pionero en cuanto a diversidad y magnitud y que se expande año a año, y donde confirmó su participación con Jane’s Addiction, pero también aprovechará para darle curso a la celebración pendiente de los 25 años del“Ritual de lo Habitual”, el gran disco de la banda de 1990.
Titulado “Sterling Spoon Anniversary Tour”, la mini gira contará con dos apoyos importantes: Living Colour y Dinosaur Jr., otras dos grandes bandas que crecieron a la par con Jane’s durante la década de los noventa. El show contempla hacer una revisión de su catálogo completo dando principal énfasis al disco “Ritual de lo Habitual”.
Las fechas del tour se han agendado durante julio y culminarán con la presentación de Jane’s Addiction en el Lollapalooza Chicago el 30 de julio. Para el mini tour en dos de ellas no estarán presentes los Living Colour, acá el agendamiento:
7/15 — Brooklyn, N.Y. — Coney Island Amphitheater (sin Living Colour) 7/16 — Asbury Park, N.J. — Stone Pony Summerstage (sin Living Colour) 7/19 — Boston, Mass. — Blue Hills Bank Pavilion 7/20 — Philadelphia, Pa. — Fillmore 7/24 — Sterling Heights, Mich. — Freedom Hill Amphitheatre 7/23 — Cleveland, Ohio — Jacobs Pavilion at Nautica
Seguimos con este ciclo para recordar los discos debut que refrescaron la escena gracias a un nuevo estilo, un nuevo mensaje, una propuesta nueva y muchos de esos casos totalmente determinantes en la historia. Te recordamos aquíla lista que publicamos la semana pasada, y ahora seguimos con otros nombres fundamentales.
A Perfect Circle- Mer de Noms
Maynard James Keenan era muy conocido por su trabajo en Tool, hasta que decidió explorar su lado más melódico en un proyecto alternativo, llamado A Perfect Circle, y que nos tapó la boca a todos con su primer álbum titulado “Mer de Noms”; resultó ser una propuesta muy bella, adornada de una glamorosa instrumentación y una lírica intensa de Keenan cimentada en temazos como “3 Libras”, “Judith”, “The Hollow” y la genial “Renholder”, las que hacen de este debut una profunda muestra de talento, no sólo de Keenan, sino también de Josh Freese. El disco lo estuvimos comentando a fondo hace un tiempo.
Living Colour- Vivid
Golpearon la escena del rock duro en 1988 con este disco contundente muy bien equilibrado entre metal, funk, jazz y hip-hop. La majestuosa “Cult of Personality” fue el as de triunfo que los llevó a ser considerados toda una revelación dentro del hard rock, incluso el propio Mick Jagger quedó sumamente impresionado siendo el productor de dos temas, uno de ellos el radiable “Glamour Boys”. Siempre conectados con el público, logrando premios y reconocimientos, este álbum grafica una fusión de estilos sobresaliente.
The Doors- The Doors
Este debut fue casi una grabación en directo, limpia, sin trucos de estudio. El salvajismo y sensualidad de “Break on through (to the other side)”, el enigma y magia de “The Crystal Ship” y el riff de otra galaxia de “Twentieth Century Fox” le mostraban al mundo la poesía llevada al rock en una propuesta que trascendería generaciones. Puedes leer más de este genial discoaquí
Nirvana-Bleach
Aunque fueron la voz de una generación entera, tallando un nicho para un sonido propio, la pista más popular de “Bleach” fue un tema bastante pop como “About a Girl”. Pero esa propuesta única, que explotaría al mundo dos años más tarde, igual estaba presente en “Negative Creep”, “Love Buzz” y “Floyd the Barber” como pistas que encausarían el estilo, el que fue definido por algunos críticos como muy primitivo en este primer intento, pero que daba las primeras señales de algo que en ese momento no se podía comprender. A la luz de los acontecimientos que vinieron después, “Bleach” es una escucha obligada para todo el que quiere entender la fuerza de un mensaje nuevo para una juventud llena de ira y desesperanza
Alice in Chains- Facelift
Podríamos decir que este disco es un buen precursor de “Nevermind” por su oscura armonización, lo que le dio un sello a esta banda. Bastante ya elogiamos este disco en Nación Rock y puedes leerloaquí , asique sólo vale disfrutarlo y recordarlo como un espectacular debut.
Linkin Park-Hybrid Theory
Cuando explotó la locura del llamado nu metal, esta banda ya sabía mezclar perfectamente el rap de Mike Shinoda con los gritos primarios de Chester Bennington, lo que quedó plasmado como una cachetada en “Hybrid Theory”. El éxito llegó rápido con la buenísima “One Step Closer”, seguida por la ganadora del Grammy “Crawling”; el ritmo de “Papercut” y el medio tiempo de “In the End” le dieron la categoría de favorito a este disco lleno de locura y desenfado característico del movimiento.
Aerosmith-Aerosmith
Definieron el hard rock de los ’70 y gozan del respeto de toda la escena musical. Pero este disco debut es otra muestra de que el prestigio muchas veces no se gana a la primera, se va granjeando con los años. “Mama Kin” se convirtió en un favorito en vivo, los clásicos “Dream On” y “Make It” contenían una esencia que los ayudaría a ganarse un espacio y serían un excelente primer empujón. No olvidamos temazos como “Movin Out” y “Walkin the Dog”, los que terminan por convertir a este disco debut en un imprescindible.
Jane’s Addiction-Nothing’s Shocking
No había quien tuviera la entrega sonora de Jane’s Addiction, esto caracterizado en la voz de Perry Farrell y la fiereza de la guitarra de Dave Navarro, sin olvidar que el baterista Stephen Perkins y el bajista Eric Avery componen una de las más innovadoras secciones rítmicas del rock. Los tracks fundamentales del disco, como “Mountain Song”, “Had a dad” y “Up the Beach” les otorgaron un gran número de fans muy bien ganados.
Black Sabbath- Black Sabbath
Qué iban a saber que en febrero de 1970 estaban dándole la primera forma a un estilo que sería fuente de nueva vida para el rock, y por muchos años. Ozzy, Tomy, Geezer y Bill fueron los jóvenes encargados de poner en el circuito la palabra “oscuridad” asociada a un sonido y a una lírica totalmente revolucionaria para la época. Consiguieron éxito inmediato en su Inglaterra natal gracias a tracks como “Black Sabbath”, “N.I.B” y “The Wizard” los que fueron la columna vertebral para lo que después el mundo conocería como heavy metal y stoner rock.
Rage Against the Machine-Rage Against the Machine
Mientras el grunge era la gran voz para los jóvenes en 1992, cuatro chicos rockeros andaban por las calles poniéndole a sus letras convicciones políticas, su actitud y algunos guiños asesinos para darle forma a un sonido que no estaba siendo atendido por la industria. Desde la primera vez que escuchamos el gruñido majestuoso de Zach de la Rocha y la guitarra genial de Tom Morello en “Freedom” supimos que las cosas no iban a seguir su curso normal, que algo estaba cambiando y había llegado para quedarse. Eso era Rage Against the Machine. La banda alimentó su camino de revolución musical a través de cortes apasionados como la épica “Killing in the Name”,”Bullet in the Head”, “Bombtrack” y “Know Your Enemy”, haciendo que este debut se convirtiera en un clásico instantáneo. Más del disco acá.
Uno de sus temas símbolo, y que justamente ha sido versionado por muchos artistas, es “Sympathy for the Devil”, lanzado en 1968. Fue compuesto por Mick Jagger basándose en la literatura francesa, de la cual era muy fanático por esos años. Jimmy Miller estuvo en la producción y se lanzó como pista del álbum “Beggars Banquet”. Como todo en los inicios de los Stones, el tema levantó una tremenda polvareda. En la letra, Jagger interpreta a un misterioso personaje sin nombre, que reclama ser la principal fuerza detrás de todos los actos de maldad que han tenido lugar en el mundo. Musicalmente hablando, es una tremenda pieza. No solamente por la mezcla instrumental sino porque no es la típica canción de rock, donde las protagonistas son las guitarras y los ritmos de cuatro tiempos. Acá se fue más allá y tenemos presencia de samba, harta percusión, lo que da a la imaginación el paraje de una selva.
La voz de Jagger se vuelve un grito, el sonido se hace muy tribal en cada estrofa y da la impresión de estar presenciando una típica ceremonia o ritual hindú. El bajo aparece junto a la percusión. Destaca el trabajo de Keith Richards junto con el de la batería, la que juega un papel preponderante debido a la estructura del tema, cuya idea principal es llevarnos a la representación de un ritual tribal. Hay acordes discretos de un piano, que se escucha muy suave, siguiendo el ritmo templado de la pieza; sin embargo, cuando el bajo vuelve a tomar protagonismo, aumenta su velocidad conectándose con la percusión, que a estas alturas es de total agitamiento. La voz de Jagger va tornándose más agresiva. Hacia el final, la voz principal vuelve a la normalidad para cerrar con la última estrofa, acompañado de un extenso compás de bajo, percusión, guitarra, coros y piano. La voz de Mick se enfrenta a la guitarra de Keith, haciendo un eco. La canción estuvo varios años sin ser tocada por la banda debido a un accidente, con resultado fatal, ocurrido en un concierto en California en 1969.
En sí es un tema rabioso, que derrocha energía, mezclado con una gran cantidad de capas musicales. La instrumentalización es de gran nivel. Por esto, la crítica musical la considera como una creación elogiable, como una de las mejores grabaciones de la banda. En el año 2004, la revista Rolling Stone la incluyó en el puesto n°32 en su lista de “Las 500 canciones más grandes de la historia”. Nada mal.
Hay dos covers del tema que son dignos de mencionar. El de GN’R y el de Jane’s Addiction. En este último nos queremos detener pues nos parece un muy buen ejemplo de cómo dar vuelta un tema, convertirlo completamente en otra cosa, en otra propuesta. Los “inventores” del rock alternativo, los que llegaron a desestabilizar la industria y que se adelantaron a toda la revolución cultural de los ‘90, hicieron un tremendo cover para su disco en directo de 1987. El tema había sido tocado muchas veces por la banda, pero alcanzó más notoriedad cuando los californianos hicieron una alianza con la poderosa serie de motoqueros “Sons of Anarchy”, y el tema fue incluido como final de temporada el año 2012. Esto obligó a una revisión del tema en función de la serie, que tenía características muy especiales y muy norteamericanas, lográndose un producto ad hoc a los protagonistas y a la línea argumental.
Hay mucho rasgueo, guitarreo puro del medio oeste que te traslada a una carretera sin nada más que el viento en contra. La batería entra a acompañar este rasgueo y acelera el ritmo, mientras la voz de Perry Farrell se mantiene calmada pero subiendo el decibel hacia el estribillo. El riff del medio es muy cuidado y plenamente aplicado a la serie SOA. Son dos versiones de un tema diametralmente opuestas. Una es puro desgarro, percusión, ritmo, y la otra es pausada, más lineal, como si hubiera sido pensada para el grupo de motoqueros. Haciendo la comparación, evidentemente la versión de los Stones es más trabajada y virtuosa, pero muchos se quedan con la propuesta de Jane’s Addiction por la transformación que hicieron del tema original, lo que también es algo provisto de mérito.
Primero que todo decir que este disco de Jane’s Addiction no deja de ser en gran cantidad parte de la personalidad de su vocalista y líder Perry Farrell, a quien siempre le ha encantado exponer su vida en letras, y claros ejemplos de aquello quedan registrados, noches de bohemia, aventuras junkies, el asunto espiritual y mucho sexo replegado en toda su esencia, el claro ritual de lo habitual para él, sobre todo en esos años de locura.
Es un disco disperso, pero que en conjunto enamora, está esta parte lúdica, riffera, rockera de sus primeros tracks y está ese factor algo onírico, nostálgico, romántico y certero que componen las baladas y la especie de trilogía final.
Fue el destape de la banda, que ya había dejado muchas cosas interesantes en aviso con el gran “Nothing Shocking” de 1988, pero acá hubo una solidez que arrancó desde el arte, las intros freakys, y un poderío en sus guitarras gentileza del soberbio Dave Navarro que iban a dejarlo estampado como un referente claro del rock alternativo de los 90’s, y de paso dejar notar al mainstream la capacidad furiosa de su estilo para tocar del gran guitarrista.
Stop
Quizá lo mejor de hacer este tipo de especiales es aclarar dudas eternas como el que de donde diantres salió esa intro en español “señores y señoras/nosotros tenemos más influencia con sus hijos que tu tiene/pero los queremos…creado y regado de Los Angeles: Juana’s Adicción!” algo que suene incomprensiblemente cool y aun no está del todo claro, pero sí podemos descifrar que en el disco aparecen las primeras líneas en el poema “To the Mosquitoes” escrito por Farrell, quizá esta intro conquistó corazones latinos pese a su pésima traducción y pronunciación, antesala curiosa para un bombazo para partir el disco.
Hay un afán ritualesco en el disco, la mística de Farrell impuesta y rodeado de guiños a seres queridos, como a Xiola Bleu, su amiga heroinómana fallecida por sobredosis en el tema “… Then she did”, y a su madre fallecida por suicidio cuando Perry era muy niño. El porqué de las imágenes de santería en torno a este trío sexual explican y revelan también lo que es claramente la más compleja y genial composición de este disco: “Three Days”, donde Farrell narra muy bien su fin de semana interminable de sexo y drogas junto a sus dos amigas, cosa que realmente pasó, acentuado con interminables viajes en un tema progresivo, largo y extraño, que quedó plasmado como una genialidad de la banda para siempre.
Hay que decir que la formación se entendía de lujo, el bajo predominante de Eric Avery no quedaba eclipsado con las tremendas guitarras de Navarro, ni tampoco la furiosa batería de Stephen Perkins, estaba todo condimentado en justa medida. En el súperhit “Been Caught Stealing” se puede ejemplificar totalmente, un tema ondero, taquilla, funky y muy bien armado al mismo tiempo, líneas de bajo de temer. Aparte de ser una oda al robo hormiga, de lo adrenalínico que puede ser robar cualquier tontera en el supermercado.
Been Caught Stealing
Están “Obvious” y “Ain’t no Right” que plasmaban el mejor JA que pudimos tener históricamente: inteligente, suelto y desentendido del mundo, guiños al reggae en ambas para plantar una marcha que te hace estallar, sobretodo en la segunda, por lo demás, pueden ser temas de peso funk rock de primera, pero el espíritu hippie está por todos lados. Era una faceta distinta de los norteamericanos, y también distinta de todo lo escuchado hasta la fecha.
No tiene tema malo, cada una de sus canciones presenta cosas interesantes, claramente fue el disco que le dio el pase al mainstream a la banda y que de alguna manera influyó a todo lo que desarrollarían los Red Hot en los 90’s (es cosa de escuchar el gran “One Hot Minute” donde el propio Navarro participó) y darles ese crédito es casi tan valioso como el hecho de que han pasado más de 20 años y nos emociona tal como el primer día que lo escuchamos.
En una reciente entrevista con la revista Rolling Stone, el vocalista Perry Farrell habló de sus planes para grabar un nuevo álbum, el cual no seguiría exactamente las huellas del sonido de su pasado “The Great Escape Artist” (2011). Farrell dijo que le gustaría empezar a trabajar en el a principios de 2013, y dice: “Yo no he escrito mucho o he sido tan prolífico desde que empecé, desde cuando tenía como 20 años. Ha estado saliendo fantástico. Estoy súper emocionado.”
Sobre la decisión de distanciarse de la idea original de la secuela ideada para “The Great Escape Artist”, comentó: “Yo había pensado que sería una gran idea. Sin embargo, cambié de idea al pensar hacer el próximo disco. Ahora quiero comenzar de nuevo con un nuevo punto de vista “, y agregó que el disco “no causó una sensación bastante grande. Si lo hubiese hecho quizá lo hubiese continuado “.
Este próximo Quinto LP de la banda el cantante brevemente lo ha descrito como “una pesadilla, un cuento de hadas, todo mezclado en uno”, probablemente se puede esperar a finales de 2013.
Del mencionado “The Great Escape Artist”, el tema ‘Underground’:
Hasta el día de hoy ‘Jane Says’ es una de las canciones más aclamadas en los shows en vivo de Jane’s Addiction, su bella melodía acústica y la notable interpretación de Farrell juegan como las razones claves para su éxito. Pero además es una canción que tiene toda una historia detrás, relacionada con una chica, su pareja traficante y el abuso de las drogas.
Todo se remonta a los años ochenta cuando Jane’s recién estaba formándose y en un período que Perry Farrell buscaba asentarse en el medio de Hollywood en Los Angeles para tener mucho más cerca a sus compañeros, contactos y a la gente que más tarde lo ayudaría a emprender esta aventura junto a Jane’s Addiction.
Pero dejemos que el mismo Farrell comente acerca de Jane Bainter, ésta chica que conoció. Esto es un extracto de una entrevista que dio para la revista Blender en el 2006:
“Alrededor de 1984, alquilé una casa grande en Wilton, cerca de Hancock Park, justo en el corazón de todo lo bueno en Hollywood, pero todo el barrio parecía deteriorado. Engañé al arrendador diciéndole que era un decorador de interiores gay en lugar de un rockero punk , y una de mis vecinas de la casa era Jane, esta extraña belleza, que quedó atrapada en el mundo de las drogas y se enamoró de un traficante llamado Sergio. Jane era una intelectual y sabía cómo desenvolverse en la clase alta, incluso con una aguja y una cuchara encima de la mesa. No estoy seguro de si la canción quiera mitificar el barrio St. Andrew’s Place ya que no hay nada especial en él, pero yo creo que la vida glamour de alguna manera fue un gran momento, sin embargo. Cuando el propietario se enteró que no era un decorador de interiores gay, él vino detrás de mí con una pistola y me echó. “
El mentado Sergio derechamente queda como el malo de la película en toda esta historia, el tipo que se involucró con Jane para drenarla, tanto en cuanto a dignidad como en salud mental y física, muchas veces Farrell lo vio golpeándola y eso impactó claramente al cantante al momento de inspirarse a componer la canción, sobretodo considerando que Jane era una chica que tenía mundo y talento para otras cosas pero lamentablemente en este período la heroína le causó una adicción tremenda.
Demás está comentar que no tan sólo fue la inspiración para el tema, sino para el nombre de la banda, un día Farrell buscaba ponerle un nombre desesperadamente a la banda y saltó de la cama y dijo “Nos llamaremos Jane’s Addiction”.
De la chica lo último que se supo es que está completamente rehabilitada de las drogas a estas alturas y trabajando estable.
Curiosamente mucha gente entiende el significado de la letra como el de una chica prostituta y eso ella ha tratado de dejarlo claro varias veces, ella en ese tiempo tuvo serios problemas con las drogas pero jamás vendió su cuerpo por dinero.
Te dejamos entonces con la canción, por supuesto en vivo, uno de los grandes momentos de sus conciertos:
