Cancionero Rock: “Girls And Boys”- Blur (1994)

Antes que todo darle play a este tema es un sentimiento de frescura. No importa que hayan pasado 25 años de su factura, es un tema que trasciende tanto que se disfruta tanto hoy como que invoca un halo nostálgico de ese “gran ayer”.

El vocalista y letrista Damon Albarn encontró su inspiración para la canción mientras estaba de vacaciones en Magaluf, en la isla española de Mallorca. “Para ser honesto, me encanta toda la idea, me encantan las manadas sexuales humanas”, recordó más tarde. “Todos estos tipos y todas estas chicas se reúnen en el abrevadero y luego follan a destajo. No hay ninguna moralidad involucrada, no estoy diciendo que deba o no suceder, simplemente pasa”.

Era un retrato irónico del glamour del sexo libre, pero también de la decadencia del mismo. Fue single del año por NME y la extinta Melody Maker en 1994 y fue un verdadero furor y hit radial . El productor Stephen Street recordó la historia de esta canción a NME: “Damon hizo un demo básico en casa. No me habían autorizado a grabar eso, pero Damon se la jugó y dijo: ‘Tenemos que Hacerlo.’ Usamos una caja de ritmos y la convertimos en una pista tipo disco de 120 bpm, y resultó realmente genial “.

Amor en los noventa
Es paranoico
En playas soleadas
Aprovecha tus posibilidades
Buscando
Chicas que son chicos
A quienes les gusta que los chicos sean chicas
¿Quién hace a los chicos como si fueran chicas?
¿Quién hace a las chicas como si fueran chicos?

El tema trasciende generaciones, tanto por su espíritu bailable eterno como por esas hipnotizantes guitarras y líneas de bajo que definieron el sonido ambigüo de Blur, transformando todo en una verdadera delicia discotequera que disfrutamos hasta nuestros días.

Una ampolleta, zancudos a su alrededor, y la cara bonita de Damon arrancaban el irónico video para un tema que representó a los noventa en radios y quedó clavado en la memoria de muchos.

Cancionero Rock: “I Wanna Be Your Boyfriend”- Ramones (1976)

Los Ramones en su gran debut de 1976 desataron una cantidad de himnos impresionantes. Es el disco esencial para entender el punk rock norteamericano en toda su esencia, con letras burdas, callejeras, irónicas y sucias, pero también, aunque no lo creamos, muy románticas. Siempre estuvo en el ADN de los neoyorquinos cantarle al amor, quizá por la ferviente devoción e influencia de sus integrantes a The Beatles o porque realmente estos chascones antisociales eran unos enamoradizos de marca mayor.

En aquel debut tenemos una gran canción de amor , no solo de ellos, sino que del rock todos los tiempos. ‘I Wanna Be Your Boyfriend’ destaca totalmente cuando hay que hacer listas de baladas de corte meloso y fue uno de los grandes aciertos de la banda, que nunca se quiso encasillar en la rudeza intrínseca del punk.

Hey, little girl, I want to be your boyfriend
Sweet little girl, I want to be your boyfriend
Uuu uuu uuu uuu-au
Because I want to be your boyfriend

No es una letra tan rebuscada, sino más bien que decir “quiero ser tu novio” insistentemente, quizás hablando desde la perspectiva de un tímido tipo que no se atreve a declararle el amor ala chica de sus sueños, pero que con esta canción “desahoga” tal sentimiento.  Fue otra de las contribuciones de Tommy Ramone (de las pocas pero contundentes que realizó), pero quien se roba la película claramente es Joey Ramone con una dulce y sublime interpretación vocal.

En la antología realizada por David Fricke, Tommy comentó acerca del tema:

“Escribí ‘I Wanna be Your Boyfriend’ porque teníamos todas estas otras canciones con ‘I Don’t Wanna’ – ‘I Don’t Wanna Walk Around With You,’ ‘I Don’t Wanna Go Down To The Basement.’ La única otra canción positiva que tuvimos fue ‘Now I Wanna Sniff Some Glue’.

Una cosa que todos teníamos en común era que estábamos frustrados. Escapamos de nuestra ira con humor. Mucho de eso vino de la sensibilidad de Dee Dee, esta sensibilidad de Dada que se comprimió en ‘Don’t wanna ”.

Para el propósito las guitarras punk de dos posturas no fueron tan fundamentales. Hubo algunos instrumentos inusuales utilizados en esta canción, incluyendo guitarras de 12 cuerdas, campanas tubulares y un glockenspiel interpretados por músicos de sesión externos. El resultado ha ido solo mejorando con los años, pues esta edulcorada balada de amor sirve para inspirarnos tal vez para declarar nuestro amor abiertamente o al menos quedarnos en nuestro rincón cantando a los cuatro vientos que esa chica/chico inalcanzable algún día podría ser nuestra(o).

Por Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Gouge Away”- Pixies (1989)

Es una de las más veneradas canciones no solo de “Doolittle”, disco elemental de los Pixies y para entender todo el rock alternativo, sino que de la historia del rock. La banda, la verdad, es que estaba mucho más que inspirada en la construcción de todo lo que significó “Dollittle”.

De corta letra pero donde expresan mucha alma, ha convertido esto en momento sagrado para los shows en vivo, gracias a la desgarradora forma de cantar de Frank Black y a esa marca de bajo entrañable de Kim Deal.

Esta canción, que tiene una doble lectura,  se refiere a la historia bíblica de Sansón, a quien sus enemigos sacaron los ojos y finalmente los mató a todos cuando fue encadenado a dos pilares en su fortaleza. Bajó los pilares, derribó el edificio y se mató a sí mismo y a sus enemigos, pero también posa su significado en las drogas, a la heroína y marihuana específicamente, y muchos lo consolidaron como un himno a ello.

Encadenado a los pilares
A 3 day party, I break the walls
Una fiesta de tres días, rompo las paredes
And kill us all with holy fingers
Y matarnos a todos con sus gloriosos dedos
Gouge away, you can gouge away
Picarte, tú puedes picarte
Stay all day if you want to
Quédate todo el día si tú quieres

El baterista de Pixes, David Lovering, le dijo a MusicRadar: “Es el ejemplo perfecto de una verdadera canción de los Pixies. Tiene el verso tranquilo y luego se hace todo lo desgarrador posible para el coro. La forma en que está estructurada, es de dos capas opuestas. Recuerdo cuando la grabamos ‘Pensé que era la cosa más convincente que hemos hecho’, dijo el batero.

Todo un clásico a 30 años de una de las obras más fundamentales del rock alternativo

 

Cancionero Rock: “Hunger Strike”- Temple Of The Dog (1991)

Todo lo que refleja este disco es sentimiento, porque nació a partir de la pérdida, la tristeza y oscuridad que causó la muerte de Andrew Wood de Mother Love Bone a causa de una sobredosis. Factores tan intrínsecos en la personalidad del grunge que para muchos esta placa lleva a material orgánico todo este espíritu melancólico concentrado. El álbum, que unió a miembros de Pearl Jam y Soundgarden en sus nacientes carreras, se ha transformado en una obra de culto del estilo, y qué duda cabe, más aún con la reciente pérdida de una de sus voces en que ha resucitado esta aura como si la historia se repitiera una y otra vez.

Hay datos bien interesantes: la banda grabó la canción el mismo día en que Vedder voló desde San Diego para reunirse con sus nuevos compañeros de banda en lo que se convertiría en Pearl Jam: ese 8 de octubre de 1990. Era la primera vez que se encontraba con algunos de sus nuevos compañeros (Vedder fue elegido como vocalista de PJ en base a una cinta que envió a la banda donde agregó voces a algunas de sus canciones, donde se inspiró en las letras surfeando). Este era además otro histórico momento de encuentro en un estudio.

Chris Cornell, por su parte, planeó cantar las partes altas y bajas del coro que reza “Going Hungry” por sí mismo con la ayuda de overdubs, pero estaba luchando con el registro bajo. En un momento decisivo, Vedder se acercó al micrófono y cantó las partes bajas del coro, lo que hizo que la canción se escuchara para Cornell. He ahí donde nace la magia, no tan solo del tema, sino para el descubrimiento de una de las grandes voces del rock y que en este tema tuvo su primera oportunidad para convencer de ello al mundo.

Con dos voces distintas, Cornell ahora pudo cantar las letras del verso al principio de la canción, y Vedder podría seguir con la misma letra, dándole un sonido diferente. Fue un momento enorme para el tema y para Eddie, ya que de alguna manera “se entrometió” en la canción de Cornell, pero sin parecer arrogante, y se ganó el respeto de sus nuevos compañeros de banda en el proceso. Fue la primera voz grabada de Vedder para un disco importante, y demostró a todos los que estaban en la sala que él entendía su sonido y estaba dispuesto a contribuir de la mejor manera que pudiera al propósito del disco.

El video de la canción fue filmado y dirigido por Paul Rachman en Discovery Park en Seattle. La vista de un atardecer, con la espalda de los miembros de la banda a la cámara frente a la isla de Bainbridge, hogar de Andrew Wood, fue un adiós simbólico para su gran amigo y el principal leit motiv de aquel gran disco.

Por Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Anesthetize”- Porcupine Tree (2007)

En los términos de música popular “suite” se le llama a una forma musical compuesta por distintos matices, movimientos y estilos en una sola armazón musical. Muchas canciones del progresivo estructuradas por piezas son denominadas así porque es la esencia de la soberbia forma de componer del estilo, aunque la reminiscencia de este término viene de las piezas clásicas del barroco de los maestros sinfónicos como Mozart, Bach o Beethoven,  como la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de “contraposición”, tomar una idea que represente distintos estados mentales.

Sin duda, es así como a esta canción de Porcupine Tree se le podría aplicar muy bien. Su belleza viajera y onírica contrasta con el peso de las guitarras y densidad cargando un drástico mensaje que está rociado de aburrimiento y crítica a lo cotidiano, las píldoras y los efectos hipnotizantes de una sociedad moderna de principios de milenio.

Steven Wilson escribió “Anesthetize”, junto con el resto del álbum “Fear of a Blank Planet”, durante febrero de 2006 en Tel Aviv y para ello tuvo una idea mucho más ambiciosa que todas sus formas y mecánicas experimentales space rock que estuvo haciendo en los inicios de la banda (que por cierto, fueron bastante complejas y dignas de repaso). La canción se puede dividir en tres secciones, y en el folleto del álbum, las marcas de asterisco separan las letras de cada una de las secciones. Estas secciones no se mencionan específicamente en el folleto, aunque ha sido el baterista Gavin Harrison quien reveló que la segunda parte se llama “The Pills I’m Taking” y más tarde el propio músico agregó en una entrevista que las partes primera y tercera se llaman “Anesthetize”” y “Surfer”, respectivamente.

Como los más cercanos a “Fear of A Blank Planet” sabrán, esta inmersa en todo un álbum conceptual sobre un niño/adolescente que no puede lidiar con el mundo moderno. Comenzando con una descripción de la vida, terminando con el posible suicidio o la entrega “a los brazos de Dios o una entidad divina” (“Sleep Together”).

“Anesthetize” es la gran obra maestra del disco. En la primera parte el adolescente describe la falta de sentido de su existencia. En el coro, primero comienza a caer en una depresión al darse cuenta de que en realidad es más un fantasma que un humano. Realmente no viviendo en este mundo, solo existiendo. Sin ningún sentido, sin atención de nadie. Pero justo cuando comienza con estos pensamientos, se detiene diciendo: “Cállate, sé feliz, deja de quejarte, por favor”. Trata de no dejar que estos pensamientos tomen la delantera.

A good impression of myself
Not much to conceal
I’m saying nothing
But I’m saying nothing revealed

I simply am not here
No way I should appear happy
Stop whining please

En la parte dos tenemos una descripción de la vida que tienes cuando detuviste exitosamente estos pensamientos. Una vida vacía y aburrida como consumidor. Sin nada que realmente puedas esperar, tu mente está apagada o dejada a la intemperie de la realidad que te quieren mostrar los medios y sociedad.

Only apathy from the pills in me
Its all in me, all in you
Electricity from the pills in me
Its all in me, all in you
Only eMpTV, cult philosophy

En la parte tres es donde cae toda la belleza poética de esta canción, aunque con un final tan ambiguo que es difícil interpretarlo

Primero es solo una imagen que él describe. Cómo se ve el mar y las olas. En combinación con la increíble música que apaga la marcha de toda ese mundanal ruido de antes, él está ahí para alejarse de la realidad. Tener algún espacio para soñar un poco. También puedes comparar este corto camino de las olas con su propia vida, tal vez es por eso que está sonriendo al sol. Un pequeño camino hacia la costa y todo ha terminado. No hay signos de dolor. La idea de que la muerte es lo que le pasa es inevitable.

Mientras hace esto, ve a su (primer) amor (tal vez aquel túnel del final de tu vida donde ves muchas imágenes en un segundo). Él solo la está mirando y se da cuenta de que ella no comparte este sentimiento con él cuando se está alejando. Es por eso que dice “is black across the sun”, el sol, la luz, la esperanza, pero que no llega, se le hace mezquina, se va diluyendo ese pequeño rayo tornando todo negro al final.

You were holding your hat in the breeze
Turning away from me in this moment
You were stolen as black across the sun

Hay mucha poesía y metáfora en ella, sobre todo en la última parte, es por eso que con los años se ha transformada más que en una “suite”, en una verdadera obra de arte de difícil interpretación. Los ingleses con esto se anotaron otra de las grandes canciones al estilo “Bohemian Rhapsody” que seguramente serán estudiadas más y más en el futuro, dejando para una eternidad los casi 18 minutos más notables de una canción en la historia del rock.

Por Patricio Avendaño R.

Cancionero Rock: “Be Quick or Be Dead”- Iron Maiden (1992)

Pese a que “Fear of The Dark” no es considerado la gran obra maestra de Iron Maiden, si nos regaló algunos clásicos para toda la vida, partiendo por el tema que da título al álbum, imprescindible en los shows en vivo, pero también a esta joya heavy metal speed que corre a mil por ahora y que fue el primer single del disco de 1992. Su sonido es clásico y asesino, te deja sin respiro alguno y tiene dardos directos hacia la corrupción, la avaricia y las ambiciones de poder de algunos personajes.

Be quick
Or be dead
Snake eyes in heaven
The thief
In your head
Be quick
Or be dead
Be quick
Or be dead

“Be Quik or Be Dead” se trata de algunos escándalos políticos y económicos ocurridos en el momento en Europa, incluido el colapso del banco BCCI. La portada del single muestra a la mascota de Iron Maiden, Eddie, agarrando a un político por el cuello muy parecido los poderosos de la época.

En ella se retrata el escándalo bancario de Robert Maxwell (el poderoso magnate británico fallecido en extrañas circunstancias y asociado a la red de espionaje Israelí Mossad), las caídas en el mercado de valores europeo y el caso del BCCI y su cara delictiva que fue mucho más descubierta con el paso de los años, sin ir más allá The Infiltrator es una película británica de 2016, protagonizada por Bryan Cranston donde se revela toda esta turbia historia de mafia, lavado de dinero y participación en los carteles de droga colombianos.

El single fue lanzado un mes antes del álbum y alcanzó el número 2 en la lista de singles del Reino Unido. La canción es el primer sencillo de la banda co-escrito por Janick Gers, quien ya en esos años empezaba a ser más partícipe en las composiciones de la doncella.

Cancionero Rock: “Don’t Go Away Mad (Just Go Away)” – Mötley Crüe (1989)

Con su quinto disco de estudio, Dr. Feelgood (1989), Mötley Crüe alcanzó por primera y única vez la posición #1 del ranking Billboard. Estaban en la cresta de la ola, y había que sacarle partido al buen material que tenían en las manos. Giraron como locos, dando conciertos con ese tour mundial, e inundaron con singles promocionales; que apenas dieron abasto en la parrilla programática de MTV.

El cuarto de ellos fue Don’t Go Away Mad; con una bajada de título, entre paréntesis, que decía Just Go Away. Con una apacible melodía, acompañada siempre de un dulce tono vocal; que para quien no esté prestando atención puede calificarla como una lenta, o incluso de power ballad. Pero lo cierto es que el tema va por otra línea: no te vayas enojada, sólo vete. “Básicamente es un ándate al demonio. Fue nuestro modo de hacer una canción estupenda, con algo de sarcasmo”, se refiere sobre ella Nikki Sixx.

El en videoclip, se muestra a Vince Neil viajando desde Nueva York, hacia Los Ángeles, para encontrarse con sus compañeros que lo están esperando. Termina con una pequeña toma de un ensayo; y es ese quizás el elemento más rescatable, sobre el cual ahonda el bajista: “Se filmó en una sala minúscula, sólo nosotros. Así es cómo veo a Mötley Crüe. Cuando pienso sobre cómo es estar en una banda, no pienso en jets, estadios o arenas; pienso en una pila de Marshalls, la batería en el suelo, un montón de ceniceros, cajas de pizzas y volando los amplificadores con rock and roll. Así que cuando lo capturas, como en la última escena, tienes una visión bastante clara de cómo es para nosotros”. Por sobre todas las cosas está la camaradería.

Cancionero Rock: “Moonchild”- Iron Maiden (1988)

Seven deadly sins
Seven ways to win
Seven holy paths to hell
And your trip begins

Seven downward slopes
Seven bloodied hopes
Seven are your burning fires
Seven your desires

Esa es una de las intros más reconocidas del cancionero de Iron Maiden, y una de las más épicas. “Moonchild” es el tema que abre toda la magia que envuelve a este concepto y es, sin duda, una de las más atesoradas canciones de la banda realizadas en un gran momento de creatividad lírica de parte del amo y señor Steve Harris.

En la antigüedad, se consideraba que esta persona tenía poderes como la clarividencia. El personaje en el álbum, de hecho Moonchild (niña de la luna) dentro de la doctrina del Thelema del mago ocultista  Aleister Crowley es conocida como Babalón o la Ramera escarlata citada en esta canción.

Acá expresa que el niño que lleva en su vientre no quiere estos poderes y que nunca los pidió, sin embargo, debe vivir con ellos. Debe elegir qué lado desea: el bien o el mal, qué camino tomará. En esta canción, Moonchild, es la persona que habla como el personaje “demonio” y le habla a quien dará a luz a este ser de la profecía

“Yo soy el que ha nacido.
El angel caído mirandote
Babilonia, la puta escarlata
Me infiltraré en tu gratitud
No te atrevas a salvar a tu hijo
Mátalo ahora y salva a los jóvenes.
Ser la madre de un bebe estrangulado
Se los propios demonios, Lucifer es mi nombre “

El diablo quiere que la madre mate a su hijo (estrangulándolo) para que el séptimo hijo no crezca y no derrote a Lucifer, el personaje del diablo.

“Cuento las cabezas de los no nacidos
Los malditos los encontraré a todos.
Y si mueres por tu propia mano.
Como suicida serás condenado.
Y si intentas salvar tu alma.
Te atormentaré, no envejecerás.
Con cada segundo y aliento que pasa.
Estarás tan solo que tu alma se desangrará hasta morir”

Lucifer está diciendo que matará a todos los Séptimos Hijos. Cuando está hablando de suicidio, está diciendo que si el Hijo se suicida, será condenado a una vida en el infierno. Si trata de escapar del dominio del diablo, será atormentado y torturado por el diablo para siempre.

“Los gemelos están agotados, siete es esta noche.
Géminis se levanta mientras los labios rojos se besan para morder.
Siete ángeles, siete demonios luchan por su alma.
Cuando Gabriel se acuesta a dormir, este niño nació para morir”.

Los gemelos, refieren al signo astrológico de Géminis como se menciona en la siguiente línea. Los siete ángeles y los siete demonios representan la pregunta de si elegirá hacer el bien o el mal. Gabriel es una referencia al ángel de la biblia que le dio a María la noticia de que ella daría a luz a Jesús. Como Gabriel está durmiendo, no hay nadie para dar la noticia. Por lo tanto, el niño no morirá.

“Uno más muere una vida más
Un bebé llora una madre llora
Por todos los pecados cometerás.
Pedirás perdón y ninguno te lo daré.
Una red de miedo será tu abrigo.
Para vestirte en la noche
Un escape de suerte para ti joven
Pero te veré condenado en la noche interminable”

Cuando Steve Harris puso la pluma para este tema  verdaderamente con esta historia estaba inspirado, él está hablando de todos los pecados que cometerá el hijo y está diciendo que cuando el hijo le hace mal al diablo, pero luego vuelve arrastrándose para pedir perdón, el diablo no lo llevará y lo condenará al infierno. Esta red de miedo posiblemente se refiere a cómo el diablo atormentará y asustará al hijo debido al hecho de que el hijo escapó de su alcance y escapó de él. Harris luego dice que en la huida del hijo tuvo mucha suerte, pero el diablo un día lo encontrará y hará que el desee quedarse con el diablo, dejando todo en suspenso, para así continuar con esta maldita historia que tiene su hilo en el concepto general del álbum y en el tema que da nombre a él.