Hermanita ven conmigo: 15 canciones de rock anglo mezcladas con frases y coros en español

El español es una lengua romance que procede del latín hablado. El inglés es una lengua germánica occidental que surgió en los reinos anglosajones. Hace un par de años la Real Academia Española (RAE) causó noticia al incluir el vocablo espanglish -forma de hablar muy común de los latinos que viven en Estados Unidos- en sus ediciones debido a la presión de la Academia Norteamericana de la Lengua Española.

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Dejando las formalidades, pero tomando en cuenta la mezcla de los idiomas, nos podemos centrar en que durante gran parte de la historia de la música, grandes baluartes del rock han hecho canciones que mezclaron el inglés con partes en español, algunas bien complicadas de descifrar y de describir como fue lo realizado por The Clash en “Should I Stay or Should I Go” o “Spanish Bombs”. Sin embargo, tenemos otros ejemplos de bandas que han sabido combinar muy bien ambas lenguas como Pixies en “Isla de encanta” o  The Mars Volta con “L’Via L’Viaquez”.

En la siguiente lista, les dejamos varios ejemplos de bandas que incorporaron el español en canciones con gran parte de su lírica en inglés o de agrupaciones que se arriesgaron a realizar sencillos en español siendo su idioma madre la lengua inglesa.

The Ramones – Havanna Affair:  “Baby baby make me loco / Baby baby make me mambo”

Kyuss – Rodeo: “Rodeo/Rodeo/Rodeooooo!!!”

Suicidal Tendencies  – Su Casa es mi casa: “Su casa es mi casa, porque estoy muy loco”

U2 – Vertigo: “Uno, dos, tres, catorce!…Hello, hello (hola) / I’m at a place called Vertigo (¿dónde está?)”

A.F.I. – The Leaving Song Pt. 2: “Yo he estado aquí muchas veces antes y regreso”

The Clash- Spanish Bombs: “Spanish bombs, yo te quierro y finito / Yo te querda, oh mi corazón”

The Clash – Should I Stay or Should I Go: “Should I stay or should I go now? (yo me enfrió o lo soplo) / If I go there will be trouble (si me voy va a haber peligro)”

Coal Chamber – Loco: “Pull – steamroller rollin’ through my head said attached to loco”

Janes Adiction – Stop: “Señores y señoras / Nosotros tenemos más influencia con sus hijos que tú tiene / Pero los queremos / Creado y regado de Los Ángeles, ¡Juana’s adicción!”

Pixies – Isla de encanta: “Hermanita ven conmigo / Hermanita ven conmigo / Hay aviones cada hora”

Beck – Loser:  “Soy un perdedor I’m a loser baby so why don’t you kill me?”

Jack White – Lazaretto: “Yo trabajo duro / Como en madera y eso / Como en madera y eso”

Tomahawk – Desastre natural: “Hoy es un día cuando un simple beso / resolvería todo, hacernos olvidar”

The Mars Volta – L’Via L’Viaquez: “L’Via / Hija de Miranda / Tu Apellido se cambió / L’Via Sin ojos me quieres dar/Una historia sin mi madre”

The OffSpting:  Pretty Fly (For A White Guy): “Un, dos, tres, cuatro cinco cinco seis”

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Disco Inmortal: U2- The Joshua Tree (1987)

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Según el Antiguo Testamento, Josué derribó la muralla de Jericó sólo usando el sonido de unos cuernos, los que podrían ser el equivalente a unas trompetas. Esa metáfora, la de la fuerza de la música, que muchas veces ha logrado hacer tambalear el orden social y político, es el mejor descriptor de la fuerza que inspiró un álbum melodramático, directo y repleto de sentimientos que lo volvieron universal. Nos referimos a “The Joshua Tree”, el disco editado en 1987 y que consiguió que los irlandeses Bono, Adam Clayton, The Edge y Larry Mullen Jr. pasaran de ser músicos a súper estrellas del rock.

¿Cómo corroboramos aquello?. Bueno, de muestra están las casi 30 millones de copias vendidas y el hecho de que el disco llegó al nº 1 en 22 países, sosteniéndose nueve semanas en el top de Billboard; también le aderezamos los Grammys y otros premios que obtuvo y que quedan de corolario, pero que se sienten pequeños comparado al poder rítmico y al mensaje universal -pero enraizado fuertemente a Estados Unidos- que contienen sus canciones. Para lograr tantos reconocimientos hay que trabajar duro, apoyarse en la experiencia de buenos productores y estar en el lugar y momento indicados; sin embargo, muchos casos han reunido todo eso y no lograron ser lo que fue y es “The Joshua Tree”, pues tras los acordes melódicos del poderoso álbum se escondía la necesidad de adoptar a América como una causa. “The Joshua Tree” fue el sucesor de “The Unforgettable Fire”, cuyo sonido es más estructurado y ambiental, muy de acuerdo al gusto europeo. ¿Qué cambió en 3 años?.
Para 1987, Bono estaba muy familiarizado con Bob Dylan, al cual admiraba no solamente por su capacidad retórica, sino como ésta calzaba a las maravillas en ritmos que le eran lejanos, como el blues, pero al cual se sentía cada vez más atraído. Entonces, para darle forma a “The Joshua Tree”, se conectó con la raíz más profunda del rock estadounidense.

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Todos hemos tarareado “Where the streets have no name” y ese flujo que lleva la guitarra eléctrica, justa y precisa para volverla una imprescindible. O qué decir de la influencia gospel que se respira en “I still haven’t found what I’m looking for”, o de la fuerza avasalladora de “With or without you”, cuya melodía bellísima acompaña la voz de Bono en un mensaje marcado por el desamor, estilo balada pop que inundaba las radios por entonces. Estos tres hitos abren el disco y sellaron su épica apoyándose en videoclips en tonos sepia, más artísticos y no tan ceñidos a un guion, mezclándose con la gente, con las razas y sintiendo sus energías desde la azotea de un edificio. Todos estos detalles permitieron que el álbum sacara a flote un valor muy enraizado en los músicos beat de los ’60. Hablamos de aquellos que abrazaban una causa y, con ella, distinguían al rock de un valor mucho más universal que el de la partitura de una determinada canción. Los U2 se la jugaban.

Además de los 3 himnos que abren “The Joshua Tree”, los irlandeses compusieron “Bullet the Blue Sky” cantándole a la intervención norteamericana en El Salvador, mientras que “Mothers of the Dissappeared” tuvo su origen en la organización Madres de Mayo, en Argentina, y en otras similares que nacieron en una etapa de horror latinoamericano. Nuestro continente sufría y Bono recibía los gritos de dolor que impulsaron su creatividad en versos que, rápidamente, le dieron popularidad a la banda más allá de Europa.

“Red Hill Mining Town” refleja el dolor en una hermosa canción que relata el drama, siempre presente y aunque pasen las décadas, del desempleo. “Running to Stand Still”, por su lado, abordaba la historia de una pareja dublinense de adictos a la heroína y versa sobre el impacto que esta realidad tenía en la Europa ochentera. Como vemos, hubo espacio para no olvidar la realidad de su continente, pero en el global, los once temas del disco huelen a Estados Unidos por cada lado que se le analice y la furia de “In God´s Country” es gran reflejo de ello. La armónica de “Trip Through Your Wires” es el elemento distintivo de esta canción de aire bluesero, muy norteamericano, con identidad, esa que se refuerza en “Exit”, un tema imponente gracias al bajo de Adam Clayton y la batería de Larry Mullen Jr.


“One Tree Hill” abraza al sur, si nos ponemos literales, pues menciona a nuestro Víctor Jara en su letra: “…una zona de fuego/donde los poetas hablan de su corazón y luego sangran por ello/ Jara cantó/ su canción fue un arma en las manos del amor/ sabes que su sangre aún llora desde la tierra.”
Con su comienzo melodioso y muy rítmico, entrega tintes de homenaje, con un aire alegre y un guitarreo maravilloso, elemento sustancial de este disco; en la mayoría de los temas, The Edge da una lección acerca de cómo aprovechar la guitarra a plenitud, por lo que sentó algunas bases que, hasta hoy, influencian a músicos de diversos estilos.

La relación amor-odio entre U2 y Estados Unidos atraviesa “The Joshua Tree”. Se escucha fuerte en “In God’s Country” y “Bullet The Blue Sky” y se percibe en “Red Hill Mining Town” o “Mother Of The Disappears”. Musicalmente, Brian Eno y Daniel Lanois decidieron que la experimentación de sonidos no podía prevalecer más que el golpe directo del mensaje de las canciones, por lo que su exquisita producción se la jugó por texturas sonoras más naturales. Fue en ese equilibrio de country y blues, que los irlandeses mostraron su fascinación con una América que les despertaba el sentimiento, la poesía, a través de la desolación de sus realidades, de sus incertidumbres, la que incluso se visualiza en la icónica portada en el desierto de Mojave. Fotografía en blanco y negro y mirada contraída, tal cual el velo de sus 11 canciones fuertes y temperamentales, basadas en la literatura norteamericana y en la realidad de nuestros países, firmando un pacto de denuncia política y social que ya es mito para América y un sello indeleble para U2.

Por Macarena Polanco G.

Revisa los detalles y valores de U2: The Joshua Tree Tour en Chile junto a Noel Gallagher

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Desde hace un par de meses que U2 emprendió su nueva gira, la cual llega llena de novedades, pues los irlandeses están celebrando los 30 años de “The Joshua Tree”, aclamado disco que trajo grandes himnos como como ‘With Or Without You’ o ‘Where The Streets Have No Name’ entre muchas otras canciones de corte más emocional, y que, totalmente confirmado por la productora DG Medios, vendrán a mostrar a Chile el 14 de octubre al Estadio Nacional.

Pero no llegan solos, pues tanto en México como en América del Sur, Noel Gallagher’s High Flying Birds han sido confirmados como invitados especiales para todas las fechas. Los tickets saldrán a la venta el próximo miércoles 14 de junio en Ciudad de México, el 15 de junio en Bogotá, Buenos Aires y Santiago y el viernes 16 en Sao Paulo. Habrá una pre-venta de prioridad exclusiva para los suscriptores de U2 en U2.com a partir del jueves 8 de junio (10am) hasta el sábado, 10 de junio (5pm) hora local.

La Preventa en Santiago, Chile comienza el próximo lunes 12 de junio a las 10am y será exclusiva para clientes Zona Entel con el código que se puede adquirir llamando al *110*952#

La venta general comienza el jueves 15 de junio a las 11:00 AM en www.superticket.cl y en los puntos de ventas establecidos.

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Eddie Vedder se unió a U2 en vivo para interpretar “Mothers of The Disappeared”

Si hay un personaje que se ha convertido en un favorito en compartir escenarios con grandes bandas y artistas ese es Eddie Vedder. El astro de Pearl Jam se unió esta vez a U2 para interpretar la emotiva “Mothers of the Disappeared” en el Centurylink Stadium de Seattle.

Pese a que el tema empezó con Bono cantando, el cantante de U2 no demoró en replicar: “¿Dónde está Eddie Vedder? El espíritu de Seattle, el espíritu de Chicago, el espíritu de América. ¿Dónde está Eddie?”, donde luego el cantante de PJ hizo su aparición. Después de un abrazo con Bono, Vedder se acercó al micrófono y cantó un verso de la canción. Pero eso no fue todo, pues los integrantes de Mumford y Sons, se unieron para cantar coros además.

U2 sigue celebrando el 30 aniversario de su aclamado álbum “The Joshua Tree”, es por eso que “Mothers of the Disappeared” se ha convertido en parte de su set, siendo un tema que no tocaban desde hace algún tiempo y que toca el tema de las madres de los detenidos desaparecidos tanto en Chile como en Argentina.

Acá el momento:

Cancionero Rock: “Mothers of the Disappeared”- U2 (1987)

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Queda clara la mirada introspectiva que clavó U2 en esa gran etapa de su carrera ochentera, antes del suceso y cambio de imagen de “Achtung Baby” y “Zooropa”, y donde trabajaron muy bien en las composiciones, creando todo un nuevo sonido junto al productor Daniel Lanois y The Edge con su tremendísimo aporte y sus muros de guitarras, algo que terminó por definirlos y marcando pauta para el rock con solapas atmosféricas, melancólicas y muy melódicas sobre sus hombros desarrollado después (Radiohead, Coldplay, Muse y demases).

Se nutrió de varios singles y muy aclamados (‘Where the Streets Have No Name’, ‘I Still Haven’t Found What I’m Looking For’, ‘With or Without You’), pero una de las canciones más significativas y de gran fibra emocional es “Mothers of The Disappeared”, un verdadero acierto y otro tema más del vasto cancionero de Bono en cuanto a insistir en las causas humanitarias, pues, diga lo que se diga de él, es claro que su afán de denunciar abusos a los DD.HH. mediante canciones y protestas ha estado siempre muy latente en lo de U2.

Esta canción tiene un nexo con Chile bastante presente. Primero, porque fue producto del encuentro entre Bono y René Castro, pintor que fue víctima de torturas y acoso por el régimen militar (Castro pasó dos años en un campo de concentración, después de lo cual fue exiliado) y luego de dicho encuentro trabajó con la banda en el arte de las escenografías del Love Comes to Town Tour, tras haberlos conocido en las giras de Amnistía Internacional, dado que retrataba con su arte el terrible momento que pasó Chile en plena dictadura. Cuando Castro y Bono intercambiaron ideas, el pintor chileno lo instó a conocer el mural de Mission District en San Francisco, donde retrataba no tan sólo el sufrimiento en Chile, sino que también el de Las Madres de la Plaza de Mayo, la tenaz lucha de las mujeres madres de los detenidos desaparecidos en otra de las infames dictaduras sudamericanas, como la de Jorge Videla en Argentina.

También está dedicada a las madres de las víctimas de El Salvador y Nicaragua, lugares por donde Bono viajó en la previa a la realización de este disco y se enteró-muy para su asombro- del montón de atrocidades allí cometidas en sus respectivas dictaduras.

Momento clave en vivo de esta canción fue cuando la interpretaron en medio del Pop Mart Tour, su primera presentación en Chile y cuando Bono exigió al general Pinochet que revelara el paradero-o donde se encontraban los restos más bien dicho- de los hijos de las madres de los DD.DD. En esa oportunidad, el momento se plasmó históricamente en la TV chilena en vivo y con las propias madres atrás con pancartas y hablando mencionando a sus familiares desaparecidos, en un momento que se tornó muy triste y emocionante.

Fue tan sólo otra de las esenciales canciones que compusieron este gran disco, con que U2 dejó claro su nivel de banda de estadio y aprovechándolo para protestar y denunciar estas causas de abusos a nivel mundial.

Por Patricio Avendaño R.

U2 anuncia gira de 30 aniversario de “The Joshua Tree” y nuevo álbum de estudio para 2017

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Este próximo Marzo de 2017 marcará el 30 aniversario del “The Joshua Tree”, aclamado disco de U2 que contuvo éxitos como ‘With Or Without You’, ‘When The Streets Have No Name’ y ‘I Still Haven’t Found What I’m Looking For’, entre otras y todo indica que Bono y la banda tienen la intención de celebrarlo en gran manera.

La banda emitió un mensaje de video de Navidad prometiendo “grandes planes para el próximo año”, incluyendo una serie de “shows muy especiales” conmemorando su quinto álbum de estudio y otras sorpresas.

Las fechas mismas aún no han sido anunciadas, pero fuentes dicen a Billboard que la banda llegará a los estadios estadounidenses informando específicamente de los planes para un par de fechas en el estadio MetLife de Nueva Jersey, así como una presentación en Bonnaroo el próximo mes de junio.

También en el anuncio de video, Bono confirmó que el sucesor y segunda parte de “Songs of Innocence”, “Songs of Experience”, finalmente llegará el próximo año.

Día de los Derechos Humanos: 10 grandes canciones de rock para celebrarlo y su historia

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Un 10 de diciembre de 1948 la Asamblea General de las Naciones Unidas declaró desde esa fecha y para siempre como especial para celebrar este día como oficial en todo el mundo, día que fue cuando se hizo la primera declaración Universal de los Derechos Humanos, aunque independiente de ello, desde esa fecha en más han seguido ocurriendo feroces atrocidades que han violado fuertemente los principios de éstos mismos en todo el mundo, algo con que luchamos constantemente día a día.

Claro está que el tema en Chile ha tomado connotación singular dado que es el mismo día de la muerte de Augusto Pinochet, dictador y uno de los más conocidos abusadores de DD.HH. sobre la faz de la tierra, principalmente en su régimen y tras el golpe militar en nuestro país.

Pero para suerte nuestra el rock cada cierto tiempo nos ha hecho recordar y hacer conciencia de ello, tocando diversos tópicos en torno a la defensa de los derechos humanos y denunciado a través de grandes canciones injusticias de toda índole: desde abuso de poderes, la tiranía, la segregación, acoso a inmigrantes, brutales apresamientos de líderes de nobles causas e historias paralelas que yacían en el subsuelo del secretismo para sacarlas a flote.

La verdad es que hay cientas: el rock ha sido una forma de expresión que ha llevado banderas de lucha en el tema y a propósito de ello es que se han creado grandes eventos como el Amnistía Internacional, histórico show que incluso sirvió de apertura cultural a los mega conciertos en muchas partes de Latinoamérica.

Es por eso, lo especial de este día, que hoy queremos celebrar y recordar 10 grandes canciones e historias en torno a mucha gente que ha sufrido injustamente. Esperamos la disfruten y feliz día de los DD.HH.


1) People Of The Sun- Rage Against The Machine

La verdad es que Rage Against The Machine tiene todo un recetario casi de cocina para demostrar cuan bien se elabora una canción de protesta y/o que defiende los DD.HH. En este caso elegimos una de muchas. Un tema que denuncia la segregación y reivindica los derechos de los pueblos indígenas de México y de los pobres, sobre todo luego de los funestos tratados de libre comercio producto de la crisis financiera mexicana. Los pueblos de Chiapas en cuestión, ya que en consecuencia, perderían los derechos sobre sus tierras y patrimonio histórico. El triunfo de RATM en torno a este tema fue que a debido a ello, la ardua lucha y una atención mediática, se lograra el triunfo de la revolución zapatista por esta causa.

2) Pisagua-Los Miserables

Un especial de canciones sobre DD.HH. sin tocar el tema de la dictadura en Chile sería casi ilógico. Los 17 funestos años de censura, abusos y estancamiento cultural tienen su lugar en muchas canciones no solo por artistas chilenos, sino que con muchas alrededor del planeta. Desde acá Los Miserables han basado toda su carrera en su rabia contra el dictador. ‘Pisagua’ es tan solo una de tantas que denuncia el temible lugar costero, uno de los principales campamentos de detención y ejecución de opositores políticos. La letra es triste y estremecedora y habla de un tema que representa a muchos, luego de encontrar los cuerpos enterrados, torturados y mutilados de las víctimas.

3) Hurricane-Bob Dylan

Este es otro gran prócer de la denuncia y las canciones de protesta fueron su punta de lanza en los sesenta principalmente. El tema está basado en la historia real del boxeador de color Rubin Carter, apodado Hurricane (huracán), que pasó en la cárcel 19 años acusado injustamente de tres asesinatos ocurridos en junio de 1966, en Paterson, Nueva Jersey (Interesante y recomendable es la película The Hurricane de 1999, de Norman Jewison).
El juicio, muy condicionado por la corrupción imperante en la corte local de Nueva Jersey, se desarrolló en la década de los 60 en Estados Unidos, una época en la que la intolerancia racial llegaba a extremos escandalosos y la mayoría de estos juicios terminaban por dar sentencia a favor del racismo y no de la justicia. Tras recibir el apoyo de importantes líderes de la comunidad negra, como el propio Muhammad Ali, Rubin Carter consiguió la libertad, finalmente, en 1985.

4) Desapariciones- Los Fabulosos Cadillacs

Bueno, primero hay que darle todo el crédito a Rubén Blades, quien es el verdadero autor de la canción, pero que los Cadillacs-que han sido voceros de denuncias y protestas de abuso a los DD.HH con grandes canciones de su historia-llevó un poco más al rock esta salsa que, viene a denunciar hechos ocurridos en Panamá, bajo las dictaduras tanto de Omar Torrijos (1968-1981) como de Manuel Antonio Noriega (1981-1989). “Adónde van los desaparecidos/busca en el agua y en los matorrales/y por qué es que desaparecen/porque no todos somos iguales”

5) Burning & Looting-Bob Marley

Parte del último álbum de Marley con los Wailers, un álbum muy político y que en esta ocasión llama derechamente a defenderse, a tomar las cosas de forma revolucionaria y confrontacional y a luchar contra el abuso de la policía, de la cual Marley tuvo que sufrir y luchó mucho en Jamaica. Más que un tema en que denunciaban, era un directo llamamiento a las armas y a la batalla contra el opresor.

6) Biko-Peter Gabriel

El mundo de la música y el rock también ha dedicado letras a los conflictos vividos en Sudáfrica. Peter Gabriel, uno de los símbolos de Amnistía Internacional hizo este tema en honor a Steven Biko, que libró tenaz lucha contra el apartheid, pero murió asesinado en 1977 por el gobierno sudafricano. Fue detenido sin acusación y se dijo que había muerto a causa de la huelga de hambre que había iniciado, pero la investigación llevada a cabo dictaminó que la causa de la muerte fue una lesión cerebral. A pesar de todo, el juicio posterior falló que no había responsabilidad criminal alguna por su muerte y el caso fue archivado.

7) Mothers of the Disappeared-U2

Pese a todo lo que se le ha criticado a Bono de ser muy amigo de los presidentes del mundo y que le ha gustado codearse con el mundo de las altas esferas de poder, hay que reconocer que una gran parte del cancionero de U2 ha sido para denunciar abusos de poder desde distintos tópicos y sucesos en el mundo. “Mother of The Disappeared” es un gran tema del esencial “The Joshua Tree” (1987) dedicado principalmente a las madres de los detenidos desaparecidos en Chile y Argentina, tema que nació después de haber conocido a René Castro, artista mural exiliado chileno. Un tema en que identificó a muchos, no solo a las madres chilenas o a las Madres de Plaza de Mayo en Argentina, sino también recaló profundo cuando por esos años pasó por Nicaragua y El Salvador y conoció madres que sufrieron similares circunstancias.

8) Streets of Philadelphia-Bruce Springsteen

Este tema no habla de dictaduras pero si habla de un abuso de derechos sociales y laborales. Es una fuerte crítica moral acerca de la intolerancia contra los homosexuales. Fue construida especialmente para la aclamada película “Philadelphia”, donde Tom Hanks interpretaba a un exitoso abogado que trabaja para un prestigioso bufete. Todo va bien hasta que sus jefes lo despiden tras enterarse de que es homosexual y ha contraído la enfermedad del SIDA. Recordemos que en plenos 90’s este tema continuaba siendo muy tabú en muchos aspectos. El film es la lucha contra una sociedad que no está preparada para abordar el tema, y lo enfrenta de forma injusta y poco solidaria.

9) El Fantasma de Canterville- Sui Generis/Porsuigeco

Bajo el título del célebre cuento de Oscar Wilde, “El Fantasma de Canterville” es un tema nacido en 1976 bajo la escritura de Charly García y la adaptación de Porsuigieco, la banda que compartiría con el gran cantautor argentino León Gieco. Polémica decimos ya que, en plena época de dictadura y reciente golpe militar, el tema que casi como camufladamente contiene alegres armonías, habla de cosas como “siempre fui un tonto que creyó en la legalidad” o “he muerto muchas veces acribillado en la ciudad” denunciando la matanza que se vivió para los que estaban contra el régimen, letras que tuvieron que ser cambiadas muchas veces debido a la censura imperante de esos terribles años en el país trasandino.

10) “P.L.U.C.K.” System Of A Down

Otra banda experta en reclamo de abusos a los DD.HH. ha sido siempre System Of A Down. Su propia experiencia por lo que pasó con sus antepasados armenios a los que prácticamente erradicaron de la faz de la tierra los turcos mediante brutales matanzas y asesinatos, algo que no ha sido reconocido por mucho tiempo históricamente y que ha sido su leit motiv para ser la banda que todos conocemos, una banda de protesta y de lucha contra los abusos. Son incontables las canciones que han compuesto en estos términos, pero una de las más claras es “P.L.U.C.K.” (Politically Lying, Unholy, Cowardly Killers), donde en el mismo arte del álbum indican la siguiente frase: “System of a Down quisiera dedicar esta canción a la memoria de 1,5 millones de víctimas del genocidio armenio perpetrado por el gobierno turco en 1915”

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Por Patricio Avendaño R.

Conciertos que hicieron historia: U2- “Live at Red Rocks: Under a Blood Red Sky” (1983)

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En el año 1981, los U2 estaban embarcados en su gira “Boy”, promocionando su álbum debut. Después de un concierto, en mayo, el promotor de conciertos Chuck Morris llevó a la banda al Red Rocks Amphitheatre, un anfiteatro natural ubicado entre los acantilados de arenisca, en las Montañas Rocosas, y fue allí donde el manager de U2, Paul McGuinness, decidió que los irlandeses tenían que tocar en ese lugar, dar un show legendario y dejarlo registrado en un directo. Las circunstancias y negociaciones se dieron. Toda Denver fue empapelada con afiches de fondo blanco y foto de los U2 bajo el título “Red Rocks Summer Of All Stars”.

El mal tiempo del día del show amenazó con cancelarlo todo. Los fans tuvieron que caminar a través de las montañas, bajo la lluvia, pero el concepto era que había que ir preparado para un momento épico en la historia del rock.

El show tuvo un adjetivo que lo resume todo: ejecución. Esta no era una banda más de tantas que proliferaban en Europa con sed de llegar al mercado gringo, acá había otra propuesta que, en 1983, recién daba sus primeros matices. Principalmente se tocaron canciones del disco “War” (1983), así como material de los dos primeros álbumes: “Boy” (1980) y “October” (1981). Todo partió con “Out of Control” y una buena y energizante conjunción de guitarras. Sigue “Surrender” y la energía de Bono, cuya voz suena a la de siempre, a la que escucharemos siempre arriba, por tantas décadas. Luego de conversar con la gente y darles la bienvenida, empieza la guitarra y la batería, con su perfecto equilibrio, para un tema que fue coreado por todos. “Seconds” tiene esa apertura tan particular y ese ritmo tan adecuado para seguir a las palmas en un concierto de U2. “Sunday Bloody Sunday” eleva todo al máximo. Su típica guitarra es acompañada de las palmas del público. La compenetración ya es total. La bandera toma protagonismo de la canción, mientras Bono hace corear al público. “October” y el piano. Bajando un poco las revoluciones, Bono eleva los tonos y pide aplausos para su voz, la que sólo es acompañada de las baquetas, hasta que explota con el bajo haciendo de las suyas en perfecta unión con el piano. Tiene un ritmo perfecto y en vivo le queda genial a la sensualidad de Bono. Puro hard rock y del bueno. “New Year’s Day” y ese ritmo contagioso, sensual, hipnótico. El bajo de Clayton llevando el ritmo, se mete en tus oídos y tu cabeza da vueltas. Gran tema y gran ejecución; supera a la versión de estudio.

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“I Threw a Brick Through a Window” tiene un sonido muy compenetrado y sigue la línea de los temas anteriores, con un super buen aplomo entre la batería y la guitarra, la que el mismo Bono se cuelga para hacer el cierre del tema y comenzar de inmediato, sin pausa, con el ritmo acelerado de “A Day Without Me”. “Gloria” sigue llevando las guitarras a estándares altos para la época, hard rock del puro y este es otro ejemplo de que la versión de estudio se hunde ante la propuesta ardiente de un rockero Edge a un altísimo nivel, dando las pausas y permitiendo la interacción con la gente.”Party Girl” tiene un buen inicio con suave rasgueo y la voz de Bono invitando, suavemente, a la fiesta, mientras se suma el tambor y un ritmo más pausado. Edge acompaña en los coros, en un tema muy bien estructurado. “O’Clock Tick Tock” sigue con la energía que el show ya hacía propia desde el inicio. La guitarra suena muy potente, hay buen ritmo y coros de un tema muy pegadizo; buen intermedio cuando sube a una fan a bailar al escenario, porque se llevan muy bien la batería y el rasgueo. “I Will Follow” repite la buena fórmula de guitarra-batería y Bono subiendo y bajando en el tono y haciendo la misma pausa en medio de la canción, dejándolo a él como protagonista.

“Twilight” y su guitarra que sube y sube en intensidad hasta hacernos entrar, a todos, en ritmo. Tema más calmado pero con un Bono protagonista debido a la sensualidad de su voz. La propuesta del tema destaca a cada integrante en lo suyo y nos ayuda a comprender el porqué del fenómeno U2 de finales de los ’80. “An cat Dubh” también da un respiro de hard rock y nos adentra a ritmos que la banda desarrollaría más claramente en sus afamados discos de mediados de los ’80. “Into the Heart” es mucho más sinuosa que las anteriores, invita a deleitarse con los cambios de ritmos, con el desplazamiento de la batería a sonidos más de platillos que de tambor. “Two Hearts Beat as One” es pura energía, muy buenas guitarras y Bono cantando sin cansancio, logrando muy buenos tonos. “The Electric Co.” es pura emoción, la que se transmite igual a través de un tema que parte con sólo el rasgueo de guitarra acompañando a Bono, quien se adueña de la bandera para sentenciar el estribillo. La batería no cesa. Es hora de volver con “40”. Este tema se mete con un bajo duro y va decantando en una tranquilidad hipnótica. Típica canción de estadio, muy bien hecha, con pasajes para que cada integrante se destaque, tenga su momento, y el público coree a todo pulmón, en una de las pocas intervenciones potentes de la fanaticada que estuvo ahí, esa congelada noche en Denver.

¿Por qué este show marcó a los irlandeses? Porque dejó de manifiesto la versatilidad y elasticidad del bajista Adam Clayton. Constantemente fue el creador de la atmósfera del show, la que permitió el excelente despliegue de The Edge. Además, es un show que muestra facetas del new wave que los marcaba pero que también, en un par de temas, mostraba los primeros tintes de la magia hard rock que veríamos potenciada en sus discos posteriores. El poder encantador de esta banda queda absolutamente manifiesta en un concierto como éste, con el cual el nombre de U2 se afianzaría rápido como uno de los mejores shows en vivo. El productor Jimmy Lovine rebajó la distorsión de guitarra y de la batería, sin sacrificar la gran energía rock que los caracterizaba. Las adversidades meteorológicas no apagaron al público y mucho menos a los U2, permitiendo una demostración de energía y cohesión, muy propios de una banda joven que sólo quería hacer historia. Este Live in Denver es pura mística, potencia, y un gran salto hacia el público norteamericano, hacia los mercados más mainstream, los que muy pronto los elevarían a la categoría rockstar, pero sin perder esencia de una banda creativa y perfectamente aceitada sobre el escenario.

Por Macarena Polanco G.