Hermanita ven conmigo: 15 canciones de rock anglo mezcladas con frases y coros en español

El español es una lengua romance que procede del latín hablado. El inglés es una lengua germánica occidental que surgió en los reinos anglosajones. Hace un par de años la Real Academia Española (RAE) causó noticia al incluir el vocablo espanglish -forma de hablar muy común de los latinos que viven en Estados Unidos- en sus ediciones debido a la presión de la Academia Norteamericana de la Lengua Española.

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Dejando las formalidades, pero tomando en cuenta la mezcla de los idiomas, nos podemos centrar en que durante gran parte de la historia de la música, grandes baluartes del rock han hecho canciones que mezclaron el inglés con partes en español, algunas bien complicadas de descifrar y de describir como fue lo realizado por The Clash en “Should I Stay or Should I Go” o “Spanish Bombs”. Sin embargo, tenemos otros ejemplos de bandas que han sabido combinar muy bien ambas lenguas como Pixies en “Isla de encanta” o  The Mars Volta con “L’Via L’Viaquez”.

En la siguiente lista, les dejamos varios ejemplos de bandas que incorporaron el español en canciones con gran parte de su lírica en inglés o de agrupaciones que se arriesgaron a realizar sencillos en español siendo su idioma madre la lengua inglesa.

The Ramones – Havanna Affair:  “Baby baby make me loco / Baby baby make me mambo”

Kyuss – Rodeo: “Rodeo/Rodeo/Rodeooooo!!!”

Suicidal Tendencies  – Su Casa es mi casa: “Su casa es mi casa, porque estoy muy loco”

U2 – Vertigo: “Uno, dos, tres, catorce!…Hello, hello (hola) / I’m at a place called Vertigo (¿dónde está?)”

A.F.I. – The Leaving Song Pt. 2: “Yo he estado aquí muchas veces antes y regreso”

The Clash- Spanish Bombs: “Spanish bombs, yo te quierro y finito / Yo te querda, oh mi corazón”

The Clash – Should I Stay or Should I Go: “Should I stay or should I go now? (yo me enfrió o lo soplo) / If I go there will be trouble (si me voy va a haber peligro)”

Coal Chamber – Loco: “Pull – steamroller rollin’ through my head said attached to loco”

Janes Adiction – Stop: “Señores y señoras / Nosotros tenemos más influencia con sus hijos que tú tiene / Pero los queremos / Creado y regado de Los Ángeles, ¡Juana’s adicción!”

Pixies – Isla de encanta: “Hermanita ven conmigo / Hermanita ven conmigo / Hay aviones cada hora”

Beck – Loser:  “Soy un perdedor I’m a loser baby so why don’t you kill me?”

Jack White – Lazaretto: “Yo trabajo duro / Como en madera y eso / Como en madera y eso”

Tomahawk – Desastre natural: “Hoy es un día cuando un simple beso / resolvería todo, hacernos olvidar”

The Mars Volta – L’Via L’Viaquez: “L’Via / Hija de Miranda / Tu Apellido se cambió / L’Via Sin ojos me quieres dar/Una historia sin mi madre”

The OffSpting:  Pretty Fly (For A White Guy): “Un, dos, tres, cuatro cinco cinco seis”

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Discomanía: El debut de Garbage, la bella y la bestia del rock alternativo

 

Soy dulce pero si me jodes te arrastraré por los suelos”, dijo Shirley Manson por allá por el 96. Sus palabras demuestran las características de esta mujer: tentación, rudeza y una intérprete notable. La vocalista de Garbage sostuvo estas palabras un año después de que su primera placa se consolidara como una de las mejores y se posicionara en las partes más altas de los listados musicales.

“Corazón valiente”, “Toy Story”, “La balada del pistolero” o el “Día de la bestia”, fueron las películas lanzadas en 1995. Una cuota no menor de cine que hasta el día de hoy marcan altas audiencias y son valoradas como las mejores en su género. También hubo hechos horrorosos como la matanza por parte de las tropas serbias de más de 8000 civiles bosnios en la ciudad de Srebrenica, en Pakistán asesinaban a disparos a uno niño de 12 años llamado Iqbal Masih, quien sería recordado como el símbolo de la lucha contra la esclavitud infantil. En el plano musical, Alanis Morissette sacó el exitoso “Jagged Little Pill” y Elastica hacía lo suyo con su homónimo, también estaba Cranberries con la poderosa Dolores O’Riordan en la palestra a través de sus giras mundiales. Las tres eran con sus agrupaciones y voz el bastión de la reivindicación de las mujeres en la música a mitad de los 90. No obstante, había una que saldría desde lo más visceral y rebelde de la sociedad a sellar que ella era la antítesis de las jóvenes convencionales: Shirley Ann Manson.

La escocesa, había sido constantemente atacada por sus compañeros de curso en la infancia los cuales enfocaban su rabia y agresión al color de su pelo y aspecto. Desde pequeña Manson supo canalizar su ira y frustración a través de la música y aprendió a tocar piano a muy corta edad, además de hacer varios proyectos musicales anteriormente a Garbage donde destacó en teclado y voz como fue en Goodbye Mr. Mackenzie y Angelfish. Sin embargo, su éxito se consolidaría en la banda de rock alternativo.

Cuenta la historia que los productores Butch Vig, Duke Erikson y Steve Marker estaban mezclando un tema de Nine Inch Nails cuando un amigo (se presume que fue Trent Reznor) les expresó que lo que estaban grabando simplemente sonaba como “Garbage” (“basura”). Ese fue el momento cúlmine para hacer este nuevo proyecto y lo bautizaron como habían catalogado a su sonido. Sin embargo, les faltaba alguien que llevara el peso del grupo en cuanto a lo vocal y actitud, eligiendo a una pelirroja con una puesta escénica feroz y con una poderosa voz para que tomara las riendas de la banda. Manson, al mismo tiempo que unió a la banda,  estaba batallando con una fuerte depresión lo que canalizó a través de la agrupación, dándole  el tono con el cual se caracterizarían.

Hacían su debut en agosto del 95 con su disco homónimo que poco a poco se fue ganando críticas positivas por parte de los especialistas. Pero lo que comenzó a llamar la atención eran las características de la vocalista quien pasaba por todos los estados de ánimo para hacer sus presentaciones y darle un matiz a cada canción del larga duración. El primer single “Vow” se convirtió en uno de los mejores sencillos del LP. Su sonoridad oscura y explosiva más una letra de venganza fueron lo que les bastó para hacerse un hueco en la industria de la música. “I can’t use what I can’t abuse(“no puedo usar lo que no puedo abusar”), es parte de la polémica lírica, pues supuestamente hace referencia a la amputación del miembro de John Wayne Bobbitt por parte de su esposa Lorena Gallo mediante el uso de un cuchillo. Pero el baterista de Garbage, Butch Vig salió a desmentir todo expresando que trataba de una noticia que habían leído en algún periódico sobre la venganza de una mujer contra su marido que nunca se pudo consumar.

“A stroke of luck” y “Milk” ostentan la oscuridad del drama y el dolor. La poderosa voz de Manson es inocultable y entrega una gama tonal que cala a cada instante. Los track del disco de más 50 minutos se encuentran sumergidos en una vorágine de sensaciones que van desde el vicio hasta la vulnerabilidad, contando prácticamente un libro con pequeños cuentos sobre ciertos tópicos de la sociedad narrados por una voz elocuente y creíble mediante una banda sonora detallada.

“You thought I was a little girl / You thought I was a little mouse / You thought you’d take me by surprise / Now I’m here burning down your house” (Pensaste que era una niña pequeña / Pensaste que era una pequeña ratona / Pensaste que me tomarías por sorpresa / Ahora estoy quemando tu casa”), se expresa en “Not My idea” ejemplificando las letras lacerantes de la agrupación. Manson no es solo Garbage y viceversa, pues los otros miembros son los que mantienen en un muy buen hilo a su vocalista mediante los teclados y sintetizadores, acompañados de samples y filosas guitarras.

En “Only Happy When It Rains” se explaya sobre la infeliz infancia que tuvo Shirley y por la cual pasó bastante malos ratos que no la pudieron dejar ser una niña normal en las escuelas de turno que tuvo durante su vida. Este sencillo fue el que catapultó a la banda a ser de fama mundial y se posicionó dentro de las primeras 30 canciones de los rankings de Estados Unidos y el mundo. A pesar de lo comercial de su sonido y de la alegre armonía que lleva en su música, la letra revierte todo eso para convertirlo en una vicisitud musical: (“I’m only happy when it rains, I’m only happy when it’s complicated, and though you cant’ apreciate it, I’m only happy when it rains”  (“Sólo soy feliz cuando llueve, sólo soy feliz cuando es complicado, y a pesar de que no puedas apreciarlo, sólo soy feliz cuando llueve”).

“Stupid Girl” podría ser considerado el mayor éxito de la banda. Es la piedra angular y por la cual es reconocida la agrupación liderada por Manson y los productores musicales Butch Vig, Duke Erikson y Steve Marker. El comienzo dio pie a especulaciones de plagio por parte de muchos críticos quienes encontraron tonalidades parecidas a un éxito punk de los The Clash. El hecho fue reconocido por la banda y le dieron los créditos a la banda inglesa mediante un inserto en la canción: “loop from Train In Vain by The Clash, used by arrangement with Sony Music”. La poderosa canción que se ubica en el puesto número 8 del LP, mismo número del día Internacional de la mujer, es una canción que advertían sería un gran éxito desde el momento en que comenzaron a grabar los samples (“Orange Crush” de R.E.M.) y las guitarras (“Shine On You Crazy Diamond” de Pink Floyd). “Es imposible predecir cuál canción será un hit, pero inconscientemente, yo sabía que la canción era buena cuando seguía tocándola una y otra vez en el estéreo de mi carro por meses”, dijo Vig acerca del hit que fue publicado como sencillo el 28 de febrero de 1996. El videoclip que no tuvo el mismo presupuesto que su antecesora “Only Happy When It Rain”, fue grabado solo en un par de horas y parte de la esencia del trabajo dirigido por Samuel Bayer (“Smells Like Teen Spirit”) tiene las mismas paletas de colores y efectos de la película “Seven” de David Fincher, protagonizada por Brad Pitt y Morgan Freeman.

Desde la portada que el disco tiene aquel atributo y propiedad de Manson,  plasmado en el arte de Janet Wolsborn y Garbage, la cubierta tiene una boa rosa de piel en la cual en el centro se encuentra la G y el nombre de la banda, un recurso que es muy parecido al utilizado por el film de 1999 de Sam Mendes “American Beauty”, pero que Garbage patentó antes que la ganadora al Oscar a mejor película. La fuerza vocal y feminista de Manson, junto a los monumentales productores que tiene de músicos hizo que la agrupación de nacionalidad estadounidense y escocesa sea considerada como una de las mejores de la historia centrando las miradas en la ferocidad de su frontman que sabe ocupar su poderosa figura como la cara visible de la música “basura”.

Videografía Rock: Rock The Casbah- The Clash

Para los fans de The Clash los nombres de Joe Strummer, Topper Headon, Mick Jones o Paul Simonon pueden resultar muy familiares, pero también The Clash contó con un séquito de fans, colaboradores y amigos que han ayudado a contar su legendaria historia.

Uno de ellos es Titos Menchaca, un actor que incluso actualmente ha tenido protagonismo en algunas películas (El último desafío (2013), Waiting for the Miracle to Come (2017) y en 2007 Missionary Man) y que ya por ese lejano 1982 fue uno de los singulares roles principales de este video, el primero en formato “videoclip” de la banda cuando MTV aún no existía propiamente tal.

Titos contó la historia del video de uno de los más celebrados tracks del álbum Combat Rock en más de una oportunidad, reviviendo un episodio controvertido y épico de la historia de la banda punk británica: “lo filmamos en 1981 en Austin, Texas y sus alrededores. Esto fue unos meses antes de que se lanzara MTV. En ese momento, era un joven estudiante de actuación cinematográfica (tenía experiencia/ capacitación en el escenario, pero trabajar frente a la cámara era una bestia diferente). Un día, después de clase, se mencionó que algunos muchachos estaban fuera de la ciudad para hacer una especie de rodaje de película. No sabía mucho al respecto, pero pensé que sería una buena oportunidad para trabajar frente a una cámara”, recuerda.

Titos Menchaca

Se armó un equipo improvisado de audiovisuales en aquella época con muy bajo presupuesto, y quienes le explicaron que estaban con The Clash y trabajando en un nuevo medio llamado “videos musicales” que las bandas iban a utilizar para lanzar canciones a compañías discográficas y otras potencias futuras. “Era un concepto tan extraño en el momento que no pensé mucho sobre eso después de la entrevista hasta que llamaron más tarde y dijeron que me querían para ser el jeque, les gustó el contraste entre mi altura (6’3″) y la del director de teatro local Dennis Razze, quien hizo el papel del judío y que pagarían $350 por un día de trabajo. Ahí fue cuando me llamó la atención”, dice en el relato de la historia del video de una de las canciones que marcaron el tono más ska y bailable de la banda, convirtiéndose incluso en un infaltable en las pistas de baile de la época hasta ahora.

El video, fue realizado en plena etapa de la reciente prohibición del rock en Irán por el Ayatollah Jomeini, líder político-espiritual de la Revolución islámica de 1979 y quien libró una guerra contra el Irak de Saddam Hussein debido a la disputa territorial fronteriza. El clip, que justamente “trolea” las censuras de los terrenos palestinos, hoy en día sigue siendo recordado como una humorada y un clásico, aunque tuvo que lidiar con los ataques críticos de los musulmanes debido a la satirización, más aún en aquellas partes que aparecieron portando botellas de alcohol (prohibidas por aquella religión).

“Disfruté de cierta notoriedad del video cuando se convirtió en un pilar principal de MTV (y más tarde VH1)”, cuenta Menchaca, “pero todo se calmó después de unos años, excepto por los fanáticos rabiosos de la banda (de los cuales hay muchos). Me parece interesante que tenga tanta relevancia social ahora, como lo hizo entonces. Quizás más. Además, los niños de hoy están redescubriendo el shock y cuando hago giras de artistas invitados en las universidades, mi “factor genial” se dispara de inmediato.¡Je je!”

Y es como para “quebrarse”, no es poca cosa salir en un episodio tan notable como el que brindó The Clash en una de las mejores etapas de su historia.



Por Patricio Avendaño R.

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2×1: “Should I Stay or Should I Go” -The Clash vs. Living Colour

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No es fácil llegar y atreverse con un clásico tan metido en el raigambre punk y del rock de todos los tiempos, pero por acá al menos creemos que Living Colour zafó-y bastante bien- al versionar esa gema del gran “Combat Rock” (1982) de The Clash llamada ‘Should I Stay or Should I Go’. Un cover que de paso nos demuestra esa inmensa fuerza y poder que emanaba de las tremendas guitarras de Vernon Reid y en este caso además de la incombustible batería de Will Calhoun para hacer más punketa aún este tema. También Corey Glover con su gran voz le da una vuelta bien interesante.

No es primera vez que la banda de estos negros con actitud enorme toma un clásico para semi-apropiárselo: su poderosa versión de “Sunshine of Your Love” de los legendarios Cream también fue algo notable, haciendo muy bien como un híbrido entre el homenaje y poner de su propia dosis. El caso de este tema ha dado pie generalmente para broches de oro en vivo, sin ir más allá en su última gira sudamericana abrochaban con esta furiosa versión, haciendo la pregunta de rigor a propósito del tema cuando la audiencia está prácticamente en llamas: “Should I Stay or Should I Go’?” (“¿Nos quedamos o nos vamos?”) Y que se descubrió en estudio en la versión extendida del gran debut “Vivid”.

De The Clash, qué decir, su música e influencias han sido tan transversales que una banda de corte punk, metal, rock alternativo, pop o new wave puede asimilar su estilo, lo que dice de lo grande que fue el cuarteto británico liderado por Joe Strummer.

Los dejamos con ambas versiones:

Por Patricio Avendaño R. 

Rockumentales: “The Future is Unwritten”, la historia de Joe Strummer de The Clash

Este es un documental bastante emotivo salido en 2007, de la historia de un ícono y un representante de primera factura del punk rock británico: el gran Joe Strummer.

Es bien completo porque recoge mucha memorabilia, imágenes y capturas de video incluso desde muy pequeño. La sufrida pérdida de su hermano quien se suicidó y lo marcó de por vida. Su paso  por Londres en las escuelas de Arte y Arquitectura, sus errantes cambios de ciudad en ciudad que lo hicieron conocer distintas culturas y estilos musicales y por supuesto, su llegada a The Clash y la consecución de ser el vocalista de una banda líder de todo un movimiento en una época justa y necesaria en Inglaterra, hasta su ocaso junto a ella, el giro drástico musical y todo lo que eso conllevó.

También se habla mucho de lo que pasó después de pasar por The Clash, sus pasadas por España que lo identificaron en las vueltas que le dio a su música, hasta su muy dolida muerte en 2002. Es la historia de un ídolo que se ha inmortalizado incluso más allá de lo que el mismo pensó.

Dirigido por un especialista en la materia, el gran Julien Temple, te lo dejamos completo y subtitulado:

Damon Albarn y Noel Gallagher se unieron para tocar temas de Gorillaz y The Clash

(left to right) Damon Albarn, Noel Gallagher and Graham Coxon performing on stage during their Teenage Cancer Trust gig, at the Royal Albert Hall in London. PRESS ASSOCIATION Photo. Picture date: Saturday March 23, 2013. Photo credit should read: Yui Mok/PA Wire

Qué superbanda se formó anoche en un concierto especial en conmemoración del cumpleaños de un célebre de The Clash.

Noel Gallagher y Damon Albarn (quienes no es primera vez que hacen algo juntos en vivo) se unieron con Chrissie Hynde (The Pretenders) y Paul Simonon de The Clash para celebrar el cumpleaños 60 de éste último.

El bajista de The Clash Simonon, que cumple 60 años el martes (15 de diciembre), fue celebrado con esta improvisada reunión. El hijo de Ringo Starr Zak Starkey, Jeff Wootton (colaborador de Albarn), el rapero Kano y otros estaban también entre los invitados.

Gallagher se unió Albarn, Simonon  para interpretar el tema de Gorillaz ‘Dare’, además de algunos clásicos de The Clash como ‘I Fought the Law”,”Brand New Cadillac”y “Janie Jones”.

Disco Inmortal: The Clash-“London Calling” (1979)

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“This is London calling…” (“Aquí Londres llamando…”), frase que se ocupó frecuentemente por la radioemisora British Broadcasting Corporation, mejor conocida como BBC durante la Segunda Guerra Mundial, fue la que los The Clash tomaron e hicieron propia para dar nombre al álbum doble que los llevaría a ser en los 80’ “la única banda que importa” en el mundo. En cuanto a la portada, se reduce al momento en que Paul Simonon rompe su bajo en una presentación en Nueva York meses antes de que saliera a la luz el disco. La encargada de inmortalizar el momento del bajista fue Pennie Smith quien dijo que la toma no era buena en cuanto a lo estrictamente técnico, pero Joe Strummer junto a Ray Lowry -que estaba a cargo del arte- dijeron lo contrario y escogieron como tipografía las mismas que ocupó William V. Robertson en la caratula del homónimo de Elvis Presley para lanzar la obra al estrellato. Incluso, la apreciación de Smith cambió radicalmente y años después mencionó que fue la “captura del último momento del rock and roll, la pérdida total de control”.

Para muchos siempre serán una suerte de segundo lugar en el punk del Reino Unido debido a que los Sex Pistols conservarán el cetro por ser los pioneros del movimiento. Incluso han sido catalogados, por un lado, de haber hecho que el punk fuese más melódico en vez de seguir la pauta imperante de destrucción y, por otro, de ser unos vendidos por poner la firma en una discográfica como CBS. El debate daría para largo, pero el énfasis debe ponerse en el análisis del cambio radical que realizaron los The Clash con el magnífico London Calling de 1979 y del giro que tomó, por qué no decirlo, el mismo punk con este trabajo.

Puede esperarse de todo por parte del magazine Rolling Stone y ello se puede reflejar en que sin pelos en la lengua eligió como el mejor disco de los ‘80 a la obra de los liderados por Jones y Strummer. Sí, leyó bien: el mejor disco de los ‘80, siendo que, precisamente, fue sacado con todas las de la ley el 14 de diciembre de 1979. Muchos de los entendidos sabemos que las publicaciones del magazine estadounidense siempre han tenido una connotación especial y plagada de polémicas a la hora de tildar qué larga duración es o no mejor que otro o cuál es el que debería ser elegido como obra máxima.

Sin obviar el foco central al cual estamos invitados, London Calling podría definirse como el éxito más grande de los Clash, pues en él se deja en evidencia que la creatividad de los integrantes sumado a las experiencias que se formaron debido a las curiosidades por tener entre sus sonidos el reggae y el ska, sin dejar de lado el rock and roll y por supuesto el punk, estaban llevándolos a dar un salto cualitativo y cuantitativo en la historia de la música.

Otro punto de inflexión también se sitúa en la dualidad que protagonizaron en las letras de cada canción Joe Strummer y Mick Jones. Todo ello dejado más que de manifiesto en la canción que da nombre al disco, donde la carga política, los eventos mundiales con referencia a las posibles catástrofes nucleares y la sátira son los elementos principales para dar el vamos a una batería de razones por las cuales el mundo debería tomar conciencia. Por ello, Strummer estuvo preciso para terminar el sencillo con una frase apocalíptica: “I never felt so much a-like…” (“Nunca sentí nada parecido…”).


“London is drowning / And I live by the river” (Londres se está inundando/Y yo vivo junto al río)

Sin embargo, a Paul Simonon no se le puede dejar de lado en este disco, pues fue él quien nos entregó una pieza musical y elegida por muchos como himno como la grandiosa ‘The Guns Of Brixton’ que tiene todos los condimentos del reggae para acompañar el descontento del pueblo de Brixton con acciones represivas que acontecían en la localidad por parte de la policía sumando la depresión económica y personificado en un ‘Rude Boy’. Cuando London Calling fue remasterizado, la obra de Simonon fue elegida como single para promocionar el álbum y siendo muy bien recibida por la crítica especializada.


“When the law break in / How you going to go? / Shot down on the pavement / Or waiting on death row? (Cuando la ley irrumpa / ¿Cómo te vas a ir? / ¿Abatido a tiros sobre la acera? / O ¿esperando en el corredor de la muerte?)

‘Spanish Bomb’ comienza nombrando a uno de los más grandes poetas de la historia como fue Federico García Lorca, ferviente opositor a Francisco Franco y que fue asesinado en circunstancias que todavía se siguen investigando a pesar de los impedimentos que ha puesto la derecha hispánica. “Spanish songs in Andalucia / The shooting sites in the days of ’39 / Oh, please, leave the vendanna open / Federico Lorca is dead and gone (Canciones españolas en Andalucía / Los sitios tiroteados en los días del ‘39 / ¡Oh!, por favor deja la ventana abierta / Federico Lorca está muerto y se ha ido).”

También es un homenaje a los que defendieron el Frente Popular español en la Guerra Civil Española donde el bando dirigido por Franco triunfó e impuso la dictadura que imperó desde 1939 hasta su fallecimiento en 1975. La única falencia que se le ha criticado a la canción ha sido la mala traducción que le dieron a las frases españolizadas que incluyeron y que por razones obvias carecen de sentido lógico.

“Spanish bombs, yo tequierro y finito / Yote querda, oh mi corazon / Spanish bombs, yo te quierro y finito / Yo te querda, oh mi corazon (Bombas españolas, yo te quiero infinito / Yo te quiero, ¡Oh!, mi corazón / Bombas españolas, yo te quiero infinito / Yo te quiero, ¡Oh!, mi corazón).

‘Train In Vain’ que no aparece en el listado oficial del disco y no es del por qué no fue incluida inicialmente, pues una de ellas narra que sería la promoción en solitario del disco bajo la dirección de la New Musical Express (NME), pero que su autor, Mick Jones se negó a último momento debido a que la consideró demasiado buena para que estuviese ligada al pasquín que se edita desde los años ’50 y que tuvo uno de sus periodos más populares justamente cuando el punk estaba en la palestra, otra interpretación sugiere que el sencillo era demasiado pop y es por ello que comenzaron a sentirse más fuertes los roces entre Jones y Strummer. Sin embargo, la canción no contiene los condimentos que dieron a los Clash su categoría y su sentido se torna por muchos momentos melodramático, y por ello y por un sinfín de motivos más, fue elegida para que Joseph Gordon-Levitt la cantara – casi desgarrado de amor- en un karaoke en la cinta de Marc Webb (500) Days of Summer.

“Did you stand by me / No, not at all / Did you stand by me / No way (Te quedaste conmigo / No, para nada / Te quedaste conmigo / De ninguna manera).”

Ad portas de cumplir 35 años desde su lanzamiento, London Calling sigue siendo pieza fundamental para todo aquel que desea escuchar algo con un estilo musical variado, con un pensamiento diferente y una crítica mordaz hacia la elite y la clase dirigente. El material de los The Clash que se posiciona como su tercera placa de estudio nos hace profundizar en nuestros ideologías y reflexiones y nos hace, a la vez, cuestionarnos si la frase de Joe Strummer “I never felt so much a-like…” (“Nunca sentí nada parecido…”) es tan disímil hoy a lo que sucedía décadas atrás en el mundo.

Por Bastián Cifuentes A. 

Miembros de The Clash, Roxy Music y Aterciopelados crean nuevo súpergrupo

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Estamos en la era de las súperbandas hace rato y dia a día más de estas reuniones de constelaciones de estrellas van apareciendo. Hace poco te mostramos el primer LP de la increíble agrupación de bestias del hardcore y el metal Teenage Time Killers y ahora se anuncia la reunión entre miembros de bandas tan clásicas como del tamaño de Roxy Music y The Clash. 

Así es como el guitarrista de Roxy Music Phil Manzanera (quien ha vuelto a estar muy en boga por su participación en los nuevos discos de Pink Floyd y David Gilmour)  y el bajista de The Clash Paul Simonon han unido sus fuerzas junto a la leyenda del afrobeat Tony Allen, a la estrella de rock italiano Ligabue, y otros.

El súpergrupo – que también tendrá su parte latina, ya que cuenta con nuestra cercana Andrea Echeverri (Aterciopelados) y Anna Phoebe (Trans-Siberian Orchestra) – hará su debut en La Notte della Taranta, un festival de música que tendrá lugar en Salento, Italia el 22 de agosto. Manzanera será el maestro de ceremonia del festival.

Hasta el momento la reunión se plantea como un espectáculo en el festival italiano y no queda claro si servirá para algo más adelante. Ahora, ¿Qué resutará de eso? Es lo más interesante que nos podemos preguntar hasta el momento y lo sabremos cuando todas estas diversas estrellas se reúnan en el magno escenario italiano.